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Dentro de unos días, el 22 de diciembre, se cumplirán 51 años del rescate de los 16 supervivientes del vuelo 571 de las Fuerzas Aéreas Uruguayas, con destino a Santiago de Chile, que inicialmente transportaba a cinco tripulantes y cuarenta pasajeros, entre ellos los 19 miembros del equipo de rugby Old Christian Club, junto con algunos familiares, simpatizantes y amigos.

Este vuelo se había estrellado el viernes, 13 de octubre – sí, un viernes 13 – del mismo año, 1972, dos meses y díez días antes, en un glaciar en el corazón de la cordillera de los Andes. Fuente: Wikipedia

Sobre estos terribles hechos, se han escrito tres libros por otros tantos de sus protagonistas y se han filmado, entre otras para el cine y la televisión, los títulos de referencia de John Carpenter en 1988 y de Frank Marshall en 1993 y dos documentales, de Gonzalo Arijón en 2007 y de Brad Osborne en 2010.

‘La sociedad de la nieve’ es la última – pero no otra más… – versión fílmica de esta tragedia. Producción española, fechada en el año en curso, de 144 minutos de absorbente metraje, en los que no sobra ni un plano.

Escrita, junto a Bernat Vilaplana, Jaime Marqués y Nicolás Casariego, y dirigida por el guionista y cineasta catalán J. A. Bayona – cosecha del 75, en cuya aún corta, si bien muy conocida y celebrada, filmografía hay que destacar títulos como su ópera prima ‘El orfanato’ (2007), ‘Lo imposible’ (2012), otra historia real de supervivencia extrema, o ‘Un monstruo viene a verme’ (2016). Las tres obtuvieron Goyas a la Mejor Dirección, Mejor Dirección Novel en el primer caso.

Su portentosa fotografía se debe a Pedro Luque y su excelente banda sonora a Michael Giacchino. En su reparto, todo un acierto, no hay estrellas sino intérpretes desconocidos pero muy sólidos, auténticos y creíbles. El director, otro acierto, impuso que su versión original fuera la española, de acento uruguayo. Producida por Netflix, se estrenará en la plataforma el 4 de enero, pero lo suyo es visionarla en pantalla grande.

La avalan, todos los reconocimientos le son debidos, 13 nominaciones a los Goya, 4 a los Feroz, 1 a los Globos de Oro y otra a los Critics Choice Awards, el Premio del Público en San Sebastián y representará, más que dignamente, a nuestro país en el Oscar 2024 a la Mejor Película Internacional.

Basada en el libro homónimo del periodista y escritor uruguayo Pablo Vierci, que documenta las vivencias de los 16 supervivientes a los que entrevistó, la narración sigue especialmente a estos chicos dorados – apenas aterrizados en la veintena, con infancias felices y solventes en un Uruguay convulso – que, en su mayoría, se disponen a emprender la excitante aventura de su bautismo de aire.

Los retrata, de entrada, en su país fuertes, sanos y robustos jugando con dureza al duro rugby. Y haciendo gala de unas energía y vitalidad irresistibles y contagiosas, junto al resto del pasaje, en el vuelo hasta que…

A quien esto firma, le faltan palabras para describir el impactante choque del avión, su caída vertiginosa y destructiva, plano a plano – se reitera, ninguno sobra – la conmoción en el pasaje y en la tripulación y las devastadoras consecuencias en el aparato, cuyos restos se dispersaron kms a la redonda en el impresionante entorno nevado, tan hermoso como despiadado, hostil e incompatible con la vida, de las montañas andinas.

A quien esto firma, le ha resultado sobrecogedor, durísimo, impactante, hermoso y emotivo, a la par que riguroso y nada efectista, ni gratuito, el relato fílmico, puesta en escena, enfoque y tratamiento que hace Bayona de esta historia.

Un relato que tiene como hilo conductor a una voz en off con sorpresa, que no se revelará. Un relato que va dando cuenta de todas las penalidades terribles que tuvieron que soportar en esos interminables meses, alud que les enterró incluído.

Un relato en el que se nos muestran las personalidades, las creencias religiosas o su ausencia y la fe inquebrantable en su rescate. Más aún, oyendo los aviones que les buscaban y no les veían, eran hormigas en la inmensidad helada. Rescate que a los ocho días se dio por terminado – algo que pudieron oir por una radio que lograron hacer funcionar – ante sus estallidos de desesperación e impotencia.

