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Esta coproducción franco-turco-alemana, ‘Mustang’, Sección EFA, dirigida por Deniz Gamze Ergüven, obtuvo seis premios en la Seminci, incluyendo la Espiga de Plata y, el de la Mejor Película en Sarajevo. Además tiene nominaciones a los Europeos, también Mejor Película y Discovery. Asimismo está preseleccionada a los Oscar. De 97 minutos de metraje. El guión lo coescriben su realizadora y Alce Winocour. La fotografían muy bien David Chizallet y Ersin Gok. La estupenda partitura se debe a Warren Ellis.

Su historia narra la de cinco hermanas huérfanas, de edades comprendidas entre los 12 y los 16 años, que viven en un hermoso pueblo al norte de Turquía, junto al Mar Negro, con su abuela y su tío. Felices, espontáneas e inocentes gozan de libertad y disfrutan con sus estudios, aficiones y juegos acuáticos con las amistades y los-as compañeros-as del colegio. Solo la marcha de una joven y muy querida profesora a Estambul, las entristece. Pero la maledicencia se cernirá sobre ellas y pronto les harán pagar el hecho de ser mujeres en un país ferozmente misógino y especialmente severo y rígido en su entorno.

La realizadora tiene la inteligencia, y la sabiduría, de mostrar esta espiral terrible contra unas criaturas limpias e indefensas, paulatinamente. Una espiral opresiva y represora, en función de los estrictos roles y normas prescritos a su sexo, que hasta entonces no habían padecido, ni experimentado. Pero que ellas, pese a rebelarse e intentar leves escapadas, la viven, incluso al principio, como un juego más. Muy unidas, pese a estar enclaustradas y  habérseles prohibido ir al colegio, se divierten en la intimidad, asumiéndolo como una actitud pasajera, de la mejor manera posible.

Claro que no lo es… Progresivamente se les van recortando sus mínimas libertades, sumergiéndolas en un férreo gineceo doméstico con vistas a sus futuras bodas que, no hace falta ni escribirlo, serán concertadas. Entre el estupor y el humor primero y una cierta alarma después, asisten, impotentes, burlonas y resignadas al destino que las personas adultas pretenden hacerles cumplir a toda costa. Cualquier negociación será imposible. Y todo irá a peor.

Quien esto firma, que ha visto varias cintas, muy estimables casi todas, sobre el infierno en la tierra que estos fundamentalismos oscurantistas les reservan a las mujeres, es la primera vez que recuerda un tratamiento así. Tan luminoso y pletórico de fuerza, encanto y energía juvenil – servido por unas actrices prodigiosas, singularmente la pequeña, mirada, voz y motor del relato – frente al terrible fanatismo adulto. El efecto, si cabe, es aún más demoledor. Una película extraordinaria que nadie, nadie, nadie, debería perderse.

Dos amigos con nombres propios. Dos amigos llenos de talento. Dos amigos, de los que el mayor de ellos le doblaba la edad al menor. Dos amigos y colegas. Dos amigos, en el que uno, y su revista, le confirieron una nueva dimensión crítica en Europa a la obra del otro. Dos amigos cuya creatividad tomó derroteros muy diferentes. Dos amigos cuyos vínculos se estrecharon con una larga entrevista, que  devino en un libro imprescindible.

Dos amigos, uno inglés, residente en Estados Unidos y el otro, francés. Dos amigos universalmente conocidos y reconocidos. Dos amigos cuya filmografía perdura. Dos amigos llamados Alfred Hitchcok y François Truffaut. De tales hombres, de tales cineastas, trata la cinta, de Special Screening , dirigida por  Kent Jones – de 80 minutos de metraje, con guión de su firmante y de Serge Toubiana y música de Jeremiah Bornfield – ‘Hitchcok/Truffaut’, que conmemora, precisamente, el cincuentenario de la obra mítica e imprescindible del segundo en homenaje al primero.

Y así en este filme, tan cuidado, inteligente, divertido y estimulante, nos es dado oír las grabaciones originales de ese documento, único e irrepetible, en el que un maestro del cine interpela a otro sobre su ‘modus operandi’ fílmico, con una intérprete de por medio. Nos es dado, asimismo, ver las imágenes de estos dos hombres y de esta mujer, en torno a una mesa y a una grabadora, sonrientes y cómplices.

