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Cine en plataformas, Filmin. Atlántida Mallorca Film Festival 2021, ‘Los inocentes’: Tirar la piedra y esconder la mano

El guionista y cineasta Guillermo Benet, cosecha del 84, debuta en el largometraje con este inquietante drama con aires de thriller – que tiene ecos, lejanos y salvando todas las distancias, de ‘Rashomon’ de Kurosawa – filmado en el formato cuadrado 1:1, una elección de puesta en escena muy acertada que aporta tensión, claustrofobia y un desasosiego creciente al relato. Está basado en su corto homónimo, que recibió los premios a la Mejor Película y al Mejor Guión en la Semana del Corto de la Comunidad de Madrid. Participó asímismo en la Sección Revoluciones Permanentes del pasado SEFF.

Sección que, no lo olvidemos, ha sido descrita por el Certamen como “la más joven del Festival, la que representa el futuro del cine, la que ofrece las propuestas más radicales y valientes, la que va en busca de las cinematografías que están por ser creadas…”. Viene al caso esta cita como declaración de principios al respecto de una ópera prima muy estimulante, aún con sus imperfecciones, de un director a seguir.

Cuando la policía desaloja un concierto en un centro social, repleto de jóvenes, mientras en el exterior hay cargas, carreras y estampidas por las calles adyacentes, seis de ell@s coinciden, en distintos tiempos de esa volcánica noche, ante un contenedor de escombros lleno de piedras. Desde allí, con el rugido de fondo, el miedo y la excitación en el cuerpo, las lanzan hacia los hombres de uniforme aislados que ven. Uno cae ensangrentado y queda inmóvil en el suelo. A partir de ahí…

A partir de ahí, se nos muestra el dónde, el cómo y el cuando de cada cual. A partir de ahí, cada una de las versiones y las visiones en una suerte de capítulos que se funden en negro antes de dar paso a cada personaje. A partir de áhí, lo que se dice y lo que se calla. A partir de ahí, las tensiones, las suspicacias, las justificaciones, las excusas, las culpas… A partir de ahí, se reúnen en una casa intentando armar una versión común. A partir de ahí, las contradicciones, los dilemas morales que no son enunciados, pero sí están muy presentes.

A partir de ahí, nunca mejor dicho, el tirar la piedra y esconder la mano. A partir de ahí, cada cual piensa, y prefiere no creer, que su piedra fue el arma asesina. A partir de ahí, la víctima también puede ser un enemigo a batir en un combate desigual. A partir de ahí, la tensión creciente de estar bajo sospecha y poder ser detenid@s de un momento a otro. A partIr de ahí, los relatos difieren de las vivencias. A partir de ahí, hasta llegar a una conclusión inesperada. A partir de ahí…

Benet no juzga a sus protagonistas, solo los muestra. Y también sus debilidades teóricas, políticas, ideológicas y éticas. Sus insuficiencias, miserias y esquematismos conceptuales. Desde luego no los condena, aunque su inmadurez resulta evidente con su carga de remordimientos y ansiedad. Con la fragilidad de sus posiciones, con sus vulnerabilidades disfrazadas de chulería.

Producción española, fechada en 2020, de 100 minutos de metraje. Su guión lo firma el propio director junto a Rafa Alberola. Su excelente fotografía se debe a Giuseppe Truppi. Y los temas de su banda sonora, que solo se hacen sentir cuando son pertinentes, a Trola. En el reparto, lo dan todo Susana Abaitua, Violeta Orgaz, Pilar Bergés, Raúl de la Torre, Olivia Delcán y Pablo Gómez Pando.

Es una apuesta libre y valiente. No se la pierdan en Filmin.

En cartelera. Viernes, 13: El terror está en los termómetros…

De entre la oferta de estrenos de este viernes 13, cuyo terror está en los termómetros, destacamos tres películas que podrán verse en sus versiones originales subtituladas. Son, las comentaremos por este orden, una húngara, una checa y una danesa.

