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Esther García, Agustín Almodóvar y Lola Dueñas glosaron anoche en Sevilla a esta película – coproducción entre Argentina, España, Francia, México, Brasil, Estados Unidos y Países Bajos- en la que está implicada la productora de los dos primeros, El Deseo, y  en cuyo reparto está la actriz – y a su realizadora, Lucrecia Martel, cosecha del 66. Y lo hicieron congratulándose de que- tras casi diez años después de ‘La mujer sin cabeza’ (2008) y de superar un delicado problema de salud- se hubiera puesto de nuevo ante las cámaras, con un resultado que calificaron de obra de arte.

Centrada en la figura del oficial español del siglo XVIII, Don Diego de Zama, residente a su pesar en Asunción, cuyo traslado a Buenos Aires se eterniza y complica innecesariamente con todo tipo de burocracias y obstáculos. Decide, entonces, unirse a una expedición a la caza y captura del bandido más buscado para rehabilitar su buen nombre.

115 minutos de metraje. Su guión lo escribe también la propia directora, basada en la aclamada novela homónima de Antonio di Benedetto. La fotografía maravillosamente, con un tratamiento cromático singular, Rui Poças y la protagoniza, además de Lola Dueñas ya citada y un reparto más que convincente, un excepcional Daniel Giménez Cacho.

El valor de la obra al encuadrar al personaje «en una condición existencial angustiosa y reflexiva en un territorio caracterizado por la lejanía, la ajenidad y la disposición para el recuerdo… donde la cualidad filosófica se desprende naturalmente de una prosa deslumbrante», según puede leerse en una reseña de Casa del Libro, lo trastada en imágenes, y lo adapta, con su singular, radical, inclasificable y transgresor estilo Martel en esta película que nos ocupa.

Una película hipnótica, no realista al uso, que interpreta la historia con tanta libertad como agudeza, valiéndose de una puesta en escena, unos diálogos no siempre sincronizados y una galería de situaciones y personajes tan desconcertantes como ajustados a la verdad incómoda de la colonización española y de la miserable situación de un funcionario de la Corona en el exilio.

No es, como ninguna de las suyas, una propuesta comercial, ni fácilmente digerible. De hecho, hubo muchas deserciones en la sala durante su proyección. Pero si se dejan llevar por su belleza perturbadora y cruel, por su perverso sentido del humor, por su descripción tan sui géneris de una época y de su protagonista, de los paisajes tan estilizados, de esa jungla, de la fauna humana de toda condición que la puebla… tendrán el premio.

Viene sin manual de instrucciones y les exige toda su receptividad. Puede irritarles o fascinarles, o ambas cosas, pero es una experiencia artística y sensorial que no deberían perderse.

Del cineasta ruso Andrey Zvyagintsev, cosecha del 64, hemos visto en el SEFF títulos tan estimables como ‘Elena’ o ‘Leviatán’. En ellos, como en esta ‘Sin amor’ – 128 minutos de metraje, con un guión que firman conjuntamente el director y Oleg Negin, con una espléndida fotografía de Mikhail Krichman y una potente y dramática banda sonora de Evgueni Galperine. Premio del Jurado en Cannes y 3 nominaciones a los del Cine Europeo – hace un despiadado retrato de su país.

Un despiadado retrato de una burguesía desprovista de ética y de sentimientos en cuyo modus vivendi lo material ha desplazado a lo esencial. Un despiadado retrato, en este caso, de un matrimonio en trance de divorcio cuyo hijo desaparece durante una de sus peleas.

Un despiadado retrato de una naturaleza hermosa, pero cruel. De una naturaleza que subraya la desoladora falta de afecto entre los personajes. Una puesta en escena sutil e imponente, aliada a un paisaje tan gélido como las relaciones interpersonales y sociales de las que da cuenta

Un despiadado retrato de la hipocresía, llevada a límites insostenibles, de una convivencia infernal por respetar las pautas aberrantes de un trabajo. Un despiadado retrato de dos cónyuges, que han rehecho sus vidas sentimentales, pero siguen compartiendo el mismo techo. Un despiadado retrato de la crueldad con la que es tratado un niño inmerso en esa pesadilla.

