Tertulia de cine Luis Casal Pereyra en Casa del Libro Viapol. Octava temporada: Primer recordatorio y ya tenemos invitada

Dentro de dos semanas justas – el martes, 5 de noviembre, a las 19.30, en Casa del Libro Viapol – tendrá lugar la próxima sesión de nuestra tertulia de cine Luis Casal Pereyra. Esta vez nos ha tocado en martes – en lugar de los primeros miércoles de cada mes, salvo festivos, como es nuestra tónica habitual – por un compromiso ineludible de la librería.

Debatiremos tres películas muy potentes y del máximo interés. A saber:

‘Mientras dure la guerra’, de Alejandro Amenábar, que sigue en cartelera. HAY QUE VERLA CUANTO ANTES.

‘Sorry, we missed you’, de Ken Loach, que se estrena el día 31, cinco antes de la tertulia. HAY QUE VERLA INMEDIATAMENTE.

Y ‘La trinchera infinita’, de Jon Garaño, Aitor Arregi y Jose Mari Goenaga, que entra el mismo día, 31 de octubre. HAY QUE VERLA INMEDIATAMENTE.

La invitada, todo un lujo y un honor, será Araceli Carrero Rimada, productora  – tanto en las suyas propias, como en las externas – y localizadora de equipos en cine, televisión y publicidad, de cuyo muy extenso currículum daremos cuenta in situ. Socia, además, de la Asociación Andaluza de Mujeres de Medios Audiovisuales, AAMMA, con quien la tertulia tiene una deuda de gratitud permanente.

Pues ya lo sabéis. Promete muchísimo y no os la podéis perder. OS ESPERO. NOS VEMOS EN DOS SEMANAS, EL MARTES, 5 DE NOVIEMBRE, A LAS 19.30, EN CASA DEL LIBRO VIAPOL.

 

 

‘Retrato de una mujer en llamas’: Entre nosotras

Esta es una película filmada desde una mirada de mujer; desde una inteligencia de mujer; desde un cuerpo de mujer; desde unos sentidos de mujer; desde una pasión de mujer; desde una estética de mujer; desde un erotismo de mujer; desde una sensibilidad de mujer; desde una escritura de mujer; desde la visión de la Historia, de la historia, del arte, del amor, del sexo y del mundo de una mujer.

Desde un enfoque narrativo y visual de una mujer; desde unos diálogos, unas situaciones y unos hechos de mujer; desde un microcosmos de mujer; desde una conciencia y un compromiso político de mujer… con un protagonismo absoluto de las mujeres en ella. Que precisamente por eso, por su calidad y singularidad dentro del cine contemporáneo, debería ser vista por tod@s sin excepciones.

Esta es una película de 120 minutos de metraje filmada por una mujer, la guionista y cineasta francesa Céline Sciamma – cosecha del 80, con títulos tan notables en su filmografía como ‘Tomboy’ (2011) o ‘Girlhood’ (2014) – y de cuyo guión también es responsable. Con una fotografía, de una belleza excepcional, debida a otra mujer, Claire Mathon y de una banda sonora a la altura, que suena cuando debe, firmada por Para One y Arthur Simonini y en la que El verano de Vivaldi tiene un importante papel. Premio al Mejor Guión en la pasada edición del Festival de Cannes.

Estamos en la Francia del siglo XVIII. Una pintora, que trabaja y enseña en el estudio parisino de su padre, recibe el encargo de hacer el retrato de bodas de una joven, que acaba de salir del convento y no quiere contraer matrimonio, ni ser plasmada en el lienzo. Deberá hacerlo a escondidas, como si fuera una acompañante, observándola muy atentamente y trabajando clandestinamente en un taller improvisado. Pero la artista y su modelo, que ignora que lo es, acabarán viviendo un romance imposible y prohibido…

Desde el arranque – con la creadora llegando en barco a la región donde va a trabajar y tirándose al agua, apenas sabiendo flotar, para salvar sus tablas – la realizadora hace una declaración de intenciones estética y narrativa. Desde la hermosura, que corta el aliento, de esos paisajes, de ese mar y de esas playas rocosas de la Bretaña francesa – integrados como elementos dramáticos y poéticos de libertad fuera del espacio, del tiempo y de las convenciones para las protagonistas – tratados con el esplendor que merecen, pero sin tentaciones preciosistas.