Un relato más grande que la vida, de una resistencia a las peores adversidades y catástrofes épica e imposible. Un relato de lucha por la supervivencia y de registro de los días, las semanas y los meses transcurridos y de los nombres y de las edades, inscritos en la pantalla, de quienes iban cayendo. Un relato con fundidos en negro, para permitirte respirar.

Un relato imponente, y a la vez intimista, de honda raigambre moral y ética. Un relato en el que se muestra como las personas de esa sociedad de la nieve se cuidan, se quieren y se acompañan hasta el final. Un relato en el que la antropofagia obligada por el derecho a sobrevivir, y todas las convulsiones que provoca, es tratada con la máxima delicadeza y el máximo respeto.

Un relato en el que quienes están y quienes van a morir dan permiso a los demás para usar sus cuerpos. Un relato que te conmociona y con el que los propios protagonistas se han sentido muy identificados. Un relato con una conclusión emocionante hasta las lágrimas. Un relato…

TIENEN QUE VERLA.

Aquí tienen ya el enlace de la colaboración de esta firmante en Viva Sevilla. Una mirada crítica a lo más destacado de la oferta de estrenos de este viernes, en la que ‘La sociedad de la nieve’, de J. A. Bayona, es el plato fuerte. Léanlo en:

https://vivasevilla.es/sevilla/1466256/llega-a-las-salas-de-cine-la-esperada-sociedad-de-la-nieve/

Pues ya lo saben. Consulten horarios y sesiones y véanlas. #CineEnLasSalas #YoVoyAlCine

De la aún corta filmografía de la guionista, productora, editora, documentalista y cineasta francesa Justine Triet, cosecha del 78, esta firmante ha visto dos títulos, ambos reseñados en este blog y ambos en dos ediciones diferentes del SEFF.

A saber: ‘La batalla de Solferino’ (2013), integrada este mismo año en la Sección Las Nuevas Olas.

Y ‘El reflejo de Sibyl’ (2019), integrada este mismo año en la Sección Oficial.

Justine Triet nos presenta ahora su última propuesta ‘Anatomía de una caída’. Producción francesa, fechada en el año en curso, de 150 minutos de absorbente metraje, cuyo guion también coescribe junto a Arthur Harari. Su espléndida fotografía la firma Simon Beaufils. De entre su solvente reparto, destacar a una inmensa Sandra Hüller, Mejor Actriz Europea por su interpretación.

Entre sus reconocimientos, todos le son debidos, están también los de Mejor Película Europea, Mejor Directora, Mejor Guion, Mejor Edición y el European University Film Award, 4 nominaciones a los Globos de Oro, 1 a los Goya… y, por descontado, la Palma de Oro en Cannes.

Porque es la historia de una pareja aparentemente idílica – ella escritora de éxito y él un pintor con una vocación literaria frustrada, con un hijo invidente muy maduro y un encantador perro, que viven en un precioso chalet aislado en los Alpes franceses – que se desmorona cuando el marido muere al caer desde su estudio en el ático.

La investigación y l@s expert@s no pueden determinar si fue suicidio o asesinato, ya que el accidente está descartado, así que la esposa es acusada del crimen y juzgada. Además, se asigna una persona al niño para que no pueda tener comunicación privada con la madre respecto a los hechos.

Estamos aquí ante la anatomía de una caída, de un matrimonio, de las diferentes, y antagónicas, personalidades de los cónyuges y de su relación con el chico, junto a todo el contexto y circunstancias que desembocaron en el desenlace.

Estamos aquí ante una propuesta que bascula entre el drama, el thriller, el retrato de un hombre, de una mujer, y de un niño unidos por lazos de sangre. Todo ello reflejado en un proceso tan clásico como poco convencional…

… Tan sutil como incisivo. Tan fiel a los códigos de este género, que ha dado tantas obras maestras, como arrojando una mirada nueva alejada de sus clichés, efectismos, subrayados y énfasis al uso.

Una mirada de mujer que desvela las luces y oscuridades de unos vínculos y de unas personas que parecían vivir en el mejor de los mundos. Una mirada de mujer osada e incómoda pero nunca, esto es crucial, equidistante, que revela, con complejidad, sabiduría y madurez, rivalidades, celos profesionales o responsabilidades no admitidas en otro desgraciado accidente, entre tantas otras cosas.

