SEFF XV Edición. Sección Oficial. Hoja de Ruta: Dos españoles

Este blog sigue con las recomendaciones de las películas que sabemos que estarán integradas en la Sección Oficial. Son doce hasta ahora, y aún faltan siete por confirmar. Luego puede haber más mujeres y más españolas-es en ella… En este caso, comentaremos los documentales, género que no se prodiga en el concurso, de estos dos compatriotas. Ambos son hombres y cineastas muy comprometidos políticamente.

‘La ciudad oculta’, de Víctor Moreno – canario, de la cosecha del 81, se le ha calificado como “una de las puntas de lanza del cine documental de autor en España”, responsable de, entre otros, ‘Edificio España’, vetado por el Banco de Santander, con el que consiguió una nominación a los Goya – y que con este que concursa logró el Premio Labs Project en el Festival de Cine Europeo de Les Arcs.

Se ha dicho de ella que “explora el mundo subterráneo de la ciudad moderna con su laberinto de galerías, túneles, sistemas de abastecimiento… y que es un viaje literalmente hipnótico a las profundidades del mundo urbano”. Pues habrá que verla.

‘Idrissa’, de Xavier Artigas – catalán de la cosecha del 80, sociólogo y artista visual, que tiene en su haber, entre otros reconocimientos la Biznaga de Plata al Mejor Documental por ‘Ciutat morta’ – relata en este que nos ocupa la muerte del joven nigeriano Idrissa, en 2012, en un Centro de Internamiento para Extranjeros, CIE, en Barcelona, reconstruyendo los hechos, explorando sus causas y el drama de la inmigración.

Se ha dicho de él que “denuncia la situación actual del control migratorio europeo y de todo lo que conlleva… quiere sensibilizar a la sociedad sobre la discriminación, la vulneración de derechos y la explotación de personas extranjeras en territorio europeo”. De visión obligada.

Fuentes: Cine Europa, Sensacine, FilmAffinity, Wikipedia, Hordago, elsaltodiario.com y Encuentros con el cine.

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SEFF XV Edición. Sección Oficial, Hoja de Ruta: Tres mujeres

A falta de conocer la programación completa, que será comunicada dentro de unas horas, a las 10.30 de hoy en un desayuno para la prensa en el Abades Triana, quien esto firma quiere destacar que de entre las trece películas que, de momento, se nos han adelantado de la Sección Oficial, del Festival – que tendrá lugar del 9 al 17 del próximo mes de noviembre – aparecen solo tres firmadas por mujeres.

De ellas y de sus propuestas vamos a  hablar en primer lugar. Las fuentes consultadas, como las de otras recomendaciones que vendrán a continuación, serán  páginas independientes o críticas de las Muestras por las que han pasado, además de la información que nos ha proporcionado el Certamen. Son, a saber:

‘M’, de la directora y guionista Yolande Zauberman, Francia. Es un documental rodado en yiddish, en la que la mirada y la cámara de la realizadora se internan en una comunidad judía ultraortodoxa, Bneï Brak, “la ciudad de los hombres de negro”, a través de uno de sus miembros Menahem Lang que nos descubre un terrible secreto. Vuelve al lugar del crimen, pues sufrió abusos en su infancia allí.

La crítica internacional la ha valorado, en general, muy positivamente a su paso por el Festival de Locarno con comentarios como “cine combativo muy comprometido con la verdad, airada pero empática, es obligatorio verla, un retrato potentísimo de un héroe moderno, un infierno que parece un paraíso, consigue arrojar luz sobre el horror… y similares. Está claro que hay que verla.

‘Joy’, de Sudabeh Mortezai, nacida en Alemania, pero criada entre Teherán y Viena, narra en este su segundo largometraje, una producción austríaca, la explotación de una mujer nigeriana prostituida para pagar la deuda contraída con su Madame y para que su hija, en su país, pueda tener una vida mejor mientras que, al tiempo, se hace cargo de una inocente joven recién llegada a ese infernal microcosmos.

Compitió en Venecia, fue premiada con la Europa Cinemas Label y la prensa especializada la ha saludado como “una historia desgarradora de tráfico sexual y esclavitud moderna, una visión provocativa única y femenina de la trata de personas, una mirada nueva sobre esta opresión de las mujeres…” No hay que perdérsela.