Pero… todo ello aliado a un despiadado, esquemático, tendencioso y ferozmente misógino retrato de los personajes femeninos. La protagonista, la pareja actual, y sus respectivas madres están vistas con una ferocidad que no tiene equivalente en los personajes masculinos.

Ese es uno de los errores de bulto que contamina la credibilidad, la capacidad crítica y el propio mensaje del filme. Un filme, por otra parte, sólido y doloroso hasta lo insoportable, con un final tan implacable como demoledor, que no deberían perderse.

Esta es la segunda película realizada por una mujer, que quien esto firma ha tenido ocasión de ver en la segunda jornada del Festival, y la primera, por cierto, de la Sección Oficial. Se trata de una producción entre Alemania, Bulgaria y Austria, escrita y dirigida por Valeska Grisebach, de 100 minutos de metraje, muy bien fotografiada por Bernhard Keller y excelentemente interpretada.

La historia remite a una cuadrilla de trabajadores alemanes, que van a construir una central hidráulica en un pequeño pueblo búlgaro entre montañas. Instalan allí su campamento y, salvo una excepción, apenas si se relacionan con sus gentes y la incomprensión por ambas partes va creciendo…

Con un protagonismo masculino plural, la directora trata muy bien el machismo, la prepotencia y el clasismo de los que hacen gala estos extranjeros separados de los nativos por barreras culturales y lingüísticas, pero también por las diferentes actitudes ante la vida y por los clichés prejuiciosos que los unos tienen de los otros y viceversa. Solo uno de ellos, la excepción citada, será capaz de transgredirlas y estrechar vínculos amistosos.

Aquí están, pues, los códigos del western desde la mirada crítica e inteligente de una mujer que también describe en este relato las distintas formas de ser europeos y las distintas Europas posibles. El caballo tampoco podía faltar pero en este caso, aunque los créditos incidan en que no hubo daño animal, no tuvo que disfrutar precisamente en este rodaje… Además, desde el punto de vista de quien esto firma, la narración se reitera y se hace lineal, salvo por un grave incidente, en la segunda parte.

Con todo y por todo, hay que verla.

La primera en la frente. O, lo que es lo mismo, la primera película realizada por una mujer que ha visto quien esto firma, se ha resuelto en decepción. Fue recomendada en este blog, al venir precedida de críticas muy favorables, cosa que se ruega encarecidamente tengan en cuenta. Pero con quien esto escribe, no ha conectado.

‘Ava’ es una película francesa, de 105 minutos de metraje, ópera prima de Léa Mysius, cosecha del 89, fotografiada con luminosidad y matices por Paul Guilhaume y excelentemente interpretada por Noée Abita. Narra la historia de una chica de 13 años, que padece una enfermedad ocular que la condenará a perder la visión. Su madre pretende, para compensarla, que sea el verano más feliz de su vida, pero ella lo afrontará a su manera…

Hay que decir que uno de los valores de ‘Ava’ es su frescura y naturalidad en el retrato, nada convencional, de una familia atípica formada por la madre – joven, abierta, comprensiva y sexualmente activa- una niña pequeña y la protagonista. Una familia, con la progenitora al frente, perteneciente a la clase trabajadora y que disfruta de sus vacaciones en una playa popular y populosa.

Estupendas las panorámicas del ambiente y de l@s otr@s veraneantes nada al uso, así como el modus vivendi familiar y la comunicación, tan sincera y cómplice, pero crítica, entre madre e hija. Y las relaciones interraciales. Aquí se muestra a otra Francia, a otr@s franceses-as muy diferentes a l@s que exhiben las películas comerciales. No es, huelga decirlo, nada burguesa, ni acomodaticia, sino todo lo contrario. Estos son sus principales valores.