Nos es dado, además, el privilegio de escuchar a ilustres colegas de ambos, tales como, nada menos y entre otros, que Martin Scorsese, Richard Linklater, Wes Anderson, James Gray, David Fincher u Olivier Assayas, analizando la obra hitchockiana, mientras en pantalla aparecen esas escenas antológicas, que comentan con tanta sabiduría como lucidez. Mientras en pantalla aparecen Janet Leigh, Kim Novak, James Stewart, Ingrid Bergman, Grace Kelly o Cary Grant.

Nos es dado constatar el alcance del conocimiento y de la devoción que del y por el entrevistado sentía el entrevistador. Nos quedan para el recuerdo frases míticas del primero, tantas… Una, como ejemplo: ‘Un rostro no es nada, si la luz no lo toca’. Y también que no hubiera rodado como su colega cierta famosa escena de ‘Los cuatrocientos golpes’. Nos es dado disfrutar de unos títulos de crédito a la manera del protagonista y una banda sonora a la manera Herrmanniana.

Tras esas cincuenta horas de conversaciones, cincuenta años ha, los dos realizadores se hicieron muy amigos. Dos amigos. Mantenían contactos telefónicos y epistolares muy frecuentes y se consultaban sobre sus rodajes y proyectos. Ambos abandonaron este mundo, en el que siguen tan vigentes, con solo cuatro años de diferencia. Pero, mientras el primero era octogenario, al segundo lo fulminó un tumor cerebral implacable, con tan solo 52.

Este documental, de visión obligada y más que emotiva para cinéfilos-as, estudiantes, mitómanos-as y estudiosos-as es un auténtico regalo, una joya que no deberían perderse bajo ningún concepto.

Como dice el muy cualificado crítico y amigo, Enrique Colmena, – quien, por cierto, ha apreciado bastante esta película de la Sección Oficial, de la que ahora vamos a ocuparnos, así que tomen buena nota – al italiano Matteo Garrone, cosecha del  68, no se le puede acusar de repetirse. Ahí están, para confirmarlo, filmes suyos tan dispares como ‘Gomorra’, ‘Reality’, y esta ‘El cuento de los cuentos’, otro de los títulos que compite por el Giraldillo de Oro.

Basada libremente en la novela homónima del autor del siglo XVII, Giambattista Basile,  y ambientada en esta época, el Barroco.  Narra las historias cruzadas de tres reinos, sus monarcas, y sus vínculos familiares, relaciones y circunstancias, ejemplificando en ellos, al tiempo, algunos temas que nos afectan en nuestra cotidianeidad contemporánea.

125 minutos de metraje. La han escrito, además del realizador, Edoardo Albinati, Ugo Chiti y Massimo Gaudioso. Su hermosa fotografía es de Peter Suschitzky. Su partitura del gran Alexandre Desplat. Tiene un estupendo trabajo, además, del equipo técnico, de producción y del departamento de efectos especiales. Y un reparto de lujo en el que destacan, entre otros-as, Salma Hayek, Vincent Cassel, John C. Reilly o Alba Rohrwacher.  Solo que…

Solo que a quien esto firma la ha dejado fría e indiferente . Solo que quien esto firma, piensa que le sobran metraje y cierta pomposidad.  Solo que quien esto firma, pese a destacar su oscuridad y sordidez a la contra, la ha encontrado bastante plana en las historias y en el enfoque de sus protagonistas. Solo que quien esto firma, cree que ha desaprovechado, también él, también aquí, una oportunidad de oro de cuestionar los esquemas sexistas en los temas tratados como la maternidad, el matrimonio, la relación con los hijos-as, de los y las diferentes, la vejez, el imperativo por la juventud y la belleza, la tiranía de una forma de Estado…

En efecto, el rechazo al deterioro del cuerpo y a los estragos de la edad solo se les adjudica a las mujeres. Así como las pulsiones maternales. Pero el poder omnímodo es masculino y ellos sí pueden exhibir sin traumas, ni complejos, el paso del tiempo. Puesto que del género fantástico se trataba, y de una versión libre de una obra, hubiera sido mucho más estimulante y enriquecedor, hubieran ganado sus personajes en complejidad, de haber dado una vuelta de tuerca a esos esquemas, cuestionándolos. Una pena.