Y ‘Touch me not’, coproducción entre Rumanía, Alemania, República Checa, Bulgaria y Francia, de la guionista y cineasta rumana Adina Pintilie, Oso de Oro y Mejor Ópera Prima en Berlín. Entre la ficción y el documental, propone una mirada a la desnudez, los deseos y la intimidad sexual de unos seres que no suelen ser exhibidos al ser viejos o deformes pero que desean amar y ser amados.

La han definido como radical y fascinante, un viaje a nuestros propios límites corporales, plural, diversa y singular. De visión obligada.

Como verán, tres visiones transgresoras, diferentes, duras y, sobre el papel, necesarias y valiosas, que no hay que obviar. Fuentes: FilmAffinity, CIMA, Cine maldito, Cine Europa.

 

 

‘Climax’: Sangrías

Esta película transgresora e inclasificable, ganadora de la Quincena de Realizadores de Cannes y del Festival de Sitges, es una producción francesa escrita  y filmada por el argentino, radicado allí, Gaspar Noé, cosecha del 63, entre cuyas controvertidas propuestas están ‘Irreversible’ (2002) y ‘Love’ (2015), algo así como un porno “de autor”, con sexo real entre sus intérpretes…

‘Climax’- de 95 minutos de metraje, escrita por el propio director, muy bien fotografiada por Benoit Debie, con una música potente de temas punk y rock, entre otros muchos y con una puesta en escena tan psicodélica, frenética y espasmódica como la propia historia – está basada, aunque pasada por el tamiz de la ficción, en un hecho sucedido en ese país, en los años 90, en los que también transcurre la acción.

Sigue a una veintena de jóvenes bailarines-as – cuyas selecciones previas se nos muestran y en las que les preguntan qué están dispuestos a hacer por su vocación – van a ensayar a un internado perdido en el bosque y durante una de las fiestas, alguien echa LSD a la sangría y se desatan la locura y la paranoia más absoluta, debidas tanto a los efectos de la propia droga, como a las dudas posteriores sobre la identidad del autor-a de semejante fechoría.

Y lo que sigue es una experiencia psicodélica, hipnótica y de un pathos progresivamente inquietante, que comienza con unos ensayos aparentemente banales tipo ‘Flashdance’, aunque con mucho más poderío visual, hasta convertirse en una vivencia aterradora, en una suerte de posesión colectiva, con tintes catárticos, destructivos y crueles hasta lo insoportable.

Un trance orgiástico y feroz donde l@s danzantes se despojan de cualquier atisbo de algo que se da en llamar humanidad, consciencia, coherencia y autocontrol, aunque sí tengan claro, a su manera…, que algo les ha provocado dichas reacciones, que algo extraño y terrible les está ocurriendo y se acusen un@s a otr@s de ser l@s culpables.  Una posesión demoníaca, vía sangría…, y sangrienta, cuyos efectos serán devastadores para tod@s, especialmente para dos de ell@s – no se va a hacer spoiler – que, sin haberla bebido, afrontarán las peores consecuencias.

Noé invierte, y subvierte, también hasta los propios títulos de crédito a los que sitúa al principio de la proyección, aunque intercale algunos complementarios y frases alusivas a la imposibilidad de lo colectivo y lo deseable de la muerte durante ella. No se levanten, pues aún ocurren más cosas cuando respiras al pensar que ha terminado…

Cuenta con un elenco de personajes y bailarines – del que apenas si le importan sus personalidades, aunque las refleje de alguna manera y también la forma diferente en que enfocan la desinhibición absoluta a nivel sexual, verbal y prácticamente hablando, los hombres y las mujeres – en el que brillan Sofia Boutella, Romain Guillermic y Souhelia Yacoub, aunque tod@s se entreguen a fondo con la mayor solvencia.

Devastadora y desasosegante, es un retrato inmisericorde y poderoso de lo peor de una especie, que se cree superior, cuando es sometida a determinados estímulos. O la tomas, o la dejas. O la amas, o la odias. O te parece pertinente o vacía de contenido. O entras o no en ella… Todo es legítimo. A quien esto firma, a quien le pesaba el hecho de verla e iba muy predispuesta a odiarla, le interesó mucho.

Escrito queda. Ustedes mism@s.

 

 

‘La sombra de la ley’: Los infelices 20

“Los años 20 en España están lejos del charleston, son una época de caciquismo político y de una sociedad polarizada entre proletarios desarraigados y señoritos burgueses. La Iglesia aún mantiene su poder y se niega a perder su peso social, los movimientos anarquistas calan hondo en las capas más humildes, el Ejército intenta cohesionar a esa sociedad profundamente desordenada y polarizada. Aún teníamos el Marruecos español…” Una visión descriptiva, documentada aunque  conservadora,  del blog DIARIO DE UN VAGO HISTÓRICO.

Dani de la Torre, cosecha del 75, con ‘El desconocido’ (2015) en su haber, describe esta sociedad con una carga mucho más crítica en esta película – de 126 minutos de metraje, con una escritura que deja mucho que desear de Patxi Amezcua, una fotografía ad hoc de Josu Inchaustegui y una banda sonora algo estridente de Manuel Riveiro y Xavier Font –  posicionándose en teoría con un proletariado, mayoritariamente libertario,  oprimido por una patronal inmisericorde, cuyas huelgas y manifestaciones pacíficas eran sangrienta y ferozmente reprimidas por el ejército.

Posicionándose en teoría contra unos presuntos servidores de la ley, corruptos, criminales y matones,  a los que se oponen al menos dos honestos. Posicionándose en teoría contra el proxenetismo y una clientela con tantos vicios privados como estatus público.

Posicionándose, en teoría  a favor de las mujeres, en  dos de sus protagonistas principales y antagónicos. Con una factura impecable, un buen diseño de producción y… lamentablemente poco más. Porque todo se queda en pura teoría, con unos personajes esquemáticos y maniqueos, con un pobre homenaje al cine de gánsters  norteamericano, con un relato disperso, con un guión aturrullado y con una dirección del reparto en el que se le hacen flacos favores a sus talentos.

Desprovista de intensidad, ritmo y emoción, ni siquiera hay química entre Michelle Jenner y un Luis Tosar más envarado que nunca. Por no hablar del que interpreta Ernesto Alterio…

En fin. Ustedes mism@s…

‘El reverendo’: Aflicción

Quien esto firma, aprecia del conocido guionista, crítico de cine y realizador estadounidense Paul Schrader, cosecha del 46, películas tales como ‘Patty Hearst’ (1988), ‘El placer de los extraños’ (1990), ambas protagonizadas por la inolvidable y trágicamente desaparecida Natasha Richardson y, sobre todo, ‘Aflicción’ (1997). Ahora llega a nuestras pantallas esta su última propuesta en la que se encuentran algunos de sus temas recurrentes en su filmografía como la culpa, la duda, las identidades tormentosas y la redención.

Producción norteamericana –  fechada en 2017,  de 108 minutos de metraje, escrita también por su director, con una factura formal marca de la casa; una puesta en escena sólida y clásica, sin excluir algunos elementos osados; una muy buena fotografía de Alexander Dynan y otro tanto cabría decir de la banda sonora de Nicci Kasper y Brian Williams – cuya historia remite a la radicalización de un pastor evangélico, un magnífico Ethan Hawke, a quien atormenta, y se responsabiliza por,  la muerte de su hijo en Irak, a través del contacto con un activista medioambiental, muy bien Philip Ettinger, y su mujer embarazada, una conmovedora Amanda Seyfried.

Schrader construye aquí un drama religioso, sí, pero también profundamente político y existencial, de una hondura desacostumbrada, y lamentablemente en desuso, en el cine contemporáneo. Y lo hace a  través de un hombre devastado a quien, paradójicamente, el encuentro con otro que, presuntamente es su contrario – pero en cuyo ideario y sentimientos respecto del planeta, de la vida en él, de la condición humana y de la complicidad de ciertas creencias, evangélicas, y de su propia iglesia con un lobby empresarial contaminante, en este caso. con el magnífico villano Michael Gaston como cabeza visible – llega a reconocerse.

Y lo hace usando sus reflexiones a través de la voz en off, de una escritura tan testimonial como crítica. Y lo hace ahondando en las nuevas ideas, en el despertar de su conciencia, en el cuestionarse radicalmente su modus vivendi y el trato que se da a sí mismo, y a su propio cuerpo, como penitencia, tras un acontecimiento traumático inesperado. Tan inesperado como radical en su decisión de… Hasta ahí, puede leerse.

Por descontado que es una interacción entre varones, de las que las mujeres están excluidas. Aunque una represente el futuro por incierto que sea, y la otra, estupenda y contenida Victoria Hill – con quien reacciona odiosa e injustamente en una escena- intente conservarlo a su y de su lado. Y luego, su conclusión tan desconcertante, precipitada, insegura, extravagante y abierta, pero enormemente sugerente.

Dado lo escrito, pueden deducir fácilmente que no deberían perdérsela.

‘Viaje al cuarto de una madre’: Cordones umbilicales

Quien esto firma contactó, hace unos días, con la guionista y directora de esta ópera prima que nos ocupa, Celia Rico Clavellino, sevillana de la cosecha del 82 y residente en Barcelona, pues ‘Viaje al cuarto de una madre’ – Mención Especial del Jurado, Premio de la Juventud y Fedeora de la Crítica en San Sebastián, además de sus excelentes referencias – era una de sus propuestas para la sesión de la tertulia de cine Luis Casal Pereyra de noviembre, para que fuera la invitada monográfica, pensando que no podría ser. Pero se equivocó… pues aceptó, encantada, y encantadora, ya que en esas fechas estaría en nuestra ciudad.

Quien esto firma, tampoco imaginó que iba a conocerla personalmente ayer mismo, junto a una de sus protagonistas Lola Dueñas, en el preestreno al que no fue invitada, a las 10.30 de la mañana en el Cervantes, pero al que asistió gracias a la mediación del crítico y amigo, Miguel Olid Suero. Quien esto firma, a quien ella reiteró allí mismo su compromiso con la tertulia amable y generosamente, tuvo ese inquietante pellizco de que, pese a todo. la película no la convenciera. Pero también aquí, jubilosamente, se equivocó…

Porque la historia de una madre y una hija de clase trabajadora, una costurera y otra siguiendo su estela en una fábrica de planchado, viuda y huérfana, que viven juntas en un pueblo. De una madre y de una hija que se quieren, se acompañan y se cuidan, pero que están incomunicadas y enfrentadas por el deseo de independencia de la joven, que desea marcharse a otro país, es un prodigio de elegancia, de sutileza, de sensibilidad, de delicadeza, de madurez y de sabiduría narrativa, tanto en el enfoque del relato como de la puesta en escena.

Habitada por largos silencios; por palabras que afirman tanto como niegan ; por interiores que acogen tanto como aíslan; por recuerdos y objetos que pesan, por planos fijos de una casa en las que las habitaciones están tan abiertas como cerradas en función de las emociones, presencias o ausencias.

Una mirada de mujer que nunca cae en el costumbrismo, ni en el subrayado, ni en tópico de lo femenino. Pero que sí describe el microcosmos triste y aislado de sus protagonistas, magníficas, eminentes, Lola Dueñas y Anna Castillo, a quienes todos los reconocimientos les son debidos. Aunque haya elegido, un acierto para quien esto firma, que sea la primera el hilo conductor.

Una mirada de mujer a la dolorosa vivencia del nido vacío, a la inevitable ruptura del doble cordón umbilical, de los que apenas si se habla sin tópicos, ni sensiblerías. Una mirada de mujer que sorprende cuando menos te lo esperas y que no discurre nunca por caminos trillados, pese a su sencillez, sino que evoluciona y cambia de punto de vista hasta su conclusión. Una mirada de mujer conmovedora y púdica al tiempo. Una mirada de una realizadora, de una autora, a seguir, dedicada a sus padres.

94 minutos de metraje. Coproducción hispano-francesa. Ya se ha citado que la escribe también quien la filma, por cierto, en Constantina, el pueblo del progenitor de esta firmante. Muy bien fotografiada por el excelente Santiago Racaj. Con secundarios tan pertinentes como Pedro Casablanc o Adelfa Calvo, entre otr@s.