Pero, de entre todas las opciones posibles del relato, la realizadora ha escogido una suerte de dispersión, una huida hacia adelante en la que el drama de la protagonista se elude, o se solapa, con una indigesta mezcla de aventuras bizarras, surrealistas y sin la más mínima coherencia, ni consistencia, de guión, ni narrativa. Buscando el efectismo resultón, el carpe diem más inconsecuente, se ha perdido autenticidad. Una pena.

Con todo, debe ser vista.

Llevamos dos días, contando el de hoy, los dos primeros del Festival, sin proyecciones de la Sección Oficial por la mañana. Cierto, es muy agradable no tener que madrugar, pero… luego, como ha ocurrido en pasadas ediciones, a partir del domingo supone un auténtico maratón que alcanza la franja horaria de las 17 horas. Una franja horaria en la que se proyectan películas estimables de otras Secciones – que también queremos ver – difícilmente recuperables. Francamente, no es de recibo.

En el caso particular de quien esto firma, la extraordinaria experiencia – ya descrita, con testimonios gráficos, en una entrada anterior – de participar, como representante de la crítica, en el excelente programa ‘El Séptimo Vicio’, que nunca le agradecerá bastante a la organización del SEFF,  va a obligarla, para no perderse un título a concurso, a verlo por la noche. Una noche, pródiga en ofertas estimulantes, como las de mejores referencias y muchas de las miradas de realizadoras, dentro de la minoría que representan en la programación… y de larga duración.

De una duración incompatible con el madrugón del día siguiente y con la experiencia, más inquietante aún siendo mujer, de verte abocada a coger un taxi, con el coste que supone, que te lleve de vuelta a casa. Cierto, hay metro hasta las dos de la madrugada -¡¡¡bravo!!! – pero cuando, desde la salida hasta tu portal, hay unos minutos de paseo en la más completa soledad, como que no. Esto no ocurriría de tener libres para otras Secciones la tarde y noche más asequibles.

Además, un cambio de criterio a última hora evitó que much@s acreditad@s pudiéramos sacar el jueves las entradas para toda la semana. La gente que canjeó hasta las 12.30 pudo hacerlo y quienes llegamos más tarde, no. Francamente, no es de recibo tal discriminación cuando, por tener el tiempo tan ocupado y que escribir una o dos crónicas diarias, el hacer cola ante las taquillas cada día es una dificultad añadida.

A subsanar. Escrito queda.

Para quien esto firma, ha sido un comienzo de Festival atípico por la intervención en El Séptimo Vicio, que ya les detalló en la entrada anterior. Al perder la sesión de acreditad@s de ‘Tierra firme’, de Carlos Marqués-Marcet, la primera en proyectarse de la Sección Oficial, por esta causa, y no poder recuperarla en la Gala inaugural por carecer de invitación, optó por la última propuesta del transgresor e inclasificable cineasta ateniense Yorgos Lanthimos, cosecha del 73, integrada en la Selección EFA.

Coproducción anglo-irlandesa de 120 minutos de metraje. Su guión, inspirado libremente en la Ifigenia de Eurípides, lo escriben el propio director y Efthymis Filippou. Su espléndida fotografía es de Thimios Bakatatakis y en su hipnótica banda sonora coexisten tanto hermosos temas clásicos como los más chirriantes y opresivos. Mejor Guión en Cannes y Premio de la Crítica (Ex aequo), en Sitges. Con un reparto en estado de gracia en el que destacamos a un solvente Colin Farrell, a un magnífico Barry Keoghan y a una excelente Nicole Kidman.

La historia la protagonizan una familia, aparentemente, modélica y muy solvente formada por un cirujano y una oftalmóloga de éxito, con un@s irreprochables y bellísim@s hija adolescente e hijo menor, a quienes todo les sonríe hasta que la amistad protectora del hombre con un chico de 16 años, a quien está vinculado por un drama, hará que sus vidas se deslicen hacia el abismo.