Vaya por delante que, a juicio de quien suscribe, ‘Mia madre’, Sección EFA, no es la mejor, ni la más redonda, película de su firmante, el italiano Nanni Moretti.  A esta historia de una directora de cine políticamente comprometida e inmersa en una crisis existencial, con su madre gravemente enferma… A esta historia de una realizadora, trasunto y alter ego del cineasta, le sobran metraje, reiteraciones y contención ante la inminente pérdida. Y, por contra, le falta, lo que sí tenía la extraordinaria ‘La habitación del hijo’,  intensidad, desgarro y conmoción.

Pero posee muchas cualidades más que apreciables y dignas del talento y la sensibilidad del realizador. Como, por ejemplo, la inversión de roles de género, sin trazos gruesos sexistas, con el personaje central, la espléndida Margherita Buy. Ella es un sujeto en el ejercicio de su trabajo, de su profesión y de sus libertades, con todas las consecuencias.

Ella dirige y protagoniza su existencia, aunque sienta desmoronarse su vida. Ella está al cargo de su equipo de rodaje, pero también de su familia, en igualdad de condiciones con un ex marido y padre que comparte, y algo más, el cuidado de su hija, una encantadora y lista adolescente tan bien encarnada por Beatrice Mancini.

Aunque atenta a su evolución, los cuidados y la atención básica de la progenitora se los procura su hermano, un inédito, tierno y solícito Nanni Moretti. Ella toma las decisiones en su esfera afectiva y laboral, sean o no acertadas. Pese a su carácter difícil y perfeccionista, que no va en su detrimento,  todo lo contrario, no está dibujada esquemáticamente, sino con una amplitud de miras, comprensión y lucidez notables.

Los varones, sensibles. Las mujeres, fuertes y asertivas, pero nunca duras. La madre, una antigua y valorada profesora de disciplinas ahora lamentablemente en desuso, y tan básicas para una educación en valores e integral. Un hijo amante y generoso que es capaz de ver más allá del futuro laboral y estar con ella hasta el fin. Un rodaje tan divertido – gracias al desternillante talento de un sensacional John Turturro, que no duda en reírse de sí mismo, arrancándonos incontenibles  carcajadas – como duro. El cine dentro del cine, las tripas de una filmación…

102 minutos de metraje. La escriben Nanni Moretti, Francesco Piccolo y Valia Santella. La fotografía, muy bien, Arnaldo Catinari. Tiene una música hermosa, con unos preciosos temas, que subrayan sabiamente lo narrado. Habitada por la tristeza y la melancolía. Por una desolación no catártica, pero que la sobrevuela en todo momento. Su mirada es la de una mujer que no se resigna a una pérdida inevitable, de una mujer hecha pedazos, pero que no se rinde. Pese a las carencias citadas, lo que cuenta, y como lo cuenta, es valioso, relevante y nos concierne. Véanla.

Los franceses Philippe – cosecha del 48 guionista, profesor, productor y montador, además de un realizador prestigioso – y Louis Garrel – cosecha del 83, actor y ahora también guionista y realizador – comparten vínculos de sangre. Además sus dos últimas propuestas fílmicas, y la primera tras la cámara del segundo, concursan en la Sección Oficial y compiten por el Giraldillo de Oro en el Festival.

Padre e hijo, pues, y rivales en esta ocasión. Y lo hacen, curiosamente, con sendas historias – aunque sean muy distintas en sus enfoques y lenguajes – sobre triángulos amorosos. La del progenitor, narrada a su vez por Louis, la protagonizan un hombre y dos mujeres. La del hijo, la que ahora nos ocupa, que inaugura el Certamen, dos hombres y una mujer.

‘Two friends’ (‘Les deux amis’) concursó en Cannes, en la Semana de la Crítica,  donde esta comedia romántica triangular fue muy bien recibida. Había una expectativa en quien esto escribe por verla y degustarla en su narrativa y puesta en escena definida como una nouvelle nouvelle vague… Las etiquetas son eso, etiquetas, pero esta obligaba y mucho.

Precisamente por ello, para quien esto escribe, ha sido una decepción completa. No solo eso.  La ha encontrado misógina, irritante y hueca. Un ejercicio de estilo con demasiados ‘dejá vu’ estéticos, que se presume libre y, salvo por algunos momentos y ráfagas brillantes, es tan vacía de contenido, como de escritura.