Una mirada de mujer que destapa todo un entramado policial y jurídico frente a una protagonista sugerente e inquietante que no encaja en ningún corsé, pero que ha dejado su vida londinense por mudarse a una casa solitaria en la que debe hacer frente al estruendo creador de su compañero de vida.

Esta firmante no hará spoiler, pero sí que les adelanta que su veredicto para esta excepcional, cruda, sincera, ambigua, elegante y poliédrica película es NO SE LA PIERDAN BAJO NINGÚN CONCEPTO.

A la animalista que esto firma le ha costado mucho decidirse a escribir esta entrada. Lo hace ahora, incluso con un bloqueo considerable, porque esta ‘Robot Dreams’ que nos ocupa ha cosechado el Premio EFA a la Mejor Película de Animación Europea, además de excelentes críticas e importantes nominaciones.

Y es norma de obligado cumplimiento, teniendo un blog de cine, dejar constancia de las impresiones que le deparó su visionado y de este galardón. Todo se debe a que su responsable, el guionista, productor y cineasta Pablo Berger, cosecha del 63, perpetró en 2012 una versión taurina, cruel y feroz del cuento de ‘Blancanieves’, que esta firmante no vio por razones obvias, pero sobre la que escribió este enlace:

A propósito de ‘Blancanieves’: Doncella blanca, corazón negro.

Esta versión para cuyo rodaje, incumpliendo la legalidad vigente, se torturaron y asesinaron, con gran sufrimiento para estas criaturas sintientes, nueve novillos a puerta cerrada en la Plaza de Aranjuez, sin los permisos correspondientes.

Algo denunciado, y admitido a trámite, por la Plataforma La Tortura No Es Cultura y que conllevó la apertura de un expediente administrativo. No obstante todo ello, esta barbarie filmada fue elegida ese año para ser la representante española al Oscar a la Mejor Película Internacional y cosechó el Premio Especial del Jurado en San Sebastián, 4 Premios Gaudí y 10 Goya, entre otros muchos reconocimientos.

O sea, que en este país atroz con las especies no humanas, fue avalada sin reservas por la industria, la crítica, la Academia y el Certamen citado. Sin más comentarios…

Ahora, el realizador presenta su última propuesta, y la primera animada de su filmografía, describiendo las hermosas y agridulces peripecias que atraviesa la amistad entrañable entre un perro solitario y un robot que él construye. Todo ello en una Nueva York de los años 80, habitada exclusivamente por personas no humanas.

Comprenderán que, dados los hechos reseñados, a esta animalista le provocó su visión una incómoda mezcla de sentimientos y emociones. Debe reconocer que es un tierno, hermoso, lacerante, divertido, lleno de guiños a La Ciudad y desgarrador canto a la amistad.

Que el adorable robot es la estrella de la función, que tiene una excelente factura, pero que encontró sexistas los retratos de las hembras no humanas y demasiado androcéntricos, luego especistas, los de todos los demás. Y que piensa que le sobra algo de metraje. Pese a todo, es evidente que debe verse.

Coproducción entre España y Francia, de 102 minutos de duración. Su guion lo escribe el propio director, adaptando la novela gráfica de Sara Varon. Su excelente banda sonora la firma Alfonso de Villalonga. Entre sus reconocimientos, además del Premio EFA citado, se cuentan 4 nominaciones a los Goya y 3 a los Feroz.

Escrito queda.

Esta firmante reitera, como escribió en el prólogo a sus entradas del SEFF/Muestra de Cine Europeo 2023, su agradecimiento infinito a cuantas personas, entidades, asociaciones, colectivos y plataformas, entre un largo etcétera, han hecho posible – con sus esfuerzo, trabajo, compromiso, iniciativas, recogida de firmas, páginas, reuniones, comunicados y manifiestos – la celebración, aún muy recortada, sin Palmarés, y en otoño, como procede, del Certamen.

Lo hace igualmente, nobleza obliga, con un equipo que ha asumido un marrón considerable en una Edición que parecía condenada a su ínfima versión y, con el tiempo en contra y todas las limitaciones del cambio de fecha, han conseguido una Muestra, se insiste muy recortada, precaria y pródiga en preestrenos, pero digna.

