Sevilla Cinéfila

A Fernando Colomo se le atribuye la creación de la llamada ‘ Nueva comedia madrileña‘ – aunque él mismo se haya desmarcado de tal etiqueta –  que insufló un aire fresco y  un estilo más contemporáneo a un género anquilosado en las zafiedades más casposas y machistas del postfranquismo. Así, títulos como ‘Tigres de papel’ o ‘¿Qué he hecho yo para merecer esto?’ supusieron un antes y un después en la eclosión posterior de la movida capitalina, en la que participó. Aunque hay que reconocerle que no se durmiera en los laureles e intentara un cambio de registro con títulos como ‘El caballero del dragón’ o, ya a finales de los noventa, ‘Cuarteto de la Habana’ o ‘Los años bárbaros’.

En sus propias palabras, ‘La banda Picasso’ es una historia real que contenía en sí misma una apasionante película. Cuando en 1911 desapareció La Gioconda del Louvre, Picasso y su amigo Guillaume Apollinaire fueron detenidos e interrogados. El primero fue inmediatamente puesto en libertad, pero el segundo estuvo en prisión una semana en espera de juicio y luego en libertad condicional, aunque nunca se librara, por su condición de extranjero, de la sospecha y el escarnio públicos.»

La génesis de tal delito es también la del cuadro del genio malagueño, ‘Las señoritas de Avignon’. Su autor necesitaba unas estatuas ibéricas semiabandonadas en el museo, en las que inspirarse para las protagonistas de la tela, y Apollinaire se las ‘procuró’. Así que, aparte de los dos citados, esta historia pretende hacer una semblanza de un grupo cuya creatividad estaba en plena ebullición y que compartían estudio, trabajo, tertulias y bohemia. A él pertenecían Fernande Olivier, modelo y artista, amante del andaluz. El célebre Max Jacob, poeta, artísta, crítico… Manolo Hugué, pintor y escultor catalán. Georges Braque, uno de los creadores del cubismo.  Y Marie Laurencin, también pintora y grabadora, a la sazón tumultuosa pareja de Apollinaire.

Sobre el papel, el relato, la época y los personajes son lo suficientemente estimulantes como para haberles sacado mucho partido. El germen de una historia apasionante, según la frase antes citada de Colomo. Pero no lo es. Y no lo es, porque desaprovecha lastimosamente el material que tiene entre las manos. Y no lo es, porque no acaba de encontrar el tono. Y no lo es, porque su ritmo decae y la intriga no es tal. Y no lo es porque, aunque tenga buena factura, carece de luz y de voz propia.

Y no lo es porque los protagonistas – ¡¡¡ese desvaído y soso Ignacio Mateos, como Picasso, un descomunal error de casting!!! – y el reparto que l@s encarna están muy lejos, lamentablemente mal dirigid@s, de sus poderosos modelos reales, del genuino talento y pasión que les habitaba. Y está muy lejos de ser la crónica de un grupo de vanguardistas que hizo historia. Y está muy lejos de interesar o de entretener o de emocionar. Y está muy lejos de ser la película que podría haber sido.

Para quien no ha posado jamás ante los flashes. Para quien ha contemplado las glorias y éxitos ajenos desde el rincón trasero de una sala oscura. Para quien no había pisado jamás un escenario. Para quien no ha aguantado los nervios de la espera. Para quien no sabía lo que podía sentirse. Para quien no había siquiera imaginado recoger un premio. Para quien su labor informativa era algo invisible y, desde luego, anónima, aunque nombre tuviera…

Para quien tiene vocación de espectadora. Para quien la penumbra de los cines es su segundo hogar. Para quien se olvida de sus circunstancias dando cuenta de otras miradas. Para quien registra como puede tantas emociones, sensaciones y vidas diversas. Para quien, entre crítica y mitómana, se ha hecho eco del trabajo y el glamour de l@s otr@s en las Muestras Cinematográficas de esta tierra. Para quien se cobija en otros mundos, en la fila de atrás. Para quien, cuando se apagan las luces, comienza una aventura. Para quien era impensable estar al otro lado…

Para quien ha avanzado al reclamo de su nombre. Para quien no iba sola, sino en la mejor compañía. Para quien se ha abrumado rodeada de lo más excelente del talento andaluz. Para quien nunca había sido honrada por tanta gente ilustre. Para quien tuvo el  plus de recibir un reconocimiento memorable, de manos de un maestro de la historia y de la crítica de cine, Rafael Utrera Macías.