Las miradas, mayoritariamente masculinas, de la prensa especializada han elogiado, están en su derecho, su singularidad transgresora y poética. Quien esto escribe, por el contrario, la ha visto desde la perspectiva de su protagonista, la única verdaderamente adulta, sensible y con sustancia, del presunto trío que no es tal.

Y no lo es porque los dos varones, un casanova de vía estrecha y un pasivo agresivo, no dan la talla, en ningún caso, más que para acosarla – la escena de la estación es escalofriante – para faltarle al respeto, para no asumir que un NO quiere decir NO. Para complicarle la vida de la peor y más cruel manera posible.

Pero el realizador debutante, miren por donde, siente una fascinación y una ternura infinitas, complacientes y acríticas por tales impresentables. En realidad, la cinta es un canto a la amistad entre estos dos sujetos tan dispares, de cuya disparidad física, y de carácter, ni siquiera se saca ningún partido fílmico.

La chica, y sus difíciles circunstancias, son solo la excusa. Nunca es percibida por ellos más que en su ‘misterio’ o en su belleza, o en su sensualidad -otro cliché más – y, a todos los efectos, como propiedad de quien, supuestamente, la ‘ama’ . Y, además, se la hace incurrir, en el tramo final, en una suerte de ‘síndrome de Estocolmo’ más bien forzado, aunque generoso.

La única relación que se describe, todo lo deficitaria que se quiera, pues los protagonistas lo son, es la los dos hombres inmaduros y planos, que se pretenden tiernos y son banales, básicos y previsibles. Aunque les rodee un halo romántico y existencialista, no tienen ni carne, ni sustancia. Son una pobre y triste parodia de los Jules et Jim, o de los Belmondo, Godard y Truffaut de antaño…

100 minutos de metraje. Escrita por su director y Cristophe Honoré. Fotografiada bellamente por Claire Mathon. Su excelente música se debe al gran Philippe Sarde. Los actores, el propio Garrel y Vincent Macaigne, hacen lo que pueden, pero carecen de vida. Por eso la chica, una estupenda Golshifteh Farahani, se los merienda sin problemas a los dos. Ella sí le insufla un trágico y romántico lirismo a un relato tan tramposo.

Mais non, Monsieur Garrel, mais non…

Quien esto firma, no ha tenido ocasión de hacer este año las hojas de ruta-guías del Festival que sí hizo en pasadas ediciones. Pero sirva esta entrada, mucho más modesta, para registrar algunas opciones de este blog sobre los títulos programados. Tales opciones son tan legítimas, personales e intransferibles como las que puedan hacer cualquiera de ustedes, por supuesto.

En tales opciones, en principio, son todas las que están. Pero no todas las que son, ya que la fastidiosa coincidencia con películas de la Sección Oficial, que verá al completo, programadas por la tarde casi a diario, ha hecho forzosa la exclusión de algunas de mucho interés. Al menos, sobre el papel, ya que todo es muy azaroso con este tipo de cine…

Así que, brevemente, comenzamos con la ‘Mia Madre’, de Nanni Moretti, a la que la crítica no le ha concedido la consideración de título mayor del cineasta italiano, pero que tiene el atractivo irresistible de ver a la espléndida Margherita Buy, como alter ego del realizador, afrontando a la vez una crisis matrimonial y la enfermedad materna.

El sábado quien esto firma, aunque no pueda estar presente, honrará la Marcha Estatal contra las Violencias Machistas que tendrá lugar en Madrid, con la visión de la turca, coproducida con Francia y Alemania, ‘Mustang’, de Deniz Gamze Ergüven, en el que se describe la opresión feroz a la que son sometidas por su abuelo y su tía, trasuntos de una sociedad radicalmente misógina, cinco hermanas huérfanas. Le han llovido todos los premios y ha sido preseleccionada a los Oscar. Lamentablemente, hay pocas miradas de mujer presentes este año, pero sí que todas son, en principio, absolutamente recomendables.

Como la de la de la lituana Alanté Kavaïté, con ‘The summer of Sangaile’, Mejor Dirección en Sundance, sobre el intenso romance entre dos adolescentes muy distintas durante un verano. O como la versión libre y contemporánea de las bodas de sangre lorquianas, que hace Paula Ortiz en ‘La novia’. O como la imposible tesitura de una chica de 17 años, embarazada y sin apoyo alguno de su entorno, que plantea Micah Magee en la coproducción entre Alemania, Grecia y Estados Unidos en ‘Petting zoo’.

O como la comedia negra con tres personajes centrales, un forense, su hija anoréxica y una terapeuta espiritista, que aborda la polaca Malgorzata Szumowska en ‘Body‘, Oso de Plata en Berlín. O como la también comedia, paradójicamente sobre la depresión de una joven madre trabajadora y esposa sobrepasada por sus obligaciones, la alemana ‘Hedi Schneider is stuck’, de Sonja Heiss. O como la intransferible visión de la terrible y voluntariamente desaparecida belga Chantal Akerman, en un diálogo imposible con su madre en ‘No Home Movie’.

Y los compromisos de la francesa, ‘La ley del mercado’ de Stéphane Brizé. O del pasado más combativo y cuestionado de la franco-suiza, ‘A german youth’ de Jean-Gabriel Périot. O de la dolorosa y dura escisión de una profesora generosa en la coproducción franco-brasileña-argentina, ‘Paulina’, de Santiago Mitre. O del horror sin paliativos de ser mujer en Teherán en la germano-iraní, ‘Paradise’, de Sina Ataiean Dena.

Pero también los mitos cinéfilos de la franco-estadounidense ‘Hitchock-Truffaut’, del crítico Kent Jones, sobre la legendaria entrevista que dio lugar al libro. O la singular visión de Peter Greenaway sobre la estancia de su ilustre colega e ídolo, Sergei Eisenstein, en México. O lo que es lo mismo, ‘Eisenstein en Guanajuato’.

Hay muchos  festivales posibles… Pero todos están en el SEFF.

Nota aclaratoria: Reiterar, por si hacía falta, que esta es una selección radicalmente subjetiva y que no tienen por qué compartirla. Que quien esto firma, va a verse toda la Sección Oficial y parte de Las Nuevas Olas, y les dejará cumplida constancia de sus impresiones en las crónicas correspondientes, por ello no ha entrado en detalles. Que, además, como mujer feminista, ha priorizado la visión de las miradas de las realizadoras y que, como animalista, va a obviar determinados títulos muy sospechosos de haber perpetrado maltrato, e incluso asesinato, de animales durante sus rodajes. Escrito queda.

No cabía un alfiler en la cuarta planta, sala de actividades de La Casa del Libro,  esta tarde-noche. Un verdadero récord de asistencia en nuestra tertulia de cine, La Palabra y la Imagen. La gozosa confluencia de dos películas más que notables a debatir,  de recomendaciones para el inminente Festival de Cine Europeo y de la sorpresa añadida de la presentación de una nueva revista cinematográfica, han sido determinantes en el éxito de esta convocatoria.

Además del crítico invitado… Un lujo y un honor contar, por segunda vez, con este muy cualificado representante de la generación de relevo. Álvaro de Luna, en efecto, estuvo con nosotros-as en febrero de 2014 glosando títulos de David O. Russell, Scorsese y Polanski. Estudiante de Filosofía, cosecha del 91, director y redactor jefe de http://www.mundocritica.com, colaborador de Filmaffinity y de diferentes medios de Alcalá de Guadaira, donde vive, es ya todo un experto en el Festival donde, la edición pasada, fue jurado de las Nuevas Olas.

Y a fe que supo estar más que a la altura de dos cintas densas, intensas y radicalmente distintas entre sí, con dos introducciones muy completas y documentadas de cada una de ellas.  Dos cintas que dan cuenta, entre otras muchas cosas relevantes, de los males del cuerpo la una y de los del alma, la otra.

Se comenzó por Truman, de Cesc Gay. Sobre su tributo a la vida, a la amistad, a la generosidad, al humor. Pero también a la muerte, a la que mira cara a cara. A  la coherencia de una decisión irrevocable. A la dignidad de elegir el fin. A la crudeza de unos preparativos, con el protagonista presente. A dos hombres separados por muchos kilómetros y unidos en cuatro días intensos e irrepetibles.