Entre el thriller, el thriller psicológico y los toques fantásticos y sobrenaturales, Lanthimos nos revela toda su despiadada crueldad, toda su insondable negrura aliadas a una suntuosa, elegante y potente puesta en escena nunca gratuita, ni esteticista, al servicio de una historia perturbadora y feroz. Una historia no necesariamente inteligible en su totalidad, pero pródiga, tanto en sugerencias simbólicas, como en una inmisericorde disección de la alta burguesía contemporánea y su incapacidad para experimentar emociones auténticas.

Con ecos, como se ha señalado acertadamente, de Kubrick, Haneke o Lynch, el realizador tiene, no obstante, sus señas de identidad muy marcadas, personales e intransferibles, para lo mejor y para lo peor. Esta se inscribe en el primer caso por méritos propios. Lanthimos en estado puro, sin manual de instrucciones, en plenitud de forma y con notables cargas de profundidad. Salgan de su zona de confort y no se la pierdan.

Si alguien le hubiera dicho a quien esto firma que en esta jornada de hoy, en la que se inaugura la XIV Edición del Festival de Cine Europeo de Sevilla, iba a estar en una librería, la muy querida Caótica, a las 13 horas, participando en el programa de cine de referencia de Javier Tolentino, en Radio 3, ‘El Séptimo Vicio’, en lugar de en la primera sesión de prensa… no le hubiese dado crédito.

Pero así ha sido. Y de una manera tan estimulante como inesperada. Porque, tras haber consultado exhaustivamente las diferentes Secciones del Certamen, de las que ha publicado varias entradas, e intentar ampliarlas y sistematizarlas durante muchas horas, esta firmante se ha encontrado con algo que en nada tenía que ver con lo mínimamente previsible. Para bien.

En efecto, en lugar de que las personas convocadas – el director del SEFF, José Luis Cienfuegos, el de la película, inaugural y de la Sección Oficial, ‘Tierra firme’, Carlos Marqués-Marcet,  la presentadora de la Gala de estreno, Silvia Abril, y una servidora – conversaran y contrastaran opiniones, se nos fueron haciendo entrevistas individuales. Comenzando, nobleza obliga, por una de las titulares de la librería Maite Aragón. Luego, el realizador mencionado y, antes de que cerrara el turno Cienfuegos, la hizo quien esto firma.

Así que quien esto firma puede dar fe de que, en lo que a ella respecta, el conductor estuvo sabio, cómplice, cercano, tan cualificado como cinéfilo, periodista  y hombre de radio como cabía esperar y sorprendente en el enfoque y contenido de las preguntas.

Porque, desde luego, se habló del Festival, de su historia, de sus señas de identidad, de su aportación a la ciudad, del sello que le ha imprimido su actual responsable … pero también de las películas favoritas de esta entrevistada, de sus momentos estelares en el Certamen, de las preferidas por ella en estas catorce ediciones, de si se definía como periodista o como cronista – que lo primero no lo es… – de si Sevilla es cinéfila o no, de que estos ocho días sí que son la verdadera Fiesta del Cine, de…

Gracias al SEFF, a José Luis Cienfuegos y a Lourdes Palacios, por invitarme a representar a la crítica en este programa. A Javier Tolentino, por su calidad profesional y humana. A todo el equipo presente de El Séptimo Vicio. A Caótica, por el marco incomparable. Una experiencia única e inolvidable. GRACIAS, GRACIAS, GRACIAS.

El Festival de Cine Europeo de Sevilla le ha hecho el honor a quien esto firma de seleccionarla para participar, en representación de la crítica, en el monográfico que le dedicará el conocido programa de Radio 3, de ámbito nacional, El Séptimo Vicio. Será pasado mañana viernes, a las 12. 45 de la tarde, en la muy querida  librería Caótica. En la inmejorable compañía de José Luis Cienfuegos, director del Certamen, el conductor del espacio, Javier Tolentino, el director de la película de la Sección Oficial y de la Gala Inaugural, ‘Tierra firme’ Carlos Marqués-Marcet y de Silvia Abril.