SE REITERA  QUE VA A SER LA ELEGIDA, CON SU DIRECTORA PARA INTRODUCIRLA Y RESPONDER A TODAS NUESTRAS OPINIONES Y PREGUNTAS, TODO UN REGALO Y UN HONOR, PARA LA PRÓXIMA SESIÓN DE NUESTRA TERTULIA DE CINE LUIS CASAL PEREYRA DEL MIÉRCOLES, 7 DE NOVIEMBRE. No es comercial al uso, aunque sea tan valiosa y pertinente, y ya sabemos que la cartelera sevillana maltrata a estas propuestas tan diferentes y singulares. VÉANLA CUANTO ANTES, POR FAVOR, Y TOMEN BUENA NOTA DE CUANTOS TEMAS DE DEBATE ANIDAN EN SU INTERIOR.

En cualquier caso, nadie debería perdérsela.

 

 

Tertulia de cine Luis Casal Pereyra. Temporada 7: Etnias, identidades y generaciones

Inmejorable estreno de temporada – la séptima. – curso. -2018-2019 – y espacio, el de Casa del Libro de Viapol, el de nuestra tertulia de cine Luis Casal Pereyra en esta tarde-noche otoñal. Un ambiente animadísimo, participativo, con un altísimo nivel  de debate y multitudinario. Con caras habituales, caras nuevas y hasta el adorable perro Luke del crítico y amigo José Luis Ordóñez, también por primera vez una persona no humana en esta actividad. Que cunda el ejemplo…

Nuestra invitada, Ana Ruiz, guionista, actriz, dramaturga, realizadora, coaching de intérpretes, de la junta directiva de AAMMA – Asociación Andaluza de Mujeres en Medios Audiovisuales – con un currículum impactante, demostró con creces su preparación, trabajo de documentación y sabiduría cinematográfica, además de un fino criterio en su mirada crítica. Supo conectar muy bien con tod@s l@s presentes e introdujo perfectamente cada una de las películas elegidas. Una velada intensamente violeta, con tres miradas fílmicas de mujeres y con ella de maestra de ceremonias.

‘Carmen y Lola’, de Arantxa Echevarría, fue mayoritariamente apreciada. Especialmente por la valentía de abordar la historia pese al rechazo que concitó. Gustaron su potencia, su luminosidad, su crítica al patriarcado en un contexto casi obligatoriamente endogámico debido al rechazo social y a la difícil integración de esta etnia. El que, pese a su costumbrismo, no incurriera en clichés. Su reparto, fundamentalmente no profesional, aunque con unos meses de aprendizaje, y los fulgurantes descubrimientos de Zaira Morales y Rosy Rodríguez, muy posibles candidatas ex aequo al Goya a la Mejor Actriz Revelación. Su sutileza al narrar la historia de amor, con el pero de no profundizar lo suficiente en el futuro de la relación.

‘El viaje de Nisha’. de Iram Haq. conmocionó por su dureza, por la terrible historia autobiográfica de su realizadora que sufrió aún más que su protagonista y que no pudo contarlo hasta muchos años después. Una chica noruega, con todas las libertades de esa sociedad, pero constreñida por las rígidas leyes paquistaníes que rigen en su hogar. Una transgresión, por inocente, que sea que la lleva al secuestro en su país de origen, una crueldad en el trato, una aparente sumisión, la servidumbre – como en ‘Carmen y Lola’ – al honor patriarcal, a las leyes religiosas o raciales, al feroz machismo y al qué dirán. Se discutió sobre las mujeres, las madres, aún más feroces con sus hijas que los progenitores. Pero entendiendo también que las oprimidas se convierten en opresoras. Así funciona el sistema…

‘Las distancias’, de Elena Trapé, interesó por su temática, su sutileza, su lenguaje y su tratamiento. Por su retrato generacional de unas personas sobradamente preparadas, pero viviendo en precario. Por la fragilidad de los afectos, debido a las distancias, pero también a las circunstancias económicas. Por su estructura, sus secretos, sus silencios, su elaborada y singular complejidad, por su madurez narrativa y por su desolación. Se destacó la excelente interpretación de Alexandra Jiménez, otra candidata posible a los Premios por antonomasia de nuestro cine. Por…

El miércoles, 7 de noviembre, más. A dos días del comienzo del Festival de Cine Europeo de Sevilla, recomendaremos los títulos más destacados sobre el papel. Y, como una estupenda sorpresa, tendremos otra invitada de lujo. La sevillana Celia Rico Clavellino, guionista y realizadora, de cuyo amplio currículum daremos cuenta en nuestro próximo encuentro. Hablaremos con ella de su ópera prima ‘Viaje al cuarto de una madre’, Premio de la Juventud en San Sebastián y precedida de excelentes críticas. SE ESTRENA PASADO MAÑANA, VIERNES, 5 DE OCTUBRE Y HAY QUE VERLA CUANTO ANTES, RETENIENDO SUS DETALLES EN TODO LO POSIBLE.

Gracias a Ana Ruiz, a AAMMA, a Casa del Libro Viapol, a Daniel López, a Marina Alonso Espejo, a Pepe Iglesias, a Alejandro Reche Selas, a Enrique Colmena, a José Luis Ordóñez y a su adorable Luke y a l@s mejores tertulian@s del mundo mundial por un estreno MEMORABLE. GRACIAS, GRACIAS, GRACIAS.

‘El reino’: Que el pueblo no os perdone

El madrileño Rodrigo Sorogoyen – cosecha del 81, con una filmografía en la que destacan ‘Stockholm’ (2013) y ‘Que Dios nos perdone’ (2016) – ha declarado a Público, en una excelente entrevista firmada por Begoña Piña el pasado viernes, 28 de este mes, que la había escrito, junto a su coguionista Isabel Peña, y rodado porque veía con indignación “la calaña inmensa de gente corrupta que hay, pero también el carácter cinematográfico de estos personajes y de las tramas en las que estaban envueltos” y que su protagonista, un espléndido Antonio de la Torre, carne de Goya, es “un trasunto de Bárcenas, porque lo que le ocurre es muy parecido… un ladrón que merece estar en la cárcel, pero entiendo mejor sus circunstancias”. Aunque en el relato nunca se mencione a ningún partido, ni persona identificable, sus referentes son inapelables y su actualidad, palpitante.

La historia,  esquemáticamente resumida, remite a un vicesecretario autonómico, muy bien posicionado para dar el salto a la política nacional, al que unas filtraciones implican en una trama de corrupción junto a uno de sus mejores amigos. Su partido, que antes le respaldaba, cierra filas con este último en detrimento de él y le hacen el vacío. Ante esta situación, y conocedor de que su escándalo es solo la punta del iceberg, decide jugar todas sus cartas, ayudado por su entorno familiar, su abogado y una periodista independiente y crítica.

Con estos mimbres, el realizador construye un thriller político trepidante, con un ritmo endiablado, visualmente potente y eficaz y elegantemente filmado en el que no deja títere con cabeza. En el que pese a un reparto coral de no solo protagonistas, sino secundarios de lujo – Josep María Pou, Nacho Fresneda, Ana Wagener, Mónica López, Bárbara Lennie, Luis Zahera, Francisco Reyes… el orden de los factores no altera el producto – sabe dar la impronta y la personalidad a cada cual.

Sólo con el  de Antonio de la Torre, como eje conductor del relato, y con sus mínim@s aliad@s, con quienes nos es dado empatizar, pese a sus más que cuestionables actos. Porque es, siendo igualmente culpable, la cabeza de turco de unas operaciones siniestras y delictivas al más alto nivel. En el marco de unas corrupciones vomitivas de unos funcionarios públicos, en realidad únicamente al servicio de sus codicias privadas y ansias de poder.

122 minutos de metraje. Ya se ha citado que el magnífico guión lo coescriben el director e Isabel Peña. Su espléndida fotografía es de Álex de Pablo y su electrizante banda sonora, de Olivier Arson. De aquí saldrán también varias nominaciones a los Goya. Al tiempo.

¿Se ha escrito ya que no deberían perdérsela…?

‘Girl’: Cisne trans

Esta es una película singular por más de un concepto. Este es un debut cinematográfico de una madurez e inteligencia sorprendentes. Este es un relato fílmico cuya reseña podría llevar también el título de ‘Este cuerpo no es el mío’, sino se identificara con otra homónima más bien lamentable y en sus antípodas.

Esta es una historia en la que el conflicto es el que una joven de 15 años, nacida como chico, tiene consigo misma, con un cuerpo que le es ajeno y también con su pasión por el ballet, que trabaja hasta el desfallecimiento, pese a ser sus pies muy grandes para tal disciplina creativa.

Esta chica, hormonándose pero aún demasiado joven para que le sea autorizada la reasignación de sexo, no tiene – y eso la distingue de otros filmes similares – conflicto alguno con su entorno, aunque se haga una leve alusión al pasado, ni con su familia – un padre estupendo, comprensivo y nada convencional y un hermano pequeño – que la quieren, la apoyan y la aceptan tal cual es, aunque no siempre consiga comunicarles sus angustias y quebrantos.

Esta es una película que va creciendo conforme avanza su metraje. Pues comienza aparentemente en el mejor de los mundos, en la sociedad y en las circunstancias que la protagonista podría desear, en un modus vivendi aparentemente apacible, pero que va oscureciéndose progresivamente hasta llegar al pathos desencadenante de la conclusión. Porque nos acerca  muy en carne viva, y nunca mejor dicho, al sufrimiento indescriptible de alguien preso en una anatomía que le resulta tan extraña como odiosa.

Producción belga de 100 minutos de metraje. Dirigida y coescrita, junto a Angelo Tijssens, por Lukas Dhont, cosecha del 91, ¡¡¡ tan sólo 27 años!!!. Muy bien fotografiada por Valentin Hadjadj y cuya  banda sonora, que suena cuando procede, se debe a Frank van den Eeden. El reparto funciona con excelencia con especial mención al inolvidable Victor Polster, actor y bailarín de la misma edad de su personaje, pues su cosecha es la del 2002. Logró el Premio del Público en San Sebastián y los de Mejor Ópera Prima, Actuación y FIPRESCI en Cannes.

Valiente, dolorosa, sensible, diferente y emotiva, es una pequeña joya que nadie, nadie, nadie debería perderse. VÉANLA CUANTO ANTES, PUES EN SEVILLA SOLO LA PROYECTAN EN EL AVENIDA EN DOS SESIONES, A LAS 16 Y A LAS 22.30 HORAS.

 

En cartelera: Pluralidad y calidad…

O al menos sobre el papel, tal cosa puede afirmarse de la nueva oferta de la cartelera de ayer viernes, el primero del recién estrenado otoño. De ella, destacamos cinco películas, cuatro de las cuales pueden verse también en su versión original. A saber, y se comentarán por este orden: tres norteamericanas, una belga y una española.

La primera es ‘Searching’, de Aneesh Chaganty. Un thriller en el que, ante la ineficacia policial, un padre rastrea las huellas de su hija desaparecida en su ordenador personal. Ha gustado bastante y debe verse.

La segunda es ‘Un pequeño favor’, de Paul Feig. Otro drama de intriga en el que una mujer busca a su amiga desaparecida con la ayuda del marido de aquella. Basada en la novela de Darecy Bell, con Blake Lively y Anna Kendrick en los principales papeles, ha convencido y no debe obviarse.

La tercera es ‘El reverendo’, del conocido guionista y realizador Paul Schrader, en la que se describe la radicalización de un pastor evangélico a raíz del encuentro con un activista y su esposa embarazada. Protagonizan Ethan Hawke y Amanda Seyfried, tiene muy buenas referencias y no hay que perdérsela.

La cuarta es ‘Girl’, debut en el cine de Lukas Dhont. Sigue a una chica de 15 años, nacida en el cuerpo de un niño, cuyo sueño es convertirse en bailarina. Mejor Ópera Prima, Actuación y Premio Fipresci en Cannes, ha sido muy aplaudida y su visión es obligada. Se proyecta únicamente en el Avenida, en dos sesiones. A las 16 y a las 22.30 horas respectivamente. Tomen nota…

Y la quinta es ‘El reino’, de Rodrigo Sorogoyen -‘Stockholm’ ‘Que Dios nos perdone’…- un thriller político de plena actualidad con un reparto coral de lujo en el que destacamos a Antonio de la Torre, Bárbara Lennie, Mónica López o Josep María Pou. Ha suscitado unánimes aplausos y no hay que dejarla escapar.