A una mujer que ha estado y va a estar en lo peor y más ingrato. Al amor por los animales, ejemplificado en un perro anciano, el Truman del título que ya no está. Compañero de vida, segundo hijo, a todos los efectos del protagonista. A las visitas al veterinario, a la funeraria, a las posibles adoptantes…

Al nudo en la garganta que toda su proyección suscita y en las incontenibles lágrimas que provoca su final. A sus cameos. A su forma de filmar ciudades, interiores, exteriores y personas. A sus espléndidos Javier Cámara y Ricardo Darín. Al descubrimiento de Dolores Fonzi. A…

‘El club‘, de Pablo Larraín, no le fue a la zaga en impresiones. Turbia, durísima, con un humor muy negro, desasosegante, cruel, feroz. Con ese quinteto de todos los abusos, y cómplice de todas las iniquidades, en un retiro austral. También perros aquí pero, claro, nada que ver… Con la Iglesia hemos topado. Y con sus representantes terrenales más perversos. Con cuatro sacerdotes y una monja viviendo en comunidad lo que ella, sarcásticamente, llama ‘una vida santa’.

Con esa fotografía tan velada y vidriosa como las almas de sus protagonistas. Con esa víctima, con síndrome de Estocolmo, a la que hay que acallar, integrándola en una convivencia explosiva. Con esos dos extraños visitantes. Con esa solución final terrible para los animales. Con ese ‘inquisidor’ tan crítico como cómplice. Con ese reparto. Con esa conclusión tan abierta y nada complaciente como es debido. Con…

Algunos de los títulos que se mencionaron del SEFF. ‘Mia madre’, de Nanni Moretti. ‘La novia’, de Paula Ortiz. ‘Mustang’, de Deniz Gomze Ergüven. Todos los de  la EFA. Mucha atención a los de Nuevas Olas, Resistencia y Panorama Andaluz. ‘La academia de las musas’, de José Luis Guerín. ‘Blood of my blood’, de Marco Bellochio. ‘El cuento de los cuentos’, de Matteo Garrone.

‘Petting zoo’, de Micah Magee. ‘One floor below’, de Radu Muntean. ‘Body’, de Malgorzata Szumowska. ‘El tiempo de los monstruos’, de Félix Sabroso. ‘Hitchcok-Truffaut’, de Kent Jones. ‘No home movie’, en homenaje a Chantal Akerman, de cuya voluntaria marcha de este mundo, hace ahora un mes, aún no nos hemos repuesto. Pocas mujeres realizadoras, pero todas a tener en cuenta…

Y la revista, ‘Mise -en Scéne’, que nos presentó, en formato papel, aunque esté en digital y puedan encontrarla en Facebook y pronto en twitter, su director, Cristian J. Ceballos quien apuesta por un cine debilitado, periférico y al margen de las vías trilladas. Quien esto firma, ha podido ojear y degustar la rigurosa y documentada publicación, que han tenido a bien regalarle, y les recomienda encarecidamente su seguimiento.

Nuestro próximo encuentro tendrá lugar el miércoles, 2 de diciembre. Debatiremos sobre la Palma de Oro del pasado Cannes, ‘Dheepan’, de Jacques Audiard, que entra este viernes, y sobre ‘La verdad’, de James Vanderbilt, que está en cartelera. Si saliera, tenemos como opción ‘Nadie quiere la noche’, de Isabel Coixet, que se estrena el día 27. E, ineludiblemente, de lo visto en el SEFF.

Gracias a La Casa del Libro, a José Iglesias Blandón, a Álvaro de Luna, a Cristian J. Ceballos y a los y las mejores tertulianos-as del mundo mundial por una velada extraordinaria. GRACIAS, GRACIAS, GRACIAS.

Nuestra tertulia de cine, ‘La Palabra y la Imagen’, tiene una nueva sesión mañana miércoles, 4 de noviembre, a las 19.30, en La Casa del Libro de Sevilla, calle Velázquez. En la cuarta planta y la entrada es, por supuesto, libre. Debatiremos sobre dos muy notables películas, cuyas reseñas las tenéis en este blog, Sevilla Cinéfila.

O lo que es lo mismo, sobre la chilena ‘El club’, de Pablo Larraín y sobre la española ‘Truman’, de Cesc Gay. Además, se harán algunas recomendaciones sobre lo más interesante, en teoría, que podrá verse en algunas de las Secciones del muy próximo Festival de Cine Europeo de nuestra ciudad.