Desde esos interiores donde tres mujeres, de tres diferentes jerarquías en la escala social,  se relacionan – en ausencia de la señora y madre, que nunca está vista con trazos gruesos, ni esquemáticos, ni maniqueos, sino que pretende la felicidad, si bien impuesta, para su hija – en igualdad, empatía y sororidad, resolviendo lo que ya verán ustedes con los usos de la época. Y haciéndolo en un clima normalizado, pese al miedo y los riesgos, en una habitación con niñ@s alrededor… Algo que no se nos había dado ver en el cine.

Desde las miradas, los gestos, las melodías, lo innombrable, los colores, los pinceles, los trazos, la memoria de un rostro, de unas manos que pintan y que posan, de un cuerpo, de una expresión, los diálogos, los silencios, el cuerpo a cuerpo, la sexualidad, la sensualidad, la seducción… junto con la opresión, la imposibilidad de realización personal, las bodas concertadas, el drama de una hermana que se negó a seguir y legó un destino trágico, la menstruación, los embarazos no deseados… todo en ‘Retrato de una mujer en llamas’ revela unas señas de identidad estilísticas y éticas.

De puesta en escena y de tratamiento. Políticas, históricas, de opciones sexuales – porque la directora nos ha regalado una historia de ficción lésbica que pudo haber sido – y feministas. Y ese final, ese final, ese final, con esas dos claves… Servido además por actrices en estado de gracia como, sobre todo, Adéle Haenel y Noemi Merlant. Pero también Lùana Bajrami y Valeria Golino.

Intensa, poderosa, bellísima, cruel y a ras de las vidas de esos personajes oprimidos en función de su sexo, pero que son capaces de extraer placer, amor y mutuas solidaridades, nadie, nadie, nadie, debería perdérsela.

 

‘Dia de lluvia en Nueva York’: Interferencias

Para la mirada feminista de quien esto firma enfrentarse al cine de Woody Allen nunca ha sido especialmente cómodo. Menos aún en los últimos tiempos. Porque, ¿saben?, escribir esta entrada le ha implicado consultar mucha documentación. Sí, está exonerado de las acusaciones de abuso por parte de Dylan Farrow – que fueron declaradas inconsistentes y contradictorias por la justicia, algo a tener en muy cuenta, pero que ella sigue manteniendo – a la que su hermano Ronan, abogado y periodista  – a quien, por cierto, le corresponde parte del Pulitzer de Servicio Público 2018 por sus investigaciones del Caso Weinstein, relatadas por él mismo en el excelente documental ‘Intocable’, de Ursula Macfarlane – da total credibilidad habiendo compartido su infancia…

Que, por otra parte, esta polémica le ha generado problemas con Amazon, con quien tenía contrato para cuatro películas y que ha provocado que ‘Día de lluvia…’ no tenga aún distribución en Estados Unidos. Que además, dos de los protagonistas hayan declarado haber trabajado con él por contrato, pero que sus sueldos los cedían integramente a organizaciones contra los abusos…

Si a todo ello le añaden, además, que el neoyorquino tiene una filmografía en la que los rasgos de misoginia son otra de sus señas de identidad, como pueden leer en algunas de las entradas al respecto publicadas aquí … pues suma y sigue. Así que, pese a que cada estreno otoñal del realizador le generaba expectativas y el de esta que nos ocupa tampoco la ha dejado indiferente, también le ha removido muchas cosas.

92 minutos de metraje. El guión lo escribe el propio Allen, como es habitual. La fotografía, con la excelencia marca de la casa, su ya habitual Vittorio Storaro. La historia sigue a una joven pareja universitaria que se propone pasar un fin de semana en la Ciudad porque ella va a entrevistar a un famoso realizador en crisis creativa. Pero nada saldrá de acuerdo con lo previsto.