La primera es ‘El médico de Budapest’, escrita y dirigida por el prestigioso István Szabó. Sigue a un cardiólogo obligado a jubilarse, que no puede vivir sin su trabajo por lo que decide ejercer como médico generalista en su pueblo natal. Lo que ignora es que este será el comienzo de una terrible experiencia.

Se ha escrito sobre ella, extractos de críticas de expert@s publicadas en la imprescindible página FilmAffinity que, en este caso, solo es una: “Sus propósitos son sinceros… Pero su defecto es que se permite hacer bromas ocurrentes a expensas de la corrupción para ofrecer una lectura más petulante” David Katz, Cineuropa. Se impone comprobarlo viéndola.

La segunda es ‘Charlatán’, de la igualmente reputada realizadora Agnieszka Holland. Un drama, basado en hechos y personajes reales, ambientado en los años 30, sigue a un hombre, fascinado por las plantas y sus propiedades, que se convirtió en un popular sanador que curaba por igual a ricos y pobres, a nazis y a comunistas. Acusado de charlatán por las autoridades políticas, tuvo que demostrar que no lo era en un juicio.

Se ha escrito sobre ella: “Un rico rompecabezas psicológico, de hipnóticas interpretaciones y de animadas contraposiciones de escenas de los momentos claves de la vida del protagonista” Deborah Young, The Hollywood Reporter; “Un biopic hermoso, inteligente y escrutador, pero algo seco… Es un retrato ambicioso de la imperfección humana que no consigue que el espectador sienta afecto por su sujeto” Guy Lodge, Variety; `”Puede que sea modesta, pero demuestra que Holland tiene más conocimiento del cine en su dedo meñique que la mayoría en todo su cuerpo” Marta Balaga, Cineuropa. Se impone comprobarlo.

Y la tercera es ‘Jinetes de la justicia’, del reconocido guionista y cineasta Anders Thomas Jensen. Entre la acción, la comedia, el thriller y la comedia negra, narra la historia de un militar cuya esposa muere en un trágico accidente de tren. Pero un pasajero afectado, junto a dos excéntricos colegas, parecen convencidos de que fue un atentado y se impone la venganza… Protagonizada por el excelente Mads Mikkelsen (‘Otra ronda’).

Se ha escrito sobre ella: “Aguda, violenta, transgresora, tocapelotas, políticamente incorrecta y, en ocasiones, desternillante” Fionnuala Halligan, Screendaily; “Una fábula moderna inesperadamente emotiva…” David Ehrich, IndieWire; “Una grata sorpresa que trasciende y se eleva por encima del típico film de venganza. Es una mezcla única que fascina y cautiva” Matt Fowler, IGN. Se impone comprobarlo.

Pues ya lo saben. Consulten horarios y sesiones, respalden las medidas de seguridad y vayan al cine. #CineEnLasSalas #CineSeguro

‘Madres verdaderas’: No me borres…

La animalista que esto firma ni perdona, ni olvida, que la escritora, fotógrafa, guionista y cineasta japonesa Naomi Kawase, cosecha del 69, de quien había admirado anteriormente ‘El bosque del duelo’ (2007), perpetrara en ‘Aguas tranquilas’ (2014) el asesinato brutal de tres corderos. Del horror ante el primero, recién comenzada la proyección, se salió de la sala y se prometió a sí misma que no volvería a ver otra suya. Pero… no siempre es fácil mantener tales propósitos, menos aún escribiendo sobre cine, y sucumbió – afortunadamente ya sin maltratos animales de por medio – a la singularidad agridulce de ‘Una pastelería en Tokio’ (2015), a la fallida ‘Hacia la luz’ (2017) y hoy mismo a esta que nos ocupa.

Permitan a esta firmante expresarles, para empezar, que se ha rendido sin reservas ante esta propuesta espléndida, poética, compleja, dura, profunda, más grande que la vida, pese a su delicadeza, y emocionante hasta las lágrimas. Permitan a esta firmante expresarles que tras temerse lo peor, con una premisa argumental tan manida y sobada como la de una pareja que adopta legalmente al hijo de una chica jovencísima que no puede criarle y quien, al cabo de los años, se les presenta en casa exigiendo sus derechos sobre él y amenazando su estabilidad familiar…

… Se encontró, para su asombro, con que la historia, su tratamiento, su escritura, su narrativa y su puesta en escena rompían todos los esquemas, clichés y tópicos al uso. Porque es cualquier cosa menos lineal, sino que está dotada de una notable estructura circular que aporta luz y claridad a los acontecimientos. Porque es cualquier cosa menos esquemática. Porque es cualquier cosa menos previsible. Porque da espacio y mima a sus personajes, incluso a los más secundarios, con la excepción de quienes se comportan intolerablemente. Porque te deja ver el pasado con flashbacks tan sutiles y bien insertados en el relato, que permiten comprender y contextualizar el presente de l@s protagonistas.

Porque se toma su tiempo, 139 minutos de absorbente metraje, que no pesan y que resultan imprescindibles para aprehender la integridad. con todas sus aristas y matices, de lo contado. Porque permite ver las circunstancias y las personalidades. Porque la naturaleza, los árboles, el mar… sirven como interludio poético y como elemento dramático, en cada capítulo. Porque no convierte en rivales a esas dos mujeres que aman al mismo niño, aunque tengan todas las prevenciones mutuas en su abrupto reencuentro.

Porque aquí hay dos madres verdaderas, aunque sólo una conviva con el “precioso tesoro” al que hace alusión un hermoso tema que se reitera como leit motiv y al que pertenece también ese “no me borres” título de esta entrada. Porque la mirada sobre ellas, y sobre sus radicalmente opuestas circunstancias familiares y socioeconómicas, es amplia, profunda y matizada hasta en sus más nimios detalles.

Pero también dura, durísima con el entorno y el itinerario vital de una criatura con el alma rota que nunca olvidó al bebé que gestó, siendo ella misma una niña. Porque ambas son buenas en el buen sentido de la palabra. Porque la casa de la isla de Hiroshima, ya la verán…, y su responsable de la agencia de adopción, les da el calor familiar que les falta a las chicas cuyas existencias han sido cualquier cosa menos fáciles. Porque aunque es una película de actrices, los roles masculinos están tratados con mucho respeto

Porque pudo haber sido un dramón y sabe sortear con elegancia ese precipicio, siendo un drama hondo y profundo. Porque es intensa y emotiva hasta las lágrimas pero nunca perpetra un chantaje emocional. Porque así podíamos seguir y seguir, pero conviene que la experimenten, en su ritmo tan especial y envolvente incluso cuando está narrando la desesperanza más profunda, sin salida y sin anestesia. Porque…

Producción japonesa, fechada en 2020. Escrita por la propia directora, junto a Izumi Takahashi, adaptando la novela de Mizuki Tsujimura. Su bellísima fotografía está a cargo de Yuta Tsukinaga y Naoki Sakakibara. Su banda sonora, que suena cuando debe, se compone de variaciones del tema citado. En cuanto a su reparto tan solvente, destacar las conmovedoras composiciones de Hiromi Nagasaku y Aju Makita. Fuente: FilmAffinity.

No la borren de sus vidas cinéfilas. Véanla sin falta.

‘En cartelera’: Tres miradas de mujer

Desde este blog siempre se ha mantenido en que el verano es una estación pródiga para las realizadoras. Para lo mejor ,porque conocemos sus propuestas y para lo peor, porque son menos vistas. En este primer viernes de agosto, se cumple tal regla. Las películas a destacar de entre su oferta de estrenos son, respectivamente, las de una brasileña, una finlandesa y una japonesa y todas pueden verse también en sus versiones originales. Las comentaremos por ese orden.

La primera es ‘Tres veranos’ coproducción entre Brasil y Francia dirigida y coescrita por la profesora, documentalista, guionista y cineasta Sandra Kogut, cosecha del 65. Sigue a una familia privilegiada que organiza anualmente una fastuosa celebración familiar entre Navidad y Año Nuevo… hasta que es abruptamente cancelada. Una mirada crítica al Brasil contemporáneo a través de un padre olvidado y una antigua trabajadora. Mejor Actriz y Premio de la Crítica en Málaga y Mejor Montaje en La Habana

Se ha escrito sobre ella, extractos de críticas de expert@s publicadas en la imprescindible página FilmAffinity:

“Kogut apuesta por el exceso, por la hiperacción de una sensacional protagonista y por una coralidad casi berlanguiana que atrapa a los personajes”, Carlos Marañón, Cinemanía; “Que la sangre no llegue al río no es por cobardía… el relato prefiere celebrar la ternura y la ilusión”, Pere Vall, Fotogramas. Está claro que hay que verla.

La segunda es ‘Damas de hierro’, de la actriz, realizadora, videoartista y aquí también coguionista Pamela Tola, cosecha del 81. Sigue a una mujer de 75 años, que acaba de matar a su marido y planea enterrarlo. Pero, cuando es consciente de que va a pasar el resto de su vida en la cárcel, se lanza a un enloquecido viaje con sus dos hermanas. Nominada a la Mejor Comedia en los Premios del Cine Europeo.

Se ha escrito sobre ella:

“El gran acierto reside en su equilibrio tonal… el guión brilla en la construcción de las dinámicas entre las protagonistas y triunfa al elaborar una historia cercana” Mireia Mullor, Fotogramas; “Tiene un lado malicioso, pero también demasiado dolor y corazón para describirla simplemente como una simpática travesura” Marta Balaga, Cineuropa. Está claro que hay que verla.

Y la tercera es ‘Madres verdaderas’ de la prestigiosa directora, quien también coescribe su guión adaptando una novela, Naomi Kawase, cosecha del 69. Tras años de intentar ser madre infructuosamente, Satoko y su marido deciden adoptar a un niño. Pero años después reciben la visita de una chica desconocida que dice ser la madre biológica…

Se ha escrito sobre ella:

“… Lo esencial es el soberbio retrato del estado interior de los personajes” Javier Ocaña, El País; “…Alterna momentos de una belleza incuestionable con la simple confusión” Luis Martínez, El Mundo; “…Un folletín finalmente lacrimógeno en cuyo interior se esconde alguna que otra perla” Carlos Losilla, Caimán; “… Una historia dura, turbia y estremecedora envuelta en gasa, seda y sosiego” Oti Rodríguez Marchante, ABC. Está claro que hay que verla.

Escrito queda. Consulten horarios y sesiones, respalden las medidas de seguridad y vayan al cine. #CineEnLasSalas #CineSeguro

Cine en plataformas. Filmin, Atlántida Mallorca Film Fest 2021. ‘Pari’: Buscar y… ¿encontrarse?

Esta ópera prima del guionista y cineasta iraní, afincado en Grecia, Siamak Etemadi, cosecha del 72, concursó en la Sección Panorama de la pasada Berlinale. Se trata de una coproducción entre Grecia, Francia, Holanda y Bulgaria, de 101 minutos de metraje. Escrita también por el director, cuenta con una muy buena fotografía de Claudio Bolívar y una no menos eficiente banda sonora de Pierre Aviat. Entre su solvente reparto, destaca poderosamente su protagonista, una excelente Melika Foroulan, sobre cuyos hombros descanse el peso de la película. Fuente: FilmAffinity.

Está dedicada a otra mujer llamada Pari, la madre del realizador, a quien este le preguntó qué sería capaz de hacer en el caso de su desaparición. Su respuesta tiene todo que ver con la historia que sigue a un sexagenario iraní, profundamente religioso, que junto a su mujer, mucho más joven, llegan al aeropuerto de Atenas esperando ser recibidos por su hijo, Babak, a quien no han visto desde hace dos años. Los mismos que teóricamente lleva el chico estudiando en la Universidad Politécnica con una beca. Pero no aparece y nadie, ni en el Centro mencionado, ni en la Embajada de su país, les sabe dar noticias de él. Salvo que abandonó sus estudios y se perdió su pista.

Tampoco en su apartamento, una habitación cochambrosa en un barrio marginal – donde hay viejos diarios con algunos versos que podrían ser significativos y un símbolo que ignoran es del anarquismo – del que falta desde hace tres meses, debiendo ese mismo periodo de alquiler. Una vez sufragada la deuda por el padre, Farrokh – del que luego sabremos más detalles como progenitor… – ambos, con la determinación inquebrantable de la mujer, se lanzan a la ciudad menos turística – apenas si entrevemos fugazmente el Partenón y una panorámica completa- menos icónica, más subterránea, más miserable, más alternativa y más guerrera en la que hay disturbios de signo ácrata que la policía reprime contundentemente.

Entre los manifestantes Pari cree ver a su hijo, cuya foto muestra por todas partes en un país extraño y con su precario inglés, se pierde entre el tumulto, conoce a personas como una joven Zoé y… a partir de ahí se lanza a una aventura que, incluso pese al reencuentro con su cónyuge, será iniciática y le abrirá un incierto futuro.

Estamos ante un filme no carente de interés, con las virtudes y los defectos de una ópera prima. A veces lento, otras casi espasmódico, resulta interesante el hecho de que va a la contra de los hijos de inmigrantes, europeos de segunda generación, que se radicalizan en el fundamentalismo. Aquí, por el contrario, es un joven criado en principios religiosos estrictos quien se abre a otras ideas, otras luchas y otros ambientes. Aunque muestre un retrato deliberadamente borroso del hijo ausente y de su salto del compromiso político a…

Algo disperso, en definitiva y no exento de contradicciones en un guión y una narrativa que pretende abarcar demasiado. Y, desde luego, lo que no es de recibo es que sea calificado de feminista. Porque no hay tal, sino una madre amantísima valiente y decidida a todo, y a pasar por todo, con tal de encontrar al hijo. Porque a las mujeres prostituídas que aparecen se las trata como “de vida alegre” a todos los efectos, sin mirada crítica alguna, sino tópica y sexista, sobre su esclavitud sexual y porque la conclusión es cualquier cosa menos liberadora para la protagonista por mucho que se despoje de las vestiduras impuestas por su credo.

Con todo, debe verse. Háganlo.

Cine en plataformas. Filmin. Atlántida Mallorca Film Fest 2021, ‘El chico más bello del mundo’: Inocencia interrumpida

Un varón de edad indefinida con el pelo largo, larga barba y largo bigote canosos, alto, delgado, con un look marginal y desaliñado, con un rostro surcado de arrugas y unos ojos grises que aún pueden ser hermosos, deambula por unos pasillos inquietantes, oníricos y tan descarnados como él… mientras se recuerda la efemérides que, cincuenta años atrás, le convirtiera en un icono fílmico y estético, el Tadzio de la viscontiniana ‘Muerte en Venecia’. Que le convirtiera, a sus 15 años, en ‘El chico más bello del mundo’ desde que Luchino Visconti, nada más verlo, durante el casting al que miles de niños se presentaron, para interpretar al personaje que tuvo lugar en 1970 en el Grand Hotel de Estocolmo, supiera que era Él.

Mientras vemos estas imágenes, en las que el realizador italiano le hace desnudarse de cintura para arriba, girar, andar, posar en un ajustado bañador… se nos muestra la realidad del actual modus vivendi de Björn Andrésen, músico e intérprete sueco, cosecha del 55. Una casa ruinosa por la suciedad y el abandono de su titular que ha suscitado la protesta vecinal, y a la que su pareja Jessica Vennberg consigue adecentar y convertirla en un hogar digno. Una mujer que, pese a verse tentada a abandonarlo más de una vez, le quiere en su presente y es – como el propio documental que nos ocupa – muy crítica con las circunstancias que rodearon al nacimiento del mito.

Persona y personaje, esplendor y olvido, gloria y miseria, pasado y presente, proyección pública e intimidad. van alternándose en este fascinante, demoledor, terrible, complejo, caleidoscópico y sereno retrato de un hombre con todas las cargas y oscuridades, con sus fragilidades y sus culpas, con sus carencias y auto destrucción, con sus duelos y su voluntad de indagar en sus orígenes y asumirse con todas las consecuencias.

Entre el ayer y el hoy, entre las imágenes de archivo cinematográficas, estelares – Cannes, el estreno en Londres de la película con la realeza presente – y las familiares – de su propia infancia, de la de sus hijos…- se va componiendo una aproximación poliédrica al Björn Andrésen resultante, a los acontecimientos que le llevaron del tal como era, tal como pudo ser y tal como se nos muestra en el aquí y ahora de las imágenes.

Sus reencuentros con su hija, con su mánager japonés, la locura nipona que desató, el deseo, sobre todo masculino, que le perseguía en París o donde quiera que fuese en su época dorada. Con la mujer que pudo darle la clave de la muerte de su añorada progenitora y de la identidad de su progenitor, con su hermana. Con sus cambios físicos y emocionales, con su timidez, con su vocación musical por encima de todo. Con su condición de objeto erótico, si bien idealizado, pero explotado para el cine. Con el desgarro y el remordimiento por su bebé perdido. La vuelta a París, la vuelta al Lido…

No apela al mito, se encara con el sujeto resultante de tantos vaivenes existenciales, es lo que realmente, y se agradece tanto, le interesa mostrar. Duele, sin hacer sangre, ni juzgar, aunque sea muy crítica, y es profundamente hermosa y emocionante.

Documental sueco, fechado en este año, de 93 minutos de metraje. Escrito y codirigido por Kristina Lindström y Kristian Petri, bellamente fotografiado por Erik Valisten y con una no menos sugerente banda sonora de Anna von Hausswolff.

Se repite, está en Filmin. No dejen de verlo.

‘Tiempo’: Reloj no marques las horas…

El productor, guionista y cineasta indio-estadounidense M. Night Shyamalan, cosecha del 70, tiene una filmografía tan fascinante como irregular en la que transita por una mezcla de géneros entre el misterio, el thriller, el terror o el fantástico y en la que suele aparecer como actor en roles secundarios. Entre sus mejores obras están ‘El sexto sentido’ (1999), la tercera que rodó y la que le supuso su consagración mundial, ‘El bosque’ (2004) y la trilogía formada por ‘El protegido’ (2000), ‘Múltiple’ (2016) y ‘Glass’ (2019). Entre las más olvidables, que le hicieron acreedor a numerosos galardones a la contra, estarían ‘La joven del agua’ (2006) y ‘El incidente'(2008). Fuente: Wikipedia.

En ‘Tiempo’ (‘Old’ es su título original), Shyamalan aparece antes de los títulos de crédito agradeciendo su carrera cinematográfica e invitándonos a ver la película – producción norteamericana, fechada en este año, de 108 minutos de metraje, escrita por él mismo adaptando una novela gráfica francesa de Pierre-Oscar Lévy y Frederick Peeters. La excelente fotografía la firma Mike Gioulakis y la potente banda sonora, Trevor Gureckis. En su reparto coral destacar los protagonismos de Gael García Bernal, Vicky Krieps, Rufus Sewell, Embeth Davidtz, Ken Leung, Alex Wolff, Eliza Scanlen o Abbey Lee. Fuente: FilmAffinity.

Rodada en las imponentes, bellísimas y majestuosas localizaciones de la playa de El Valle en República Dominicana, elementos dramáticos y protagonistas esenciales del relato, la historia sigue a un grupo de turistas – encabezados por una familia compuesta por un analista de probabilidades, una trabajadora de museo, su hija y su hijo quienes junto a un médico, su mujer y su hija pequeña y un enfermero chino y su mujer de color aquejada de epilepsia – que van a pasar sus vacaciones en un resort paradísiaco, recibiendo la invitación del responsable de éste para visitar un enclave costero único que no suele estar incluído en las excursiones habituales.

Una vez allí, son progresiva y aterradoramente conscientes de que, en tan hermoso e idílico espacio, el tiempo se acelera de una forma devastadora y de que no van a poder escapar de tan implacable y trágico destino. No hay salida y las fuerzas se ven mermadas porque en pocos minutos reales envejecen una o varias décadas, hasta ser engulli@s por la vejez y la muerte. La única esperanza reside en los más jóvenes y en un mensaje cifrado a resolver. El final, que no debe ser desvelado, explicará las razones por las que precisamente ese grupo humano se ve atrapado en el lugar.

Desde el punto de vista de esta firmante, tan sugerente premisa – que podía haber dado lugar a un thriller no solo inquietante y terrorífico, sino existencial y filosófico sobre los devastadores efectos del paso del tiempo y a un cuidadoso estudio de los personajes centrales víctimas, tanto a nivel individual como colectivo en sus personalidades e interacciones mutuas – es lastrada por un tratamiento narrativo y argumental atropellado, disperso, esquemático, tópico e incluso, por momentos, ridículo. De hecho, quien esto firma soltó un par de carcajadas en sendos momentos “inoportunos”. Además, suprema ironía, el ritmo y el tempo del relato son fundamentalmente erróneos.

Pero vamos, que ha recibido también críticas extraordinarias por parte de gentes muy expertas. Así que véanla y juzguen por si mism@s.

Escrito queda.

‘En cartelera desde Viva Sevilla’: Atracciones, terrores e intercambio de parejas

Aquí tienen ya la colaboración de esta firmante en Viva Sevilla, que se tomará un descanso durante el mes de agosto. Una mirada crítica a la oferta más destacada de este viernes que le queda a julio. El enlace es:

https://vivasevilla.es/sevilla/988794/en-cartelera-jungle-cruise-tiempo-y-donde-caben-dos/

Pues ya lo saben. Consulten horarios y sesiones, respalden las medidas de seguridad y vayan al cine. #CineEnLasSalas #CineSeguro

‘La mujer que escapó’: Encuentros y desencuentros

De la extensa filmografía del peculiar y prestigioso guionista y cineasta surcoreano Hong Sang-soo, cosecha del 61, quien esto firma ha tenido ocasión de ver antes que esta que nos ocupa, su última propuesta: ‘En otro país'(2013), ‘Ahora si, antes no’ (2015), ‘En la playa sola de noche'(2017), ‘El hotel a orillas del río’ y ‘La cámara de Claire’, ambas de 2018. De ellas, ha consignado en este blog las críticas de ‘En otro país’ y de ‘La cámara de Claire’ cuyos enlaces son respectivamente:

https://sevillacinefila.es/2013/06/01/en-otro-pais-las-extranjeras/

https://sevillacinefila.es/2018/07/21/la-camara-de-claire-espejos-e-instantaneas/

Ambas, por cierto, protagonizadas por Isabelle Huppert y la segunda también por su actriz fetiche, y pareja en la llamada vida real desde 2015, la excelente Kim Min-hee. En ellas, como en ‘La mujer que escapó’, son perceptibles algunas de las señas de identidad de su autor tales como registrar modos de vida y de relación singulares, a menudo desconcertantes para las premisas occidentales. Muy autóctonos y al mismo tiempo universales.

Tales como ser básicamente minimalista de tratamiento, de puesta en escena – abundantes planos fijos – e incluso de metraje – son cortas la mayoría – con un tenue hilo argumental apoyado en los encuentros y desencuentros de l@s protagonistas, que dialogan y reflexionan mucho en interiores y exteriores y también a veces reaccionan abruptamente.

Conversaciones, situaciones e interacciones en las que el subtexto es lo más importante, en las que se reflejan tanto los usos sociales como los impulsos más espontáneos. Unas señas de identidad fílmicas en las que los personajes femeninos salen mucho mejor parados que los masculinos, en las que a menudo hay triángulos amorosos y notables diferencias de edad en algunas de sus parejas.