Nuestro crítico invitado será, todo un lujo y un honor, al que ya conocéis, pues fue el anfitrión en otra de las ediciones, Álvaro de Luna. Director y redactor jefe de http://www.mundocritica.com y colaborador de Filmaffinity. Es la séptima vez que estará presente en el Certamen sevillano, donde fue jurado de Las Nuevas Olas el año pasado, y ha estado como corresponsal de su página en Málaga y Gijón.

Un programa muy prometedor que no os podéis perder bajo ningún concepto. Os esperamos.

Para Maribel y Lolita, una humana y una gata, cuyas ausencias pesarán siempre. In memoriam.

Estamos ante una película que rinde tributo a la vida. Estamos ante una película que rinde tributo a la amistad. Estamos ante una película que es una declaración de amor a los animales, ejemplificada en ese tierno y adorable perro anciano, Truman, por el que su compañero humano tanto se preocupa. Estamos ante una película que valora el tiempo que le queda a un actor seriamente enfermo, como algo precioso y único. Estamos ante una película que da cuenta, momento a momento, pero con sabias elipsis, de cuatro días compartidos por dos hombres, unidos por fuertes vínculos, tan inolvidables como irrepetibles.

Estamos ante una película con un itinerario a dos, tan difícil como necesario. Estamos ante una película con un notable sentido del humor. Estamos ante una película que le planta cara a la Parca. Estamos ante una película que no banaliza, ni dramatiza, a la maldita enfermedad maldita. Estamos ante las decisión de un ser vulnerable, bravo y consecuente, que toma las riendas de su propio final. Estamos ante una película poderosamente emotiva en su expresión y en su contención. Estamos ante una película sentimental, en el más digno sentido del término.

Estamos ante una película que trata, algo muy propio y estimable de su firmante, sobre varones sensibles, que se quieren y lo demuestran, afrontando lo peor. Estamos ante una película que no  teme nombrar lo innombrable. Estamos ante una película que encara la crudeza de los preparativos. Estamos ante una película que aborda una despedida irreparable, sin mixtificaciones. Estamos ante una película sobre la generosidad y sobre el dolor. Estamos ante una película en la que las miradas y los silencios cuentan tanto como las palabras. Estamos ante una película que provoca sonrisas y lágrimas, pero que no las fuerza.

Estamos ante una película con una puesta en escena estilizada, elegante y sugerente. Estamos ante una película que sabe filmar y encuadrar ciudades e interiores. Que sabe filmar y encuadrar espacios y personas. Estamos ante una película habitada tanto por la tragedia como por el valor de la existencia. Estamos ante una película llena de ilustres cameos en los nombres propios de Elvira Mínguez, Silvia Abascal, José Luis Gómez, Eduard Fernández, Francesc Orella, Javier Gutiérrez, Nathalie Poza, Álex Brendemühl, Pedro Casablanc… el orden de los factores no altera el producto.

Estamos ante una película que nos descubre a una maravillosa Dolores Fonzi. Estamos ante una película que nos regala dos extraordinarias interpretaciones de Ricardo Darín y Javier Cámara. Estamos ante una película que es una de las elegidas para debatir en nuestra próxima tertulia de cine del miércoles que viene, 4 de noviembre.

108 minutos de metraje. La dirige Cesc Gay – cosecha del 67, ‘Krampack’, ‘En la ciudad’, ‘Una pistola en cada mano’… – La escriben conjuntamente su propio realizador y Tomás Aragay. La fotografía, muy bellamente, Andreu Rebés. La música la subrayan Nico Cota y Toti Soler.

Estamos ante una película tan disfrutable por audiencias mayoritarias como por minorías exigentes y cinéfilas. ¿Se ha escrito ya que no deberían perdérsela…?

La víspera de Halloween ha deparado a la cartelera sevillana una oferta de cintas de estreno variada y heterogénea. En la que, lamentablemente, la vos nos es escamoteada en sesiones muy tardías. Consulten, no obstante, días y horarios pero… Dos estadounidenses  y una coproducción entre México y USA son las que, sobre el papel, se proyectan en su lengua original.

La primera es el thriller político, basado en hechos reales, ‘La verdad’, ópera prima de James Vanderbilt, guionista de ‘Zodiac’ entre otras. Ambientada en 2004, la productora de los informativos de la CBS, junto al presentador y a un pequeño equipo, investigan una noticia que podía cambiar el curso de las muy próximas elecciones presidenciales. Con un reparto en estado de gracia en el que destacan Robert Redford, Dennis Quaid, Topher Grace, Elisabeth Moss y, sobre todos-as, una eminente Cate Blanchett, sus reseñas son magníficas, con algunas salvedades, y se impone verla.

La segunda es un musical, basada en el homónimo que obtuvo un Premio Tony, ‘Los últimos cinco años’, de Richard LaGravenese. Narra el agridulce romance entre una joven aspirante a actriz y un novelista en alza. La crítica de su país se le ha rendido. La europea, no tanto. Se destaca el trabajo de la pareja protagonista, sobre todo el de la estupenda Anna Kendrick, y no debería obviarse.

La tercera es ‘Little boy’, de Alejandro Monteverde. Ambientada en la Segunda Guerra Mundial, sigue a un niño de siete años, con problemas de desarrollo, sufre la crueldad de su entorno cuando su padre y único apoyo se marcha al frente. Pese a la presencia de Emily Watson y Tom Wilkinson, sus referencias son muy negativas, en general. Ustedes deciden.

Otro de los estrenos más estimulantes es la española ‘Truman’, de Cesc Gay. Sobre dos amigos, un reencuentro, el perro de uno de ellos que da nombre a la cinta y una revelación que lo cambiará todo. Trata, a tenor de las opiniones leídas sobre ella, un tema sombrío con elegancia, lucidez y humor. Sus dos intérpretes principales Ricardo Darín y Javier Cámara están espléndidos y no hay que perdérsela bajo ningún concepto. Además es una de las elegidas para debatir en la próxima sesión de nuestra tertulia de cine, ‘La Palabra y la Imagen’ del miércoles 4 de noviembre, junto a ‘El club’, de Pablo Larraín.

Contraste de pareceres entre ‘un melodrama clásico y elegante’ o ‘inverosímil y algo caótica’ para la francesa ‘3 corazones’, de Benoit Jacquot. Sobre un trío amoroso muy particular, pero no simultáneo en el tiempo. Chiara Mastroianni, Benoit Poelvoorde y Charlotte Gainsbourg, junto a Catherine Deneuve, hacen los honores. Hay que verla.

Y una comedia sentimental, con mucha división de opiniones especializadas, es ‘El becario’, de Nancy Meyers. Sobre un viudo jubilado que se lanza a trabajar en tal puesto en una empresa muy joven y novedosa, con una jefa en crisis,  cambiando su entorno. Con Robert De Niro y Anne Hathaway. Se le puede dar una oportunidad…

Otra española más que inquietante, con un tema escabroso y con buenas referencias, que concursó en Sitges, es ‘El cadáver de Anna Fritz’, de Héctor Hernández Vicens. Sobre una joven y bella actriz que aparece muerta desnuda en la suite de un hotel y es llevada a la morgue de un hospital, donde el joven celador y dos de sus amigos quieren verla y… Su visión se impone y también comprobar qué tratamiento le da a un asunto tan tenebroso.

Las inéditas, que le conste a quien esto firma, son cuatro. Una italiana, una austriaca, una hispano-chilena y una coproducción entre Francia, España, China, Corea del Norte y Estados Unidos. La primera es ‘Educación siberiana’, de Gabriele Salvatores. Basada en las experiencias autobiográficas del protagonista de la novela en la que se basa, Nicolai Lilin, y su formación en el ambiente de la más sanguinaria mafia rusa. Ha gustado bastante y llega con dos años de retraso.

La segunda, la tercera y la cuarta son documentales. Como ‘El gran museo’, del austríaco Johannes Holzhausen, sobre el día a día del Museo de Arte de Viena. Nada convencional, sus referencias son excelentes.

Como ‘El gran vuelo’, de la chilena Carolina Astudillo Muñoz, que narra la historia real de Clara Pueyo Jornet, militante del PSUC, quien, presa en pleno franquismo, se fugó en una operación organizada por su partido y se perdió su pista. Un homenaje a las mujeres luchadoras y reprimidas por la dictadura, que tiene magníficas críticas.

Y como, para finalizar, ‘The propaganda game’, de Álvaro Longoria. Sobre las técnicas de desinformación y manipulación en el caso de Corea del Norte. Ha interesado bastante.