Esta comedia romántica, y de enredos, no carece en absoluto de encanto. Y resultaría incluso cautivadora si su responsable no fuese el que es. Porque habríamos escrito entonces algo así como: una película resultona con ecos de Woody Allen. Pero nos es dado exigirle más, bastante más, a un cineasta como él. Por eso, para esta firmante, es una obra menor en su filmografía.

Por eso. para esta firmante, tiene un guión muy cogido por los pelos, con situaciones que rozan la inverosimilitud. Por eso, para esta firmante, retrata a una juventud de ficción: guap@s, ric@s, cult@s, ingenios@s… y siempre alguno de origen judío. Por eso, para esta firmante, nos cosquillea con una nostalgia disfrazada de contemporaneidad. Por eso, para esta firmante, Allen lo ha hecho mucho mejor, con parecidos mimbres, en el pasado.

Porque también aquí asoma la patita misógina – casi escabrosa, aunque resuelta en blanco – en el personaje de Elle Fanning y en su relación con los homónimos de Liev Schreiber, Jude Law o incluso Diego Luna. Ocurre que el enorme talento, gracia, credibilidad y vis cómica de la actriz arrasa con tales clichés de su protagonista. Porque también aquí asoma la patita misógina con sendos temas de la prostitución con glamour y alto standing y redención tipo happy end, que ya verán.

Ha tenido la fortuna de que, además de con ella y los intérpretes adultos citados, ha contado con uno de los actores jóvenes más carismáticos y dotados de su generación, Timothée Chalamet, y con una Selena Gomez inteligente y aguda, que le da la réplica perfecta.

Escrito queda. En cualquier caso, está claro que debe verse.

 

Festival de Cine de Sevilla, 16 Edición: Consideraciones previas

A falta todavía de conocer los contenidos de varias Secciones importantes, se impone peligrosamente la sospecha de la mínima presencia de directoras en la programación del Festival a la que hemos tenido acceso. En la del Concurso, de la que se han escrito las Hojas de Ruta precedentes, son solo tres…, frente a quince miradas masculinas.

Porque los hechos tan incontestables como imprescindibles de los dos ciclos dedicados a Joanna Hogg y Lene Berg – sobre los que volveremos – y de que en Special Screenings, el teórico y director irlandés Mark Cousins estrene una obra magna en torno al cine realizado por mujeres “a lo largo de trece décadas y con más de mil secuencias de películas” ‘Women Make Film: A New Road Movie Through Cinema’- sobre la que volveremos – no equilibran la balanza. Para quien esto firma, porque las queridas amigas de la Asociación Andaluza de Mujeres de Medios Audiovisuales, AAMMA,  han aplaudido en redes sociales la oferta del SEFF por este documental.

En cuanto al tema animalista, esta firmante confía en no tener que abandonar ninguna proyección al darse un tema de explotación, tortura o asesinato reales de criaturas sintientes de cualquier especie no humana en ella. Esto le ha ocurrido prácticamente en todas las ediciones del Certamen. Y así lo ha hecho constar en este blog. Porque, además, las legislaciones de la mayoría de los países europeos prohíben expresamente tales barbaries en los rodajes. Porque, además, ningún relato fílmico, ninguna manifestación artística, justifica esas insidias. Menos aún con los medios con los que cuenta el cine.

Y reiterar de nuevo que se nos quede libre alguna franja de la tarde para ver películas de otras Secciones. Ello junto a la flexibilidad necesaria en la programación para que quienes nos proponemos votar presencialmente el primer domingo del SEFF, no nos perdamos películas.

Escrito queda.

Festival de Cine de Sevilla, 16 Edición. Sección Oficial: Y tercera Hoja de Ruta

Continuamos con el repaso iniciado en las dos entradas precedentes a las películas que componen el Concurso. Un repaso a base de titulares y extractos de críticas independientes contenidas sobre todo, se repite, en la imprescindible FilmAffinity. Pero también en las de CineEuropa, Cine Maldito o en crónicas de otros Certámenes en los que han concursado.