Quien esto firma piensa que, como hay tanta gente de la crítica cualificada cuyos nombres pudieron barajarse,  tal opción tiene que ver con las cinco entradas que ha publicado de recomendaciones de títulos de las diferentes Secciones. A este respecto, como cuando las escribió aún no estaban completamente cerradas, quiere destacar en esta algunas películas que se han integrado en ellas con posterioridad o algunas que se quedaron en el tintero.

Por ejemplo, en la Oficial Fuera de Concurso- – cuatro miradas masculinas por una de mujer, en las cuales dos de protagonismo masculino, dos mixtas y otra femenino – reseñar ‘A season in France’, de Mahamat Salh Haorun, Francia. Un drama sobre dos hermanos centroafricanos, catedráticos en su tierra de origen, que intentan sobrevivir en el país como inmigrantes. Ha gustado bastante y en el reparto está Sandrine Bonnaire.

Y ‘Nico, 1988’, de Susanna Nicchiarelli, Italia. Entre el drama biográfico y la road movie musical, se centra en los últimos años como cantante en solitario de Nico, solista de Velvet Underground. La preceden excelentes referencias y la protagoniza la estupenda Trine Dyrholm, Premio Ciudad de Sevilla de este año.

De Las Nuevas Olas se quedaron pendientes ‘Nueve dedos’, de F. J. Ossang, invitado al Festival. Una  inclasificable coproducción franco-portuguesa de cine negro y en blanco y negro que ha cosechado amores y odios a partes iguales. Con Gaspar Ulliel y Pascal Gregory.

‘Mrs Hyde’, de Serge Bozan. Sobre el mito Jekyll y Hyde encarnado en una profesora. Intensos contrastes de pareceres, pero hay que considerarla.

‘Sicilian ghost story’, de Fabio Grassadonia y Antonio Piazza. Italia-Francia-Suiza. Una historia de amor loco adolescente, con toques fantásticos, que culmina con el rapto del chico por la mafia siciliana. Ha cautivado a la crítica.

Ayer, Isabel Coixet estuvo en Sevilla para presentar el preestreno de su última propuesta fílmica. Y, como no podía ser menos, lo hizo – además de en la sala – en ese espacio único que es la librería Caótica donde, por cierto, se habló más de lecturas que de cine…

Como, por ejemplo, de la autora en cuya novela se basa la película, una mujer fuerte, con una vida muy dura y que supo salir adelante, Penélope Fitzgerald. Como que no le hubiera importado ser librera. Como que es una lectora voraz.

Como que su afición por la novela negra se ha enfriado un tanto, porque, en su opinión, se repiten sus esquemas. Como que le gusta poner a sus personajes en contexto, saber cómo se ganan la vida. Como que le gusta que guste su cine porque tod@s necesitamos que nos quieran y ser reconocid@s.

Como que su amor por Bradbury y Nabokov está ha reflejado en su historia. Como que se sentía muy identificada con su protagonista. Como que ha variado algo el final, para que no nos cortáramos las venas, como en otras suyas, y que ha eludido el elemento fantástico que sí estaba en la novela. Una adaptación libre, pero respetuosa, por la que ha ganado el Premio de la Feria del Libro de Fráncfort. …  Estuvo divertida, lúcida y cercana.

‘La librería’ es otra cosa… Para quien esto firma – que no ha leído la obra y que tuvo que conformarse, en esta sesión, con la versión doblada ya que está rodada en inglés – el tratamiento del relato es erróneo y forzado. Forzado, paradójicamente, en su pretendida sutileza y sentimentalidad.

En la descripción de los usos y costumbres sociales en una pequeña población costera inglesa de finales de los años 50. En ese idilio imposible que describe. En el retrato, algo melifluo, de las ingenuidad y buena fe de un personaje central que es, por otra parte, una mujer sensible, voluntariosa e inteligente, que lucha hasta el final por su librería en un entorno mezquino y hostil.