Para quien se le quebró la voz con tantas emociones. Para quien luces y cámaras, fotos y aplausos,  eran cosas de otr@s. Para quien ha sido testigo, nunca protagonista. Para quien siempre estará en deuda con l@s compañer@s de la escritura cinematográfica. Para quien resulta admirable una organización modélica de un evento esplendoroso, con un presupuesto tan exiguo.  Para quien nunca un marco fué tan incomparable. Para quien esto firma, GRACIAS ASECAN, un día inolvidable.

Os dejo el pdf y el enlace con mi sección ‘En cartelera’ para el periódico ‘Viva Sevilla’.

Aquí tenéis el pdf:

viva sevilla 01.02.13

Aquí tenéis el enlace (está en la última página).

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Muchas son las visiones que ha dado el cine del carismático y fundamental presidente norteamericano, Abraham Lincoln. Incluyendo la extravagante del ruso Timur Bekmambetov, que lo sitúa como cazavampiros. Y en cuanto a sus intérpretes, destacamos a Walter Huston, John Carradine y Raymond Massey. Pero, sobre todos, al gran Henry Fonda de ‘El joven Lincoln’, a las órdenes del maestro John Ford.

Ahora Steven Spielberg recoge el testigo y, basándose en el libro de Doris Kearns Goodwin, con guión de Tony Kushner, aborda los últimos meses de la contienda civil norteamericana y de la presidencia y la propia vida del personaje, a manos de John Wilkes Booth. Con un metraje de 149 minutos, incide especialmente en la esencial aprobación de la  decimotercera enmienda. La misma que el 31 de enero de 1865 aboliera oficialmente la esclavitud en Norteamérica . Aunque los distintos Estados la ratificaran más tarde. Mississippi no lo hizo, por ejemplo, hasta… ¡1995!.

Así que gran parte del relato describe la búsqueda a la desesperada de los veinte votos cruciales que decidieron la votación, incluso con métodos heterodoxos y dudosamente legales. Pero no únicamente. También dibuja el talante y la personalidad del protagonista, no sólo en su esfera pública, sino también en la privada. Sus no siempre fáciles relaciones conyugales, y las paterno-filiales, por otro lado tan caras al realizador.

Y lo hace sin reparar en medios, con una producción cuidadísima y una excelente factura . Como lo es también el trabajo de investigación exhaustivo, que le llevó varios años, para plasmar un verdadero fresco de una época histórica clave para decidir el destino de su país. A pesar de lo cual, el profesor y maestro Vicenç Navarro le reprocha en un lúcido artículo de Público, ‘Lo que Spielberg no cuenta sobre Lincoln’, que no diera cuenta de las simpatías genuinamente socialistas del presidente y de su admiración por Marx y sus ideas.

Pese a tal carencia, que hubiera enriquecido a la historia y al personaje, Spielberg se ha empleado a fondo. Incluso ha llegado a negarse a sí mismo, a sus más conocidas señas de identidad, para someter su estilo a un severo autocontrol, en aras de procurar una narración clásica, densamente política, reverencial y solemne, en la que no faltan, sin embargo, rasgos de humor y ternura. Con la complicidad de un apabullante equipo técnico-artístico en el que destacamos la música de John Williams, la fotografía de Janusz Kaminski y las interpretaciones de Daniel Day-Lewis – prodigiosa composición, el Oscar será suyo – Sally Field o Tommy Lee Jones, por reseñar sólo a los más celebrados de un destacado e impecable reparto.

El resultado es tan majestuoso como prolijo. Sin llegar a aburrir, resulta a veces excesiva en su densidad argumental, en su obsesiva fidelidad a la crónica histórica, aunque dote de suspense y de cierta intensidad a la crucial votación parlamentaria y de cercanía y estaturas humana y moral a su héroe. Pero sabe transmitir su devoción por él y por su causa, nos lleva a su terreno y nos convence. Hay que verla.

El director, guionista y productor neoyorquino David Owen Russell siempre ha sentido predilección por personajes al filo de la llamada normalidad y por familias excesivas,  al borde de lo disfuncional. Lo acreditan títulos como ‘The fighter’ o ‘Flirteando con el desastre’ que en claves, ora dramáticas, ora cómicas, registraban las anomalías y neurosis del american way of living. Hijo fílmico de Sundance, ha gozado, en general, de un cierto prestigio entre la crítica de su país. Predicamento que ahora es premiado con ocho candidaturas a los Oscars para este su último trabajo.  Entre ellas, las grandes como Pelicula, Dirección, Guión, Actor y Actriz principales y de reparto.