Quien esto firma, reclama para el SEFF 2024, recogiendo en gran parte el sentir de las personas, plataformas, entidades, asociaciones y colectivos implicados y, por descontado el suyo propio los siguientes apartados/peticiones:

Recuperar la fecha original de principios de noviembre, para que no se pierda su lugar en la Agenda de los Festivales Europeos y la oferta de títulos procedentes de estos sea mucho más amplia, innovadora y rigurosa.

Recuperar TODAS las Secciones SIN EXCEPCIONES. No pueden perderse de nuevo las de Historias Extraordinarias, Revoluciones Permanentes, Las Nuevas Olas No Ficción, por poner sólo estos ejemplos.

Recuperar, por consiguiente, unas SEÑAS DE IDENTIDAD de rigor, transgresión y acercamiento a nuevas filmografías, estilos y lenguajes, que le han convertido en uno de los Festivales más prestigiosos y reconocidos a nivel nacional y europeo.

Recuperar los Encuentros y Ruedas de Prensa, en horarios compatibles con las proyecciones, que tanto estimulan y enriquecen lo visionado.

Recuperar el Palmarés y los Premios de los distintos jurados, incluído, por supuesto, el de la Crítica, sin los cuales está vacío de contenido y se convierte en una Muestra meramente expositiva.

Recuperar las sesiones matinales de la Oficial y Las Nuevas Olas a concurso, para que el público en general y las personas acreditadas en particular tengan ocasión de visionar otras en las franjas de tarde-noche.

Recuperar una mucho más generosa cuota de entradas reservadas para la gente de prensa, ojos y proyección mediática y en redes del Festival, que las canjean con las acreditaciones al menos una semana más tarde que el público y se encuentran con que están agotadas la gran mayoría de películas más interesantes sobre el papel.

Recuperar la puntualidad en las salas y así evitar las luces de linternas y móviles que desvían la atención de las proyecciones. Esta firmante da fe de que ayer por la tarde la sala en la que estuvo se convirtió en un preestreno del alumbrado navideño…

Recuperar y aclarar que deben apagarse los móviles durante las sesiones. Cosa que, desde luego, ni se cumple, ni se hace constar.

Y, por supuesto, más miradas de mujer en todas las Secciones y exclusión sin ambages de aquellos títulos que contengan explotación, abuso, maltrato y asesinato de animales de todas las especies.

Seguro que se quedan más cosas en el tintero, pero hasta aquí llega esta firmante. El resto, corre a cargo de las personas interesadas en no perder el Patrimonio Cultural, no sólo cinematográfico, de nuestra ciudad. Nuestra Fiesta del Cine por excelencia.

Escrito queda.

Dos madres para un sólo hijo. Dos mujeres, una estenotipista y otra profesora de piano, para un hijo – músico, melómano, pianista, afinador de instrumentos, amante de los viajes y cinéfilo – que sólo vive con una de ellas, su madre adoptiva a quien le dijeron que la progenitora del niño había muerto en el parto, y que va a conocer a la otra, su madre biológica, que ha pasado décadas buscándolo infructuosamente.

Estructurada en capítulos y con el hilo conductor de las voces en off, que expresan pensamientos, hechos y correspondencias epistolares, su narrativa es singular, transgresora y cualquier cosa menos lineal.

De hecho, su tratamiento obliga a concentrar la atención porque no permite asentarse en ninguna zona de confort. Ambientes, lugares, planos, enfoques y puntos de vista subvierten el relato tradicional, pero te premian con la reconstrucción de todas las piezas.

‘Sobre todo de noche’ nos muestra a una mujer valiente, coherente, decidida e incansable en su denuncia de las diversas instituciones jurídicas, médicas y políticas que le han impedido, con el más insidioso juego sucio del poder, encontrar a su hijo.

Nos muestra cómo ella aprende utilizar los recursos de tales enemigos a su favor. Mientras, vemos las imágenes de archivo de la llamada Transición, sus líderes políticos, sus manifestaciones y sus miserias. Mientras l@s bebés eran robad@s.

De esa vibrante y cañera primera parte, se pasa, vía road movie, con sorpresa incluída, a una mucho más intimista en la que la progenitora oficial con el hijo van al encuentro de la biológica.

Porque el realizador ofrece también, a su alternativa y sui generis manera, la vulnerabilidad y empatía de otra mujer, sabia, madura, comprensiva y sensible, quien igualmente ha sido engañada en el proceso y que teme perder a quien más quiere en el mundo en esta cita tan importante.

Un encuentro a tres en las que ambas protagonistas – eminentes Lola Dueñas y Ana Torrent – no sólo no rivalizan, sino que empatizan y son generosas para acercarse afectivamente la una a la otra.

Ellas, junto con el chico entre ambas, deberán cumplir una última misión que les encarga para un fin, tanto de justicia particular como colectiva, a modo de venganza la que fue damnificada por los más pérfidos y siniestros poderes fácticos. Y…

Coproducción entre España, Portugal y Francia, de 108 minutos de metraje. La escribe, junto a Isa Campo y Andrea Queralt y la dirige, en lo que es una hermosa y arriesgada ópera prima, el guionista, asistente de dirección, director de fotografía y cineasta Víctor Iriarte, cosecha del 76.

La fotografía con fuerza y elegancia Pablo Paloma y la potente banda sonora se debe a Maite Arroitajauregi. Mencionar también la excelente intervención de María Vázquez y el contrapunto masculino que compone con acierto Manuel Egozkue.

Ganadora del Premio FIPRESCI del Jurado de la Crítica Internacional en la Seminci vallisoletana. Todos los reconocimientos le son debidos.

Déjense interpelar e incomodar por ella. Permítanse fluir ante toda su complejidad, arrojo y audacia, abran sus mentes y NO SE LA PIERDAN.

Esta firmante no ha parado de darle vueltas a esta película, cuya traducción al castellano sería, aproximadamente, el deshielo. Así será su título español cuando se estrene y así se llama la novela en la que se basa, impactante debut literario de la escritora, articulista y guionista belga Lize Spit, cosecha del 88. Un libro que esta firmante no ha leído.

Y no ha parado de darle vueltas porque el también impresionante debut cinematográfico de una mujer – la actriz, cantante, guionista y cineasta belga Veerle Baetens, cosecha del 78, conocida sobre todo por protagonizar ‘Alabama Monroe’ (2012), por los que ganó los premios de interpretación del Cine Europeo y del Festival de Tribeca – tan potente y oscuro, tan lacerante y terrible, tan desgarrador como complejo… resulta difícilmente olvidable.

La historia sigue a Eva en el presente – una joven de 26 años, que trabaja como ayudante de iluminación, carece de vida social y su único vínculo es su hermana menor, con la que comparte apartamento en Bruselas, pero esta va a mudarse con su pareja y…

… Y a la Eva del pasado – una niña de 13, ávida de atención, reconocimiento, amistad y afecto que no encuentra ni en su madre alcohólica, ni en su padre propenso a estallidos de violencia – muy unida a dos amigos de su edad por quienes es capaz de traicionar a otras chicas y a sí misma, inventando juegos escabrosos que la conducirán a la peor de las pesadillas en un verano descontrolado y atroz.

Ambas se unen cuando la Eva adulta, tan marcada por tales terribles sucesos de los que fue víctima, vuelve al pueblo para encontrarse cara a cara con quienes le hicieron tanto daño y con quienes la desampararon, siendo cómplices y encubridores-as. Con quienes debieron protegerla y la rechazaron.

Ambas se unen, cerrando el círculo, cuando la Eva adulta vuelve al pueblo, con un bloque de hielo similar al del jeroglífico que desembocó la tragedia, en el que se celebra un homenaje al hermano muerto de uno de sus «amigos», y está decidida a llegar hasta el final con todas las consecuencias, incluso cuando pueden involucrarla a ella misma.

Como pueden apreciar, esta firmante no hace, ni hará, spoiler. Porque esta película no puede ser desvelada, hay que verla, hay que sufrirla, hay que vivirla y hay que sentirla en toda su enormidad, en todo su desconsuelo, en toda su devastación.

Coproducción entre Bélgica y los Países Bajos ( Holanda ). Su sólido guion adaptado lo firman la directora y Maarten Loix. La excelente fotografía es de Frederic Van Zandycke y la notable banda sonora, de Bjorn Eriksson. Destacar, de entre un reparto entregado, a las dos actrices que interpretan a la Eva adulta, Charlotte de Bruyne, y muy especialmente a la niña, magnífica Rosa Martchant, Mejor Actriz en Sundance, cuyo jurado destacó también los valores del filme.

Escrito queda. Todos los reconocimientos le son debidos. Ni se les ocurra perdérsela.

¡¡¡Qué decepción, qué pena, qué frustración, qué enojo, ha experimentado quien esto firma al visionar esta tarde ‘Un silencio’, de su estimado director y guionista belga Joachim Lafosse – cosecha del 75, con títulos en su haber como ‘Perder la razón’ (2012), ‘Los caballeros blancos’ (2015) o ‘Después de nosotros’ (2016)!!!

Porque dado su talento tras la cámara, dadas la intensidad y contención de sus historias, dado su compromiso al retratar a los grupos humanos unidos por lazos de sangre, dada su potencia y dada su delicadeza, esperaba mucho de su tratamiento de esta historia.

Una historia basada en hechos reales ficcionados, como muchas de las que él ha documentado en su filmografía. Una historia dura en la que la familia, aparentemente modélica, de un reconocido abogado defensor de víctimas de pederastas se resquebraja cuando un terrible secreto y su ocultamiento durante décadas, luego complicidad y encubrimiento, salen a la luz.

Una historia que pudo haber sido más grande que la vida, porque Lafosse posee los talentos y el oficio requeridos para filmarla. Una historia que pudo haber sido demoledora, porque lo es su terrible temática, y una denuncia de la cínica perversión de quien presuntamente era valedor de criaturas rotas por experiencias de una crueldad inimaginable.

Una historia que pedía a gritos un tratamiento narrativo coherente, sólido y potente sin por ello caer en excesos melodramáticos. Una historia mal contada y peor filmada, con un pésimo guion repleto de oquedades, dispersiones y fisuras. También de oscuridades en el sentido tanto literal como metafórico del término. Una historia…

Coproducción entre Bélgica, Francia y Luxemburgo, de 100 minutos de metraje. Su nada distinguida escritura, a la que ya hemos hecho alusión, la firma el propio Lafosse junto a Chloé Duponcelle y Paul Ismael. La fotografía efectista y tenebrosa corre a cargo de Jean-François Hensgens.

Emmanuelle Devos le presta su talento interpretativo a este despropósito, que permite que incluso el excelente Daniel Auteuil resulte desvaído e ignoto. Como casi todos los personajes, por otra parte.

Escrito queda. Una verdadera pena lo que podía haber sido y no es… La pelota, en sus tejados.

Con el título de esta entrada, quien esto firma ha descrito ya la sensación que le produjo esta película. Habitada por realidades paralelas, cine negro, cine fantástico, ciencia ficción, enigmáticas pianistas, científicos de diverso calado, minas de uranio abandonadas, física cuántica, espías y multiversos entre un largo y, a menudo, embarullado e indigesto etcétera.

Y miren que el comienzo resulta sugerente y crea enormes expectativas: un científico que ha escrito un libro que, de bizarro, parece una fantasía, pero que él reclama como autobiográfico, defiende su verdad en un programa de televisión cuyos presentador y público se burlan de sus teorías obligándole a abandonar el plató. Corre el año de gracia de 1974 y la imagen aparece en color y en pequeño formato.

A partir de ahí, ocupa toda la pantalla y el color desaparece absorbido por un imponente y majestuosto, tan imponente y majestuoso como los paisajes de los Alpes Suizos que retrata, blanco y negro, que seguirá todo el metraje.

A partir de ahí, retrocedemos doce años, a 1962, cuando tuvieron lugar los hechos descritos en el libro. El protagonista es invitado a un Congreso de expertos muy cualificados en Física donde el anfitrión, un muy cualificado y prestigioso iraní, promete una teoría innovadora sobre la mecánica cuántica.

El joven, invitado a su vez por el director de su tesis y muy reacio a tales ideas, espera con entusiasmo tal ponencia que comparte plenamente. Pero el iraní no se presenta y, aunque tiene el apoyo de otro profesor, el personaje se prenda de una enigmática mujer que parece conocer su vida, su pasado y algo, no tanto como ella cree…, de su futuro.

A partir de ahí, las incidencias más sorprendentes de los bucles espacio-temporales, de los portales abiertos al pasado y al futuro, de los diferentes finales y los diferentes destinos que tienen las personas en los universos paralelos o en un presente en el que se introducen cambios.

A partir de ahí, todo está permitido, todas las explicaciones y teorías son posibles mientras la trama se revuelve sobre sí misma y se oscurece cada vez más. Mientras los secundarios, hombres de abrigo y sombrero, son irreconocibles. Mientras ese amour fou de un soso protagonista no puede funcionar con la nula química que tiene con una desvaída partenaire. A partir de ahí…

Coproducción entre Alemania, Austria y Suiza, de 118 minutos de metraje. Escrita, junto a Roderick Warich, y dirigida por el director de fotografía, editor de cine, guionista y realizador Timm Kröger, cosecha del 85, del que es su tercera película.

Portentosa la fotografía de Roland Stuprich y eficaz, pero algo atronadora, la banda sonora de Diego Ramos Rodríguez. Del reparto coral, resaltar que son apenas figuras en un paisaje y a merced de asombrosos acontecimientos.

Pues ya lo saben. Se deja ver bien, por momentos es hipnótica, pero sus carencias y excesos son llamativos. Así que la pelota está en sus tejados.

Esta firmante ha saltado directamente a la tercera Jornada de la Muestra de Cine Europeo 2023 por haber pasado la segunda en casa y en la cama, debido a un fuerte resfriado de las vías respiratorias altas. Algo que ya ha escrito, pero que reitera para quienes pueda interesar y no lo hayan leído anteriormente.

Y ahora va a darles cuenta de esta singular historia en la que cuatro jóvenes, tres chicos y una chica, se reúnen en la casa de verano de la abuela de uno de ellos. En principio iban a ser dos para trabajar: uno en su novela y otro en una muestra de fotografías.

Pero se les unen un socorrista, o nadador de rescate como él mismo se autodenomina, y la única mujer, de ascendencia rusa, que regenta un puesto de helados en la playa y guarda más de una sorpresa, que aquí no se desvelará.

Uno y otra mantienen una tórrida relación sexual que molesta sobre todo al novelista, más puntilloso, tenso y reservado por razones que se revelarán a lo largo del metraje. El fotógrafo, en cambio, es mucho más comprensivo y se integra rápidamente.

Ambientada en la costa báltica, en un privilegiado entorno de bosques y playas, durante un verano seco y caluroso. Este paraíso está cercado, sin embargo, por el fuego que acecha en el pueblo y en los parajes más próximos. aunque el cuarteto se siente a salvo dada la orientación del viento.

A salvo de los incendios, sí, pero no de las emociones. El director nos muestra a estas criaturas presas de los deseos, amores, atracciones inesperadas, vínculos impensables, celos, resentimientos, envidias, agravios comparativos y un largo etcétera que el autor experimenta con más intensidad que sus compañera y compañeros.

Porque además, le da a leer su manuscrito a la chica y… Por si esto no fuera poco, el editor va a visitarlo, hace lo propio y… Una nueva revelación está al acecho y ahí, con las llamas cercándoles cada vez más, el estallido será inevitable.

Este relato fílmico que, en su primera mitad, adopta un tono rohmeriano aparentemente ligero, siempre divertido y amable, se va oscureciendo progresivamente hasta una conclusión presidida por el drama, aunque muy abierta y sin renunciar al humor inteligente e irónico que la preside.

Lo que se piensa, lo que se experimenta y lo que se dice. Lo que se pierde por no aprovechar las oportunidades. Lo que se ignora porque no se pregunta y lo que se gana por sincerarse. Como la vida misma con sus duelos, sus encuentros, alegrías, diversiones, secretos y pérdidas irreversibles.

Un ardiente, notable, intenso, sutil y pasional cuento de verano sobre las relaciones e interacciones humanas, sobre las apariencias y las realidades. Pero también sobre el talento, el esfuerzo, el compromiso, el trabajo creador y la cualificación que requiere.

La animalista que esto firma agradeció mucho al realizador las lacerantes imágenes de una familia de jabalíes huyendo de las llamas. Le agradeció que recordara a esas víctimas no humanas, no contabilizadas, que lo pierden todo y que carecen de un Plan de Evacuación y Rescate específico para ellas.

Produccíón alemana, de 102 minutos de metraje, escrita y dirigida por el guionista y director de cine germano Christian Petzold, cosecha del 60, del que destacar títulos como ‘Barbara’ (2012) , ‘En tránsito’ (2018) u ‘Ondina’ (2020).

Su fotografía tan hermosa y sutil como dramática, la firma Hans Fromm. De entre su sólido reparto, sobresalen Thomas Schubert y Paula Beer. El primero justamente nominado como Mejor Actor en los Premios del Cine Europeo. La película ganó el Gran Premio del Jurado, Oso de Plata, en Berlín.

Todos los reconocimientos le son debidos. NO DEJEN DE VERLA.