Unas señas de identidad fílmica en las que subyacen muchos contenidos autobiográficos y un retrato nada complaciente, y también autocrítico, pero muy sutil, de la sociedad de su país. Entre lo cómico y lo dramático, deja ver una estructura familiar muy potente y fuertemente patriarcal que impregna – pese a su epidérmica modernidad, o pese a estar centrada en personajes con profesiones liberales – todos los campos y clases sociales. Pero sin juzgar, solo mostrando y dejando que sus personajes respiren y fluyan, como sus relatos, ante la cámara.

Todo ello, claro, sin pretensiones de exhaustividad. Lo cierto que entre colegas y compatriotas tan potentes, personales e intransferibles como – en una filmografía tan notable como la surcoreana – Park Chan Wook, Bong Joon-Ho, Lee Chang-Dong o Kim Ki-Duk, Sang-soo puede resultar una rara avis fílmica en el sentido más contemplativo del término.

En ‘La mujer que escapó’, una joven aprovecha que su marido pasa unos días fuera por imperativos laborales para visitar a dos amigas en sus casas a las afueras de Seúl, con las montañas como testigos. Luego coincide casualmente con una antigua conocida en un cine y… Aquí los bares han sido sustituídos por interiores domésticos, en los que, por cierto, se disfruta de la comida, portales o puertas de entrada a los pisos, salvo el local citado y otro donde va a tener lugar un evento.

En estos espacios las conversaciones discurren entre ponerse al día, las circunstancias familiares, los estados civiles de las implicadas, las situaciones amorosas o profesionales… El tono cortés, cómplice y civilizado desvela, sin embargo, a un cónyuge demasiado posesivo, a un amante ocasional incapaz de aceptar que su tiempo terminó, a un antiguo amor arrebatado por alguien de confianza, a un padre autoritario, a un vecino recién llegado que pretende que dos residentes dejen alimentar a unos gatos…

Figuras masculinas ausentes pero muy relevantes o presencias acosadoras o impositivas que revelan las servidumbres de un país cuyas bases son fuertemente patriarcales, como se ha comentado anteriormente. Un país que no es para mujeres y con ellas esquinada e indirectamente, dándoles la voz y la palabra en términos suaves y educados, se posiciona el realizador aquí y en el resto de su obra. También dejando ver la amistad y el afecto entre ellas, la empatía y una suerte de sororidad no militante pero que traspasa la pantalla. Y ese final, otro más, tan abierto y lleno de interrogantes.

77 minutos de metraje. Su guión lo firma, como es habitual, el propio cineasta quien también es responsable de la delicada partitura. Su fotografía, hermosa que sirve a las tonalidades del relato y a su puesta en escena, se debe a Kim Sumin y en su reparto lleno de talento y naturalidad destacar, además de a la citada e hilo conductor Kim Min-hee, a Seo Young-hwa, Song Seon-mi, Kwon Hae-hyo o Lee Eun-mi. Fuente: FilmAffinity.

Mejor Dirección en Berlín para esta delicatessen tan notable, tan similar y diferente a las marcas de la casa autorales de su responsable, para esta pequeña joya que merece ser degustada y por cuyo ritmo y sugerencias hay que dejarse llevar.

Véanla sin falta.

En cartelera a través de Viva Sevilla: Una de terror, un musical y un clásico de la mafia

Este es el enlace a mi colaboración de esta semana en Viva Sevilla. Una mirada crítica a lo más destacado de la oferta de estrenos de este penúltimo viernes de julio. Pasen y lean:

https://vivasevilla.es/sevilla/987258/wrong-turn-sendero-al-infierno-y-el-cover-entre-los-estrenos-de-la-semana/

Escrito queda. Consulten horarios y sesiones, respalden las medidas de seguridad y vayan al cine. #CineEnLasSalas #CineSeguro