¿Qué tiene esta cinta que ha encandilado tanto a la prensa especializada como  a la Academia hollywoodense? Es de sospechar que varias combinaciones que les parecen ciertamente irresistibles. Tales como las de drama y comedia. Tales como las de personajes tensos e intensos, con un buen bagaje de conflictos. Tales como un mensaje positivo. Tales como un reparto que borda sus papeles y rebosantes de química, el cuarteto de Bradley Cooper, Jennifer Lawrence, Robert De Niro y Jackie Weaver. Tales como una astuta y resultona alianza entre osadía y convencionalismo. Tales como un romance a lo ‘Mejor… imposible’ entre una pareja atractiva y atípica. Tales como desajustes emocionales y afán de superación.

Dos o tres cosas sobre la sinopsis. Un bipolar con antecedentes de agresión, que acaba de salir de salir de una institución mental. Su padre, de rasgos obsesivos-compulsivos, apostador profesional y maniático. Una joven viuda bastante trastornada. Una esposa infiel y añorada. Una profesión perdida. Unos estallidos difícilmente controlables. Una complicada adaptación a la sociedad. Un mantra positivo que ayuda a sobrevivir. Una atracción inesperada. Una amistad que se afianza. Deporte y baile, pasado y futuro…

El realizador maneja con soltura este material inflamable, carne de culebrón, y resuelve bien una primera parte ácida y divertida. Una primera mitad en la que  describe la difícil integración de un hombre que no posee los códigos correctos de una convivencia ‘normalizada’ y cuyo diapasón mental es una bomba de relojería. Pero que, para su fortuna, cuenta con la complicidad de un núcleo familiar diferente y curado de espantos y, se encuentra, cuando menos se lo espera, con la horma de su zapato. Ahí acierta, porque cuestiona e ironiza, porque muestra la delgada línea roja entre las patologías individuales y las sociales.

Lástima que el más simplista all you need is love contamine su discurso y desafíe toda lógica con un apaño de happy end simpático, pero más que improbable. La causticidad deriva en comedia romántica y para este viaje no necesitábamos las alforjas presuntamente indies.

Sevilla Cinéfila ha iniciado una colaboración semanal con el periódico diario gratuito Viva Sevilla. Se trata de una breve recomendación con estrenos y películas en cartelera. Os dejo el pdf por si no podéis acceder a la versión en papel.

Viva Sevilla 25.01.13

No deja de resultar curioso que hayan coincidido este año, en la cosecha de las nominadas a los premios mayores del celuloide hollywoodense, dos misiones imposibles de la CIA, véanse ‘Argo’, de Ben Affleck y ‘La noche más oscura’, de Kathryn Bigelow. Y dos visiones de la esclavitud, en el mismo tiempo histórico, pero radicalmente distintas en sus géneros, aproximación y factura. Así, ‘Lincoln’, de Steven Spielberg y esta que nos ocupa, de Quentin Tarantino.

En el año de gracia de 1858, dos antes de que comience la Guerra Civil, un singular y extravagante dentista alemán, – arrebatador Christoph Waltz, con un Globo de Oro ya en su haber y una candidatura al Oscar, por esta composición – en realidad, cazarrecompensas, se encuentra casualmente con una caravana de esclavos destinados a ser vendidos. Encadenados, harapientos, casi desnudos en el gélido invierno, uno entre ellos llama la atención del peculiar doctor y, tras un trato que se sella con sangre, le acompañará en un itinerario en busca de los malvados cuya cabeza es puesta a precio. Y lo hará a cambio de su libertad y de la promesa de encontrar a su mujer perdida.

Con estos mimbres, muy esquemáticamente expuestos, y un arranque de antología, aborda el realizador de Tennessee un intenso relato fílmico de 165 minutos en el que están presentes sus más desbordantes  señas de identidad. En el que están presentes todas las influencias que conforman su rabiosamente personal filmografía tales como el spaghetti western, en este caso. Con temazos musicales, otra constante en su cine, de, entre otros, James Brown y Ennio Morricone. Está inspirada muy libremente en un filme de Sergio Corbucci, `Django’, que protagonizó Franco Nero, actor que tiene un pequeño papel aquí . Otro guiño…

Así que toma al asalto el salvaje Oeste, sin clemencia, ni compasión, y pone en solfa sus tópicos e iconografía, con esa irreverencia que le caracteriza – ¡¡¡ese hatajo de zafios representando  al ku klux klan, cegados por sus antifaces!!! -. Con esa ironía feroz, que no deja títere con cabeza. Pero también mostrando sin paliativos el trato más brutal que el profundo Sur, que la América, que se tenía por culta y refinada, dispensaba a las gentes de color, a sus esclavos de por vida.

Y, tratándose de él, no nos ahorra la violencia física más explícita con ese tratamiento casi gore y paradójicamente estilizado, marca de la casa. Y, tratándose de él y, como cabía esperar, el filme está poblado por villanos de categoría. Mención especial al que compone tan bien el excelente Leonardo Di Caprio. No se puede decir otro tanto, sin embargo, de aquel al que da vida Samuel L. Jackson, demasiado paródico y caricaturesco. En cuanto a Jamie Foxx, su personaje resulta excesivamente pétreo. No por ir de incógnito y oculto, está justificado tal hieratismo.

Cabe reprocharle una cierta desmesura y la ausencia de personajes femeninos con identidad y significativos, con voz propia. Ni siquiera al de Kerry Washington se le saca partido, ni tampoco al de la dama sureña de Laura Cayouette. Lástima, porque hubieran enriquecido aún más la narración. Con todo, y pese a no ser tan redonda como la magnífica ‘Malditos bastardos’, una cinta tan corrosiva como disfrutable, tan iconoclasta como subversiva… el lado oscuro de ‘La cabaña del tío Tom’.

Para NoSóloGeeks y Cine&Cine, l@s mejores compañer@s de nominación que he tenido. Para la hermosa gente de Asecan, con toda mi gratitud. Para Vita Lirola, sin la cual, ni el blog, ni el Premio, hubieran sido posibles.

Lo mejor de cada casa de la crítica de cine en Andalucía, Asecan, ha reconocido en Sevilla Cinéfila, y en quien esto firma, el trabajo invisible, solitario y a menudo ingrato de l@s bloguer@s. Un trabajo verdaderamente amateur , en el mejor y más digno sentido del término. Un trabajo no reconocido como tal. Un trabajo nunca remunerado, que puede conllevar pérdidas económicas,  y, demasiado a menudo, subestimado. Un trabajo que no concede un pasaporte para entrar en las salas. Un trabajo contemplado con cierta suficiencia, todavía, por los sectores más oficiales de la escritura especializada. Un trabajo desdeñado por la mayoría de distribuidores y exhibidores.

Y un trabajo que, en muchos casos, resulta paradójicamente imprescindible como referencia de consulta de datos técnico-artísticos  a la hora de escribir una crítica. Un trabajo que invita como pocos a amar el cine y a acudir a las salas. Un trabajo que no se limita a una crítica semanal, sino que obliga a actualizar contenidos con una periodicidad más frecuente y casi diaria. Un trabajo sin el respaldo de ninguna empresa o grupo de comunicación. Un trabajo anónimo, aunque venga firmado. Un trabajo en el que el número de visitas, siempre azaroso, es el único indicador de que se llega a alguien. Un trabajo, a menudo, de investigación y especialización.

Un trabajo que tiene resultados desiguales, claro está. Un trabajo que permite una mayor libertad de expresión y de opinión. Un trabajo que, precisamente por ello, puede crear problemas. Un trabajo que implica una dedicación y una entrega de tiempo de ocio importantes….

Pero la generosidad, la libertad de criterios y la amplitud de miras de Asecan lo han hecho posible. Y, con Sevilla Cinéfila, han visibilizado el trabajo de tanta gente que, contra viento y marea, inasequible al desaliento, sigue dando cuenta de su amor al cine. Bloguer@s de esta tierra, este también es vuestro premio.

Como ya se mencionara en la crítica de ‘La noche más oscura’, el estreno de ‘Argo’, de Ben Affleck, coincidió en el tiempo con la celebración del Festival de Cine Europeo y eso impidió reseñarla en el momento de su estreno.  Sus Globos de Oro – a la Mejor Película Dramática y al Mejor Director – y sus candidaturas a los Oscars en las categorías, destacamos sólo las principales, de Mejor Película, Mejor Actor de Reparto para Alan Arkin, Mejor Guión Adaptado y Mejor Montaje, la han devuelto a la actualidad y a las pantallas. Es tiempo, pues, de saldar la deuda.

Actor, productor, guionista y realizador, esta es la tercera incursión de Affleck tras la cámara, luego de haber obtenido buenas críticas con la muy interesante, ‘Adios, Pequeña, adios’ , así como con la segunda, ‘The Town,: Ciudad de ladrones’. La historia, basada en un hecho real, trata sobre el arriesgado e ingenioso rescate de seis rehenes que lograron escapar al asalto de la embajada norteamericana en Teherán en 1979. Quien diseñó y llevó a cabo la operación fue el agente de la CIA, Tony Méndez, ayudado por dos peculiares personajes.

Estamos ante otra misión imposible del servicio de espionaje norteamericano en un país extranjero y hostil, utilizando métodos dudosamente legales y poco ortodoxos. Como en ‘La noche más oscura’, pero aquí acaban las coincidencias. Para empezar, el objetivo no es destruir sino salvar vidas. Y mediante el uso de la inteligencia, no de la tortura, la crueldad y la fuerza. Mientras que en el filme de Bigelow se hace apología de la guerra sucia contra el Enemