Archivo mensual: noviembre 2023

Esta firmante reitera, como escribió en el prólogo a sus entradas del SEFF/Muestra de Cine Europeo 2023, su agradecimiento infinito a cuantas personas, entidades, asociaciones, colectivos y plataformas, entre un largo etcétera, han hecho posible – con sus esfuerzo, trabajo, compromiso, iniciativas, recogida de firmas, páginas, reuniones, comunicados y manifiestos – la celebración, aún muy recortada, sin Palmarés, y en otoño, como procede, del Certamen.

Lo hace igualmente, nobleza obliga, con un equipo que ha asumido un marrón considerable en una Edición que parecía condenada a su ínfima versión y, con el tiempo en contra y todas las limitaciones del cambio de fecha, han conseguido una Muestra, se insiste muy recortada, precaria y pródiga en preestrenos, pero digna.

Quien esto firma, reclama para el SEFF 2024, recogiendo en gran parte el sentir de las personas, plataformas, entidades, asociaciones y colectivos implicados y, por descontado el suyo propio los siguientes apartados/peticiones:

Recuperar la fecha original de principios de noviembre, para que no se pierda su lugar en la Agenda de los Festivales Europeos y la oferta de títulos procedentes de estos sea mucho más amplia, innovadora y rigurosa.

Recuperar TODAS las Secciones SIN EXCEPCIONES. No pueden perderse de nuevo las de Historias Extraordinarias, Revoluciones Permanentes, Las Nuevas Olas No Ficción, por poner sólo estos ejemplos.

Recuperar, por consiguiente, unas SEÑAS DE IDENTIDAD de rigor, transgresión y acercamiento a nuevas filmografías, estilos y lenguajes, que le han convertido en uno de los Festivales más prestigiosos y reconocidos a nivel nacional y europeo.

Recuperar los Encuentros y Ruedas de Prensa, en horarios compatibles con las proyecciones, que tanto estimulan y enriquecen lo visionado.

Recuperar el Palmarés y los Premios de los distintos jurados, incluído, por supuesto, el de la Crítica, sin los cuales está vacío de contenido y se convierte en una Muestra meramente expositiva.

Recuperar las sesiones matinales de la Oficial y Las Nuevas Olas a concurso, para que el público en general y las personas acreditadas en particular tengan ocasión de visionar otras en las franjas de tarde-noche.

Recuperar una mucho más generosa cuota de entradas reservadas para la gente de prensa, ojos y proyección mediática y en redes del Festival, que las canjean con las acreditaciones al menos una semana más tarde que el público y se encuentran con que están agotadas la gran mayoría de películas más interesantes sobre el papel.

Recuperar la puntualidad en las salas y así evitar las luces de linternas y móviles que desvían la atención de las proyecciones. Esta firmante da fe de que ayer por la tarde la sala en la que estuvo se convirtió en un preestreno del alumbrado navideño…

Recuperar y aclarar que deben apagarse los móviles durante las sesiones. Cosa que, desde luego, ni se cumple, ni se hace constar.

Y, por supuesto, más miradas de mujer en todas las Secciones y exclusión sin ambages de aquellos títulos que contengan explotación, abuso, maltrato y asesinato de animales de todas las especies.

Seguro que se quedan más cosas en el tintero, pero hasta aquí llega esta firmante. El resto, corre a cargo de las personas interesadas en no perder el Patrimonio Cultural, no sólo cinematográfico, de nuestra ciudad. Nuestra Fiesta del Cine por excelencia.

Escrito queda.

Dos madres para un sólo hijo. Dos mujeres, una estenotipista y otra profesora de piano, para un hijo – músico, melómano, pianista, afinador de instrumentos, amante de los viajes y cinéfilo – que sólo vive con una de ellas, su madre adoptiva a quien le dijeron que la progenitora del niño había muerto en el parto, y que va a conocer a la otra, su madre biológica, que ha pasado décadas buscándolo infructuosamente.

Estructurada en capítulos y con el hilo conductor de las voces en off, que expresan pensamientos, hechos y correspondencias epistolares, su narrativa es singular, transgresora y cualquier cosa menos lineal.

De hecho, su tratamiento obliga a concentrar la atención porque no permite asentarse en ninguna zona de confort. Ambientes, lugares, planos, enfoques y puntos de vista subvierten el relato tradicional, pero te premian con la reconstrucción de todas las piezas.

‘Sobre todo de noche’ nos muestra a una mujer valiente, coherente, decidida e incansable en su denuncia de las diversas instituciones jurídicas, médicas y políticas que le han impedido, con el más insidioso juego sucio del poder, encontrar a su hijo.

Nos muestra cómo ella aprende utilizar los recursos de tales enemigos a su favor. Mientras, vemos las imágenes de archivo de la llamada Transición, sus líderes políticos, sus manifestaciones y sus miserias. Mientras l@s bebés eran robad@s.

De esa vibrante y cañera primera parte, se pasa, vía road movie, con sorpresa incluída, a una mucho más intimista en la que la progenitora oficial con el hijo van al encuentro de la biológica.

Porque el realizador ofrece también, a su alternativa y sui generis manera, la vulnerabilidad y empatía de otra mujer, sabia, madura, comprensiva y sensible, quien igualmente ha sido engañada en el proceso y que teme perder a quien más quiere en el mundo en esta cita tan importante.

Un encuentro a tres en las que ambas protagonistas – eminentes Lola Dueñas y Ana Torrent – no sólo no rivalizan, sino que empatizan y son generosas para acercarse afectivamente la una a la otra.

Ellas, junto con el chico entre ambas, deberán cumplir una última misión que les encarga para un fin, tanto de justicia particular como colectiva, a modo de venganza la que fue damnificada por los más pérfidos y siniestros poderes fácticos. Y…

Coproducción entre España, Portugal y Francia, de 108 minutos de metraje. La escribe, junto a Isa Campo y Andrea Queralt y la dirige, en lo que es una hermosa y arriesgada ópera prima, el guionista, asistente de dirección, director de fotografía y cineasta Víctor Iriarte, cosecha del 76.

La fotografía con fuerza y elegancia Pablo Paloma y la potente banda sonora se debe a Maite Arroitajauregi. Mencionar también la excelente intervención de María Vázquez y el contrapunto masculino que compone con acierto Manuel Egozkue.

Ganadora del Premio FIPRESCI del Jurado de la Crítica Internacional en la Seminci vallisoletana. Todos los reconocimientos le son debidos.

Déjense interpelar e incomodar por ella. Permítanse fluir ante toda su complejidad, arrojo y audacia, abran sus mentes y NO SE LA PIERDAN.

Esta firmante no ha parado de darle vueltas a esta película, cuya traducción al castellano sería, aproximadamente, el deshielo. Así será su título español cuando se estrene y así se llama la novela en la que se basa, impactante debut literario de la escritora, articulista y guionista belga Lize Spit, cosecha del 88. Un libro que esta firmante no ha leído.

Y no ha parado de darle vueltas porque el también impresionante debut cinematográfico de una mujer – la actriz, cantante, guionista y cineasta belga Veerle Baetens, cosecha del 78, conocida sobre todo por protagonizar ‘Alabama Monroe’ (2012), por los que ganó los premios de interpretación del Cine Europeo y del Festival de Tribeca – tan potente y oscuro, tan lacerante y terrible, tan desgarrador como complejo… resulta difícilmente olvidable.

La historia sigue a Eva en el presente – una joven de 26 años, que trabaja como ayudante de iluminación, carece de vida social y su único vínculo es su hermana menor, con la que comparte apartamento en Bruselas, pero esta va a mudarse con su pareja y…

… Y a la Eva del pasado – una niña de 13, ávida de atención, reconocimiento, amistad y afecto que no encuentra ni en su madre alcohólica, ni en su padre propenso a estallidos de violencia – muy unida a dos amigos de su edad por quienes es capaz de traicionar a otras chicas y a sí misma, inventando juegos escabrosos que la conducirán a la peor de las pesadillas en un verano descontrolado y atroz.

Ambas se unen cuando la Eva adulta, tan marcada por tales terribles sucesos de los que fue víctima, vuelve al pueblo para encontrarse cara a cara con quienes le hicieron tanto daño y con quienes la desampararon, siendo cómplices y encubridores-as. Con quienes debieron protegerla y la rechazaron.

Ambas se unen, cerrando el círculo, cuando la Eva adulta vuelve al pueblo, con un bloque de hielo similar al del jeroglífico que desembocó la tragedia, en el que se celebra un homenaje al hermano muerto de uno de sus «amigos», y está decidida a llegar hasta el final con todas las consecuencias, incluso cuando pueden involucrarla a ella misma.

Como pueden apreciar, esta firmante no hace, ni hará, spoiler. Porque esta película no puede ser desvelada, hay que verla, hay que sufrirla, hay que vivirla y hay que sentirla en toda su enormidad, en todo su desconsuelo, en toda su devastación.

Coproducción entre Bélgica y los Países Bajos ( Holanda ). Su sólido guion adaptado lo firman la directora y Maarten Loix. La excelente fotografía es de Frederic Van Zandycke y la notable banda sonora, de Bjorn Eriksson. Destacar, de entre un reparto entregado, a las dos actrices que interpretan a la Eva adulta, Charlotte de Bruyne, y muy especialmente a la niña, magnífica Rosa Martchant, Mejor Actriz en Sundance, cuyo jurado destacó también los valores del filme.

Escrito queda. Todos los reconocimientos le son debidos. Ni se les ocurra perdérsela.

¡¡¡Qué decepción, qué pena, qué frustración, qué enojo, ha experimentado quien esto firma al visionar esta tarde ‘Un silencio’, de su estimado director y guionista belga Joachim Lafosse – cosecha del 75, con títulos en su haber como ‘Perder la razón’ (2012), ‘Los caballeros blancos’ (2015) o ‘Después de nosotros’ (2016)!!!

Porque dado su talento tras la cámara, dadas la intensidad y contención de sus historias, dado su compromiso al retratar a los grupos humanos unidos por lazos de sangre, dada su potencia y dada su delicadeza, esperaba mucho de su tratamiento de esta historia.

Una historia basada en hechos reales ficcionados, como muchas de las que él ha documentado en su filmografía. Una historia dura en la que la familia, aparentemente modélica, de un reconocido abogado defensor de víctimas de pederastas se resquebraja cuando un terrible secreto y su ocultamiento durante décadas, luego complicidad y encubrimiento, salen a la luz.

Una historia que pudo haber sido más grande que la vida, porque Lafosse posee los talentos y el oficio requeridos para filmarla. Una historia que pudo haber sido demoledora, porque lo es su terrible temática, y una denuncia de la cínica perversión de quien presuntamente era valedor de criaturas rotas por experiencias de una crueldad inimaginable.

Una historia que pedía a gritos un tratamiento narrativo coherente, sólido y potente sin por ello caer en excesos melodramáticos. Una historia mal contada y peor filmada, con un pésimo guion repleto de oquedades, dispersiones y fisuras. También de oscuridades en el sentido tanto literal como metafórico del término. Una historia…

Coproducción entre Bélgica, Francia y Luxemburgo, de 100 minutos de metraje. Su nada distinguida escritura, a la que ya hemos hecho alusión, la firma el propio Lafosse junto a Chloé Duponcelle y Paul Ismael. La fotografía efectista y tenebrosa corre a cargo de Jean-François Hensgens.

Emmanuelle Devos le presta su talento interpretativo a este despropósito, que permite que incluso el excelente Daniel Auteuil resulte desvaído e ignoto. Como casi todos los personajes, por otra parte.

Escrito queda. Una verdadera pena lo que podía haber sido y no es… La pelota, en sus tejados.

Con el título de esta entrada, quien esto firma ha descrito ya la sensación que le produjo esta película. Habitada por realidades paralelas, cine negro, cine fantástico, ciencia ficción, enigmáticas pianistas, científicos de diverso calado, minas de uranio abandonadas, física cuántica, espías y multiversos entre un largo y, a menudo, embarullado e indigesto etcétera.

Y miren que el comienzo resulta sugerente y crea enormes expectativas: un científico que ha escrito un libro que, de bizarro, parece una fantasía, pero que él reclama como autobiográfico, defiende su verdad en un programa de televisión cuyos presentador y público se burlan de sus teorías obligándole a abandonar el plató. Corre el año de gracia de 1974 y la imagen aparece en color y en pequeño formato.

A partir de ahí, ocupa toda la pantalla y el color desaparece absorbido por un imponente y majestuosto, tan imponente y majestuoso como los paisajes de los Alpes Suizos que retrata, blanco y negro, que seguirá todo el metraje.

A partir de ahí, retrocedemos doce años, a 1962, cuando tuvieron lugar los hechos descritos en el libro. El protagonista es invitado a un Congreso de expertos muy cualificados en Física donde el anfitrión, un muy cualificado y prestigioso iraní, promete una teoría innovadora sobre la mecánica cuántica.

El joven, invitado a su vez por el director de su tesis y muy reacio a tales ideas, espera con entusiasmo tal ponencia que comparte plenamente. Pero el iraní no se presenta y, aunque tiene el apoyo de otro profesor, el personaje se prenda de una enigmática mujer que parece conocer su vida, su pasado y algo, no tanto como ella cree…, de su futuro.

A partir de ahí, las incidencias más sorprendentes de los bucles espacio-temporales, de los portales abiertos al pasado y al futuro, de los diferentes finales y los diferentes destinos que tienen las personas en los universos paralelos o en un presente en el que se introducen cambios.

A partir de ahí, todo está permitido, todas las explicaciones y teorías son posibles mientras la trama se revuelve sobre sí misma y se oscurece cada vez más. Mientras los secundarios, hombres de abrigo y sombrero, son irreconocibles. Mientras ese amour fou de un soso protagonista no puede funcionar con la nula química que tiene con una desvaída partenaire. A partir de ahí…

Coproducción entre Alemania, Austria y Suiza, de 118 minutos de metraje. Escrita, junto a Roderick Warich, y dirigida por el director de fotografía, editor de cine, guionista y realizador Timm Kröger, cosecha del 85, del que es su tercera película.

Portentosa la fotografía de Roland Stuprich y eficaz, pero algo atronadora, la banda sonora de Diego Ramos Rodríguez. Del reparto coral, resaltar que son apenas figuras en un paisaje y a merced de asombrosos acontecimientos.

Pues ya lo saben. Se deja ver bien, por momentos es hipnótica, pero sus carencias y excesos son llamativos. Así que la pelota está en sus tejados.

Esta firmante ha saltado directamente a la tercera Jornada de la Muestra de Cine Europeo 2023 por haber pasado la segunda en casa y en la cama, debido a un fuerte resfriado de las vías respiratorias altas. Algo que ya ha escrito, pero que reitera para quienes pueda interesar y no lo hayan leído anteriormente.

Y ahora va a darles cuenta de esta singular historia en la que cuatro jóvenes, tres chicos y una chica, se reúnen en la casa de verano de la abuela de uno de ellos. En principio iban a ser dos para trabajar: uno en su novela y otro en una muestra de fotografías.

Pero se les unen un socorrista, o nadador de rescate como él mismo se autodenomina, y la única mujer, de ascendencia rusa, que regenta un puesto de helados en la playa y guarda más de una sorpresa, que aquí no se desvelará.

Uno y otra mantienen una tórrida relación sexual que molesta sobre todo al novelista, más puntilloso, tenso y reservado por razones que se revelarán a lo largo del metraje. El fotógrafo, en cambio, es mucho más comprensivo y se integra rápidamente.

Ambientada en la costa báltica, en un privilegiado entorno de bosques y playas, durante un verano seco y caluroso. Este paraíso está cercado, sin embargo, por el fuego que acecha en el pueblo y en los parajes más próximos. aunque el cuarteto se siente a salvo dada la orientación del viento.

A salvo de los incendios, sí, pero no de las emociones. El director nos muestra a estas criaturas presas de los deseos, amores, atracciones inesperadas, vínculos impensables, celos, resentimientos, envidias, agravios comparativos y un largo etcétera que el autor experimenta con más intensidad que sus compañera y compañeros.

Porque además, le da a leer su manuscrito a la chica y… Por si esto no fuera poco, el editor va a visitarlo, hace lo propio y… Una nueva revelación está al acecho y ahí, con las llamas cercándoles cada vez más, el estallido será inevitable.

Este relato fílmico que, en su primera mitad, adopta un tono rohmeriano aparentemente ligero, siempre divertido y amable, se va oscureciendo progresivamente hasta una conclusión presidida por el drama, aunque muy abierta y sin renunciar al humor inteligente e irónico que la preside.

Lo que se piensa, lo que se experimenta y lo que se dice. Lo que se pierde por no aprovechar las oportunidades. Lo que se ignora porque no se pregunta y lo que se gana por sincerarse. Como la vida misma con sus duelos, sus encuentros, alegrías, diversiones, secretos y pérdidas irreversibles.

Un ardiente, notable, intenso, sutil y pasional cuento de verano sobre las relaciones e interacciones humanas, sobre las apariencias y las realidades. Pero también sobre el talento, el esfuerzo, el compromiso, el trabajo creador y la cualificación que requiere.

La animalista que esto firma agradeció mucho al realizador las lacerantes imágenes de una familia de jabalíes huyendo de las llamas. Le agradeció que recordara a esas víctimas no humanas, no contabilizadas, que lo pierden todo y que carecen de un Plan de Evacuación y Rescate específico para ellas.

Produccíón alemana, de 102 minutos de metraje, escrita y dirigida por el guionista y director de cine germano Christian Petzold, cosecha del 60, del que destacar títulos como ‘Barbara’ (2012) , ‘En tránsito’ (2018) u ‘Ondina’ (2020).

Su fotografía tan hermosa y sutil como dramática, la firma Hans Fromm. De entre su sólido reparto, sobresalen Thomas Schubert y Paula Beer. El primero justamente nominado como Mejor Actor en los Premios del Cine Europeo. La película ganó el Gran Premio del Jurado, Oso de Plata, en Berlín.

Todos los reconocimientos le son debidos. NO DEJEN DE VERLA.

En una página turística online sobre la capital de Francia, quien esto firma ha encontrado la descripción de una nave única: «El Adamant es un barco que se encuentra a orillas del Sena en París. En este edificio especial, voluntari@s acogen cada día a personas adultas que sufren trastornos mentales ofreciéndoles un marco de cuidados que les ayuda a reconectar con el mundo exterior»

El actor, guionista y cineasta galo, siempre comprometido con los temas sociales, Nicolas Philibert, cosecha del 51, firma y filma este hermoso documental sobre esta peculiar vida a bordo. Sobre los talleres de cine, de manualidades, de movimiento corporal, del bar que regentan, de…

Pero sobre todo les hace hablar. Permite expresarse, y revelarlas, a unas personas marginadas en función de sus tormentos mentales o de sus desarreglos emocionales que nunca podrían costearse una terapia.

Y lo hace con respeto, con muchísimo humor, sin paternalismo, ni condescendencia algunos. Y lo hace con una puesta en escena en la que nunca hay plano contraplano de diálogos al uso, sino l@s visitantes, habituales o recién llegad@s narran sus vivencias a quienes les responden, pero están fuera de campo.

Y lo hace situando a pacientes y terapeutas en posición de igualdad a la hora de organizar las reuniones, las actividades, el organigrama del día a día. Aunque, lógicamente, l@s segund@s les cuidan y se aseguran que están bien, aprendiendo al tiempo de y con ell@s.

Y lo hace sin manipular, sin buscar cosquillas emocionales, sin subrayados, ni efectismos. Y lo hace para que la dureza de las vidas y mentes rotas, pero tan creativas y dotadas de lucidez, al tiempo que su vitalidad y energía, esté y sea la que ell@s mism@s declaran sin presión alguna.