Esta firmante cree que el relato pedía a gritos un enfoque más duro, austero,  y sin concesiones autocomplacientes. Pero también más cínico e irónico. E incluso el contrapunto de un toque sobrenatural, presente en su modelo literario, la hubiera favorecido. De hecho, es más auténtica cuanto menos costumbrista. Decir también que a la feminista que esto escribe le han faltado autoras en esos encargos libreros y que le ha fastidiado que se repudie a las Bronte.

Por lo demás, la factura es impecable. Marca de la casa. Tiene momentos y escenas, especialmente en su tramo final, en los que la desesperanza, la tristeza y la rabia de una mujer sola frente a elementos indeseables, te alcanza. Estupenda la fotografía de Jean-Claude Larrieu y algo excesiva, por melodramática, la banda sonora de Alfonso de Vilallonga. El reparto, excelente. Emily Mortimer, Bill Nighy, Patricia Clarkson y la fulgurante revelación de Honor Kneafsey, una criatura magnética.

Esta es, obvio es decirlo, solo una opinión personal e intransferible. A mucha gente muy autorizada le ha gustado mucho. Así que, en cualquier caso, deberían verla.

Miguel Joaquín Eleizegui, conocido como el gigante de Altzo, nació en un caserío de dicha localidad guipuzcoana el 23 de diciembre de 1818, cuarto de nueve hermanos. Huérfano de madre desde los 10, mantuvo una infancia y adolescencia normales hasta que, con 20, desarrolló acromegalia.

Una enfermedad rara y dolorosa, que le hizo crecer hasta los 2.42 metros progresivamente. Teniendo conocimiento de su caso, un empresario le propuso a su padre – agobiado por las deudas – exhibirlo como espectáculo, acompañado de su hermano Juan Martín o Martín. Datos de Wikipedia.

Los responsables de la notable ‘Loreak’, Jon Garaño y Aitor Arregi, adaptan al cine esta historia real en ‘Handia’, de 114 minutos de metraje, cuyo guión firman también junto a José Mari Goenaga y Andoni de Carlos. La bellísima fotografía se debe a Javier Aguirre y la hermosa partitura a Pascal Gaigne.

Dividida en cuatro capítulos, sigue el curso de la vida de estos dos hermanos desde el caserío familiar, hasta la separación por la implicación forzosa del mayor en la guerra carlista y el posterior recorrido juntos por lugares, tan cutres como solemnes,  países, y ante personalidades, que hubieran pensado inalcanzables.  Un recorrido del que solo se beneficiaban el representante y Martín, los explotadores del inocente y bondadoso Joaquín.

La dureza de la historia y de la época, el sinsentido de una guerra, las crudas condiciones de supervivencia de las clases humildes y trabajadoras que les abocaban a la crueldad, más o menos consciente,  en función de la rentabilidad pública de un hijo anómalo. Un hombre atípico, que añoraba su cotidianidad y deseaba cualquier cosa antes de su exhibición pública como un fenómeno de feria.

Un hombre atípico generoso, sensible, digno y bondadoso que debe renunciar, por el bien familiar y fraternal, a cualquier pretensión de ser él mismo. Un hombre atípico, atormentado y conmovedor, maravillosamente encarnado por Eneko Sagardoy, a quien le dan una convincente réplica Joseba Usabiaga, Ramón Agirre e Iñigo Aramburu en los personajes principales.

Oscura, cruel, poética, conmovedora, delicada, sutil, elegante e intensa con un precioso, y a la vez hostil, entorno de montes y bosques. Pero también de ciudades, de viajes, de experiencias, del sufrimiento y del terror de unos huesos que no paran de crecer… De un corazón gigante del que nadie estuvo nunca a su altura, ni física, ni moral.

Háganse el favor de verla. Pero en su versión original, a ser posible. La lengua materna aquí es fundamental.