‘Liberté’, de Albert Serra. Coproducción entre Francia y España. 132 minutos. Premio Especial del Jurado Un Certain Regard en Cannes. Un drama del siglo XVIII en el que librepensadores y libertinos, que huyen del reinado conservador de Luis XVI, intentan exportar su filosofía a Alemania. Se ha escrito sobre ella: lúdica, majestuosa, sin dramaturgia, sin tratamiento del tiempo fílmico, inane, plana, radical, ni entretenida, ni histórica, ni intelectual…

‘Conga noite’, de Eloy Enciso. España. 93 minutos. Sobre un hombre que, tras la Guerra Civil, regresa a su pueblo y se encuentra con el rencor de vencedores y vencidos. Se ha escrito sobre ella: pausada, de esencia sonámbula, nocturna, en su tratamiento visual de la oscuridad tiene sus significados más profundos, profundiza en los pliegues de la memoria y de la historia y saca a la luz los mecanismos de la opresión y la dominación… Boccalino de Oro al Mejor Director en Locarno.

‘El traidor’, de Marco Bellocchio. Coproducción entre Italia, Francia, Brasil y Alemania. 152 minutos. Candidata italiana a los Oscar. Ambientada en los años 80 con el telón de fondo de la guerra entre jefes mafiosos sicilianos, uno de ellos, Tommaso Buscetto, huye a Brasil desde donde no puede evitar el asesinato de sus hijos. Al ser extraditado, decide reunirse con el juez Giovanni Falcone traicionando su voto de lealtad a la Cosa Nostra. Se ha escrito sobre ella: soberbia deconstrucción de la historia, tragedia clásica, retrato veraz y muy interesante de la Mafia, bien contada, mantiene la tensión, enorme fuerza visual e ímpetu narrativo…

‘Juana de Arco’, de Bruno Dumont. Francia. 124 minutos. Continuación de la dedicada a la infancia de la Doncella de Orleans. Se ha escrito sobre ella: hermosa obra a contracorriente, experiencia elevadora en un sentido más lúdico y gozoso que religioso, drama convencional, tierra de nadie, solo apta para admiradores de Dumont…

‘About Endlessness’, de Roy Andersson. Suecia. 76 minutos. León de Plata al Mejor Director en Venecia. Al estilo de Las mil y una noches, se recorren las distintas etapas del ser humano. Se ha escrito sobre ella: cuadros vivientes donde sumar infinitas historias, cine deslumbrante esculpido en el silencio, humor absurdo, hipnótica, afectuosa, misántropa, breve, agridulce, ingeniosa, imaginativa…

‘Technoboss’, de Joao Nicolau. Portugal. 112 minutos. Un hombre, a punto de jubilarse, sueña con canciones que le permiten vivir de forma más llevadera. Pero, frente a la recepcionista de su empresa, el estilo cambia. Se ha escrito sobre ella: un romance musical, excéntrico, absurdo y muy idiosincrático.

Quien esto firma, espera que estas tres entregas le hayan servido de utilidad. Esta edición coincide, además, en su primer domingo, con unas nuevas elecciones generales.

Festival de Cine de Sevilla,16 Edición. Sección Oficial: Segunda Hoja de Ruta

En esta entrada se continúa el repaso – con visiones críticas independientes a las del Certamen – a la oferta de programación de la Sección Oficial. A saber:

‘Atlantis’, de Valentin Vasyanovych. Ucrania. 106 minutos. Ambientada en el futuro cercano de un país devastado por la guerra donde un soldado, aquejado de estrés postraumático, con problemas de adaptación y que pierde su empleo, va a recomponerse uniéndose al grupo Tulipanes Negros que exhuman los cadáveres de la contienda. Se ha escrito sobre ella: íntimo estudio de personajes, poderosa exploración, puro cine de autor, alto impacto visual, poética, pero requiere paciencia…

‘La famosa invasión de los osos en Sicilia’, de Lorenzo Mattotti. Coproducción entre Francia e Italia. 82 minutos. Se trata de la versión animada – nuevamente, la animación en el Concurso – de un cuento de Dino Buzzati, en el que se dirime una lucha de osos contra cazadores en las montañas sicilianas, a partir de la captura por estos del hijo del rey. Ya suponen de qué lado está la animalista que esto firma… Se ha escrito sobre ella:  colorida, elegante, moderna, joya del género y apta para públicos de todas las edades…

‘Little Joe’, de Jessica Hausner, la tercera mirada de mujer, no hay más entre 18 títulos… en esta Sección. (Hausner ganó además el Giraldillo de Oro del SEFF con ‘Lourdes’ en 2009). Coproducción entre Austria, Reino Unido y Alemania. 100 minutos. Sobre una madre soltera que cría plantas y descubre nuevas especies. Entre ellas, una cuyo consumo parece garantizar la felicidad y por eso le lleva una ilegalmente a su hijo, pero… Se ha escrito sobre ella: fábula moral hiriente y cruel sobre la obligatoriedad de la felicidad, coherente, irónica, cínica, sofisticada, inquietante, hipnótica, extraña, desigual…

‘Tommaso’, de Abel Ferrara. Italia. 115 minutos. Artista estadounidense que vive en Europa con su mujer e hija. Se ha escrito sobre ella: cine terapeútico, sincero, valioso, su obra más personal, demasiado larga y austera, colección de escenas grabadas con prisa…

‘Gloria Mundi’, de Robert Guédiguian. Francia. 107 minutos. Una familia trabajadora se reúne en Marsella para celebrar el nacimiento de la pequeña Gloria y se les ocurre montar un negocio ante los duros tiempos que corren. Se ha escrito sobre ella: inverosímil catálogo de desgracias, villanos grotescos, maniquea, se sabe cargada de razón, sincera y mordaz reflexión sobre el cansancio y la desesperanza de la clase obrera, obra sólida aunque menor… Ariane Ascaride ganó por ella el Premio a la Mejor Actriz en Venecia.

‘Martin Eden’, de Pietro Marcello. Coproducción entre Italia, Alemania y Francia. 125 minutos. Basada en la obra homónima de Jack London, el protagonista es un joven marinero que salva la vida de otro rico, quien le invita a compartir su mundo y con ello le permite acceder a su vocación literaria y enamorarse. Se ha escrito sobre ella: sublime película río, apabulla, deslumbra, fuerza de la naturaleza, huracán cinematográfico, narrativa intelectual díficil de manejar, personajes poco profundos, celebra la vitalidad de la clase obrera napolitana…

Continuará…

Festival de Cine de Sevilla,16 Edición. Sección Oficial: Primera Hoja de Ruta.

En estas entradas se repasará, como se ha hecho en años precedentes, toda la oferta de la Sección Oficial del SEFF – que tendrá lugar del 8 al 16 de noviembre, incluído el domingo electoral… – como se ha hecho otros años. Especificar que las críticas, o titulares de críticas, de las películas que la componen, están extraídas de páginas independientes. Fundamentalmente de la imprescindible FilmAffinity, pero también de labutaca.net, de Cine Europa o de Cine Maldito. A partir de ellas y de sus sinopsis, junto a la de los nombres propios – hay bastantes… – que las firman, pueden hacer ustedes su selección a menos de un mes del comienzo de este gran Encuentro cinematográfico sevillano.

18 películas a concurso, de las que tan solo tres están dirigidas por mujeres… A saber, analizándolas una por una:

‘Madre’, de Rodrigo Sorogoyen. España. 129 minutos. Sesión de Apertura: Parte de un corto del realizador en la que una mujer pierde a su hijo en circunstancias inquietantes. En este largometraje, la recuperamos años después cuando cree verlo. Se ha escrito sobre ella: diferente, buen control de los ritmos emocionales, con una estética impresionante, ambigua, escindida, errática, demasiado estirada de metraje… Su protagonista, Marta Nieto, recibió el Premio a la Mejor Actriz en la Sección Orizzonti de Venecia.

‘De repente, el paraíso’, de Elia Suleiman. Coproducción entre Palestina, Francia y Canadá. 97 minutos. Mención Especial del Jurado y Premio FIPRESCI de la Crítica Internacional en Cannes. Elegida por Palestina para optar a los Oscar. El realizador se interpreta a sí mismo en su viaje a París y Nueva York. Se ha escrito sobre ella: una mirada política, satírica, dotada de un humor absurdo, apenas hay hilo narrativo pero sí observaciones muy inteligentes, minimalista, aguda, ingeniosa…

‘Sinónimos’, de Nadav Lapid, quien ya ganara el Giraldillo de Plata con ‘La profesora de parvulario’ (2014). Coproducción entre Israel y Francia. 123 minutos. Basada en experiencias autobiográficas del director, sigue a un joven que llega a Francia deseoso de integrarse y olvidar sus orígenes. Oso de Oro y Premio FIPRESCI en Berlín. Se ha escrito sobre ella: divertida, frustrante, intensa, febril, desatada, hilarante,  con un torrente de significados personales y políticos…

‘Dios existe, su nombre es Petrunija’, de Teona Strugar, una de las miradas de mujer de esta Sección. Coproducción entre Macedonia, Bélgica, Francia, Croacia y Eslovenia. 100 minutos. Una tradición ancestral en la que quien encuentre una cruz tendrá suerte de por vida es ganada por una mujer y el entorno machista y religioso no lo tolera. Se ha escrito sobre ella: divertida, clara y rotunda radiografía del machismo ancestral, ambiciosa pero decepcionante, mordaz, enérgica, superficial, final apresurado…

‘La Gomera’, de Cornelio Porumboiu. Coproducción entre Rumanía, Francia y Alemania. 97 minutos. Policía chivato de la mafia que viaja a esta isla para aprender el silbo autóctono como medio de comunicarse con los delincuentes y conocer el paradero de 30 millones de euros escondidos. Se ha escrito sobre ella: enfebrecida, desquiciada, cruda, aburrida, libre, inclasificable, con traspiés narrativos…

‘Sibyl’, de Justine Triet, otra de las miradas de mujer de esta Sección. Francia. 100 minutos. Una terapeuta que deja su consulta para dedicarse a su vocación literaria cuando una actriz le pide ayuda profesional y ello cambiará su vida. Se ha escrito sobre ella: elegante, bien diseñada, con aires de ‘Otra mujer’ de Woody Allen, superficial, inverosímil, ingeniosa, pieza de orfebrería…

Continuará…

Miradas de mujer que la cartelera se llevó. ‘La directora de orquesta’: Batutas masculinas

Antonia Brico (1902-1989) fue una música holandesa, emigrada a Estados Unidos, dotada de un excepcional talento para el piano y para la dirección de orquesta, que vivió en una época de especiales dificultades para las mujeres en general y para las artistas, como fue su caso, en particular. En una época, que aún es esta en pleno siglo XXI, en la que las batutas eran masculinas, como las bandas y grupos en general,  y resultaba tan inconcebible como insultante que pudiera detentarlas una mujer al frente de ejecutantes varones.

Además de todo ello, no tuvo unos comienzos fáciles pues sus progenitores no la trataban  bien y eran hostiles a que desarrollara sus dotes. Luego, al saber que fue casi forzadamente adoptada y que su madre biológica, una adolescente que murió siendo muy joven, no la abandonó voluntariamente, decidió emanciparse. Tuvo que hacer frente a incontables dificultades.

Tuvo que malvivir y ganarse la vida como podía. Tuvo que, literalmente, mendigar a los prohombres de su tiempo la formación que necesitaba en un ambiente contrario a sus sueños creadores. Ejerció también la docencia y una de sus alumnas, la cantante de folk Judy Collins, dirigió un documental sobre ella en 1971 titulado ‘Antonia: Retrato de la Mujer’… hasta llegar a la guionista, productora, ayudante de dirección y realizadora holandesa Maria Peters, cosecha del 58 con 26 años de carrera en su haber y títulos como ‘Sonny boy’ (2011) en su filmografía, quien le rindió su tributo con esta película.