Declaraciones como que son bombas humanas, cuyos detonadores deben tener bajo control. Como que, si no fuese por la medicación – apuesta sabiamente por la química, en este y en estos casos – los delirios, las obsesiones, la hipersensibilidad a los ruidos y al mundo exterior y los bucles no cesarían. Como que nadie es perfecto/a, entre tantas otras cosas tan crudas, como reconfortantes, entrañables, divertidas y tiernas.

Coproducción entre Francia y Japón, de 109 minutos de metraje. Ya se ha citado que la escribe y la filma el propio Nicolas Philibert, quien también es responsable de sus notables puesta en escena y fotografía.

Nominado a dos Premios del Cine Europeo: el del Público y el de Mejor Documental y ganador del Oso de Oro a la Mejor Película en el pasado Festival de Berlín. Todos los reconocimientos le son debidos.

Permitan que les interpele, que les rompa los esquemas, que les saque de sus zonas de confort y VÉANLA. Es una joya de visión obligada.

Antes que nada, esta firmante debe hacer constar que, estando como estuvo muy perjudicada ayer por un intenso resfriado, no tuvo los matices para elaborar mejor sus impresiones sobre esta película que nos ocupa y primera mirada de mujer vista por ella el día de ayer y primero del Certamen/Muestra de Cine Europeo 2023. Gala de Inauguración aparte.

Antes que nada, esta firmante debe hacer constar que, aunque sus reservas sobre esta propuesta siguen, le reconoce valores a este romance atípico entre una profesora de danza y un intérprete de lengua de signos cuya química es innegable en lo emocional, pero no en lo carnal, ya que él le confiesa que nunca ha sentido deseo sexual por nadie.

Lo que inevitablemente les conduce a un callejón sin salida, que deberán superar con generosidad y respeto. El primer punto positivo a favor de ‘Slow’- que cosechó abundantes aplausos al finalizar su proyección – es la singularidad de que es el varón precisamente quien padece, por así decirlo, esta disfunción.

El segundo punto positivo es que el cuerpo de la profesora, y protagonista, la estupenda actriz, coreógrafa y bailarina lituana Greta Grineviciute, no es el normativo al uso de sus colegas de profesión.

Por el contrario, es redondo, curvilíneo, muy sensual y, desde luego, lo usa maravillosamente en sus hermosas danzas, que interpretan bonitas canciones que se prodigan – quizás demasiado… – en la película.

Otro punto a su favor es que el personaje central sea una mujer autónoma que vive su erotismo libremente, con sinceridad y sin culpas al desvincularse de sus ocasionales compañeros de cama.

Por eso resulta chocante su dependencia de esta pareja tan atípica a la que, por cierto, la directora le retrata sabiamente en sus contradicciones machistas. Por eso resulta chocante que no se incida en ellas con complejidad y profundidad.

Que no se incida en el malestar que debe experimentar un varón con semejante peculiaridad en una sociedad patriarcal. Porque lo cierto es que se muestran más los devaneos, bailes, idas y venidas que una comunicación adulta entre ella y él.

Porque lo cierto también es que el personaje masculino no provoca ninguna empatía, más bien todo lo contrario. Y debería, debería tener un registro más sensible y tierno. Puede que sea un problema interpretativo, o de dirección, de quien lo compone, el actor lituano Kestutis Cicenas.

Coproducción entre Lituania, Suecia y España, de 104 minutos de metraje. La escribe y filma la guionista y cineasta Marija Kavtaradze, cosecha del 91. Su hermosa fotografía la firma Laurynas Bareisa y su envolvente banda sonora, Irya Gmeiner y Martin Hederos. Ganó el Premio a la Mejor Dirección en Sundance.

Con sus pros y con sus contras, desde luego que hay que verla.

Esta firmante, que se ha recluído hoy en su casa a consecuencia de un fuerte resfriado de las vías respiratorias altas, pretende dejarles constancia de lo visionado ayer. Y una de ellas es la película que nos ocupa.

Coproducción entre Francia, Marruecos y España, de 79 minutos de metraje. Coescrita, junto a Nathan Fischer y Damien Bonnard, el protagonista, por el dibujante, profesor de Puesta en Escena y de Narrativas Audiovisuales donostiarra Pedro Aguilera, cosecha del 77, del que es su cuarta propuesta.

Una filmografía la suya breve y valiosa, que ha cosechado importantes premios y que ha sido seleccionada por Certámenes de prestigio. Su espléndida fotografía e inquietante banda sonora, junto a Fernando Vacas, las firma Jimmy Gimferrer.

Destacar al omnipresente y poderoso protagonista, el ya citado Damien Bonnard, siempre al filo del exceso y de la sobreactuación como el propio filme. Un filme que sigue las vivencias del extraordinario poeta francés, y ser humano cuestionable, Arthur Rimbaud (1854-1891) en los años que pasó en el Cuerno de África como traficante de armas.

El realizador describe, con una puesta en escena cíclica, fantasmagórica y alucinatoria, presidida por la voz en off que desgrana los pensamientos, las emociones, las dificultades, las cartas a sus madre y hermana, y la desesperación de un hombre que ha abandonado la escritura, y que carece, o eso declara, de escrúpulos morales.

Muy al contrario, su transgresión es reivindicar tal ausencia de ética, hasta pretender despojarse de humanidad. Por ejemplo arremetiendo contra los nativos, el tempo pausado de otra cultura, la burocracia y… las especies no humanas

La animalista que esto firma, estuvo a punto de salirse en un par de momentos de la proyección. Menos mal que las elipsis la libraron de esta decisión, aunque el retrato del personaje le iba resultando más y más odioso por momentos.

Entre la intensidad y la desmesura, entre el paroxismo y los excesos narrativos, entre el valor y la osadía, entre la transgresión y la apuesta por un ejercicio de estilo desenfrenado y al límite, transcurre una película con la que se puede conectar o no.

Compruébenlo viéndola.

El argentino Federico Schumukler, es un guionista, asistente de dirección y cineasta argentino, que debuta en el largometraje con esta propuesta, coproducción entre su país, España, Guatemala y México de 83 minutos de metraje.

Una ópera prima que se centra en la mirada y las vivencias de un niño de 12 años, el Felipe del título, que vive con su madre, abogada, y su novio, en Córdoba y de vez en cuando visita también a su padre, médico e importante cargo político gubernamental, que cohabita a su vez en Buenos Aires con su nueva pareja.

Ambientada en el 2001 – en la devastadora crisis llamada del corralito – desde el punto de vista de esta firmante y teniendo una idea de partida interesante, falla en el enfoque, en el guion y en el tratamiento.

Falla al tiempo, aunque resulte paradójico, en la ambición y en la cortedad de miras. Falla porque, pudiendo hacer un análisis de un tiempo y un país a través de un microcosmos familiar, resulta esquemática en ambos casos.

Porque lo es en el tema de las relaciones personales, del entorno del niño en un hogar y en otro y en los retratos tan epidérmicos que ofrece de la progenitora, aunque ella está mejor contemplada como profesional, solidaria con l@s más vulnerables, y como persona, y del progenitor, siempre ausente, adicto al trabajo y con todas las consecuencias de su ejercicio de poder estallándole en la cara.

También resulta ambivalente en sus postulados ideológicos. De hecho, quienes protestan en las calles, por la desesperación que les impulsa al saqueo, son vistos como delincuentes y no como personas que no pueden acceder a las necesidades más básicas.

De hecho, quienes amenazan al padre son vistos como matones y no se les da la menor oportunidad de explicarse. Porque tal parece que el hombre a quien cuestionan les arrebató el trabajo y el pan. Esto por no entrar en su improbable conclusión.

Que quede claro que sus intenciones son buenas y que no insulta la inteligencia, pero…Su correcta fotografía la firman Marcos Navarro y Ricardo de Angelis. El reparto cumple, sin más.

Escrito queda.