En esta película, que se inicia siendo la protagonista una chica muy joven, se narran tales datos biográficos citados. A los que se añaden su lucha y persistencia por conseguir su lugar en el mundo musical. A los que se añaden que dirigió, con gran éxito de público y crítica,  contando con 28 años, la Filarmónica de Berlín, a las que siguieron – en Estados Unidos- la San Francisco Simphony Orchestra y la Musician Simphony Orchestra en el Metropolitan House.

Pero, como también se nos muestra aquí,… su carrera estuvo siempre erizada de dificultades con pocas actuaciones y en algunas de ellas tuvo que arreglárselas para, con su grupo de amistades, vender las entradas y con solistas que no querían ser conducidos por una mujer. Pero, como también se nos muestra aquí…, tuvo que luchar sin desmayo contra el recalcitrante machismo de su tiempo.

También se nos da cuenta de que fundó, en 1934, para demostrar las dotes de sus compañeras con todos los instrumentos, la New York Women’s Simphony que tuvo el madrinazgo nada menos que de a la sazón primera dama Eleanor Roosvelt y del alcalde La Guardia. Datos de Wikipedia, además de los del  propio filme.

Lo mejor de ‘La directora de orquesta’ es su homenaje a esta mujer excepcional, su visibilización de una artista y luchadora extraordinaria en clave de gran espectáculo, en clave accesible para todos los públicos. Lo peor es que la recorre un romance almibarado, que es convencional, incluso ramplona y sentimentaloide en más de una ocasión. Que le sobra metraje y se toma su tiempo en llegar a lo esencial. Aunque también contenga momentos vibrantes.

Países Bajos, fechada en 2018, 137 minutos de metraje, correctamente fotografiada por Rolf Dekens y con una partitura ad hoc, piezas clásicas aparte, de Quinten Schram y Bob Zimmerman. Su actriz principal, que además es pianista, Christanne de Bruijn, lo da todo.

Pues ya lo saben, háganle un tributo a Antonia Brico y háganse con ella.

 

Miradas de mujer que la cartelera se llevó.’Señor’: Clases versus afectos

Esta película que nos ocupa – coproducción entre India y Francia, de 96 minutos de metraje, escrita y realizada por la productora, guionista y cineasta hindú Rohena Gera, cosecha del 73, cuyo documental “What’s love got to do with it?” (2013) y ópera prima era una visión sarcástica y crítica de las interrelaciones entre clases, castas y géneros; bien fotografiada por Dominique Colin y con una brillante banda sonora ad hoc de Pierre Aviat – tiene algún punto en común con otra coproducción de este mismo país, esta vez con Alemania y Estados Unidos, ‘Tu fotografía’, de Ritesh Batra, una sensible y singular propuesta que quien esto firma no llegó a reseñar en estas páginas.

Aunque en esta última la relación desigual no estaba marcada por la servidumbre del varón y la diferencia de clases, y educación, era a favor de la mujer lo que resulta un elemento diferenciador fundamental. En esta que nos ocupa, una joven – que se queda viuda tras un matrimonio concertado, y que debe ocuparse, como es tradicional en su país, no solo de ayudar a su propia familia biológica, sino también a la política so pena de ser repudiada – está al servicio de un joven rico y cosmopolita, ha vivido en Estados Unidos, que ha rechazado a su novia al pie del altar por una infidelidad de ella. Ambos conviven, juntos pero no revueltos, en casa del patrón y el acercamiento es inevitable.

A través de la imposibilidad de clase, de casta y de género de una relación – no ya radicalmente desigual – sino sencillamente de una relación que no esté marcada por las estrictas convenciones jerárquicas y patriarcales de una sociedad fundamentalista, la realizadora retrata este vínculo condenado en clave no solo romántica sino social y política. Este es uno de los grandes aciertos de esta película.

También lo son la elegancia, la delicadeza y la sensibilidad con las que está visto el proceso de descubrimiento mutuo, de atracción y de enamoramiento. Con la que están vistas las personalidades del uno y de la otra. Del que lo tiene todo y está apático y depresivo y de quien lo tiene todo en contra – hasta un aprendizaje laboral con el que sueña – y sigue adelante sin decaer. E incluso la conciencia de clase que se despierta en la mujer, que no es solo la aceptación de unas normas odiosas sino la recuperación de su autonomía y dignidad. Y ese final…

Merece la pena. Háganse con ella.

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‘Joker’: El paria oscuro

Quien esto firma, se confiesa nada aficionada y nada experta a-en los superhéroes. Con algunas notables excepciones como, entre otras, ‘El caballero oscuro’, de Christopher Nolan, (2008), con quien esta que nos ocupa tiene ciertas concomitancias, pese a sus radicales diferencias. En aquella, todos los personajes estaban situados en el tablero del relato como adultos, con Batman de líder, las fuerzas del orden y la gran esperanza blanca del Fiscal del Distrito, para salvar a Gotham de las garras del Mal encarnado en el Joker.

Aquí Batman no es sino un niño tímido – Bruce Wayne, apenas entrevisto, perteneciente a una de las mejores familias de la ciudad, sin dotes sobrehumanas aparentes – cuyo padre implacable y todopoderoso tiene ambiciones políticas. Y el villano, ah, el villano, no es sino un paria tan oscuro como conmovedor, tan inquietante como vulnerable, tan humillado como decidido a sobrevivir, llamado Arthur Fleck. Sí, en el lenguaje de los géneros a este intenso y poderoso drama se le llamaría precuela. Aunque, de hecho, trascienda tal cliché y no sea, en absoluto, una película de superhéroes.

En efecto, la historia de este payaso – que malvive en condiciones ínfimas en una Gotham más neoyorquina que nunca, con su madre a la que cuida y que alimenta en él unas fantasías de filiación y cambio de vida -… La historia de un hombre atormentado y emocionalmente enfermo, a quien paradójicamente su progenitora llama “Happy” (feliz), con una risa inquietante, compulsiva y aterradora que es un tic involuntario cuando las desdichas e injusticias se ceban en él, lo que le ocurre casi siempre…

La historia de un ser marginal que fracasa en sus tentativas profesionales porque aburre, no hace reir, provoca miedo y hasta es expulsado, por una circunstancia que ya conocerán, de su actuación más querida y vocacional, donde tiene su público, de un hospital infantil…

La historia de un desarraigado, muy a su pesar, que es burlado y ofendido por todo ello hasta en un programa de televisión cuyo conductor es su ídolo… La historia de un hombre que vive en una época – está ambientada en los 80, pero refleja el presente y hasta una posible distopía futurista – clasista, hostil y feroz con los desheredados como él al que le niegan el afecto, el respeto, la dignidad y hasta la medicación… La historia de una criatura sensible y bondadosa, pero anómala, que despierta nuestra empatía y que se convierte, tras todo ello, en asesino de seres despreciables, en vengador de tantos hijos de la miseria como él y que borra a Arthur para ser el Joker…

Esta es una historia, potente, tenebrosa, cruel, terrible con un trasfondo político y social de calado. Es una historia absorbente, intensa, aterradora y emotiva que denuncia las carencias médicas y asistenciales, las enormes desigualdades que coexisten en los extremos de la escala social en un país de economía ultraliberal al servicio de los ricos y poderosos.

Producción estadounidense de 121 minutos de metraje. Dirigida, y coescrita junto a Scott Silver, por el productor, guionista, actor y realizador Todd Phillips, cosecha del 70, responsable de las tres entregas de ‘Resacón en Las Vegas’ y también de la última versión de ‘Ha nacido una estrella’ (2018); fotografiada con excelencia por Lawrence Sher y con una notable banda sonora de Hildur Guönadottir. Con un reparto amplio y atractivo, en el que Robert de Niro tiene un pequeño pero sustancial papel, y con un Joaquin Phoenix más grande que la vida, desgarrado e inmenso, quien ya es un seguro candidato al Oscar.

León de Oro a la Mejor Película en Venecia  Que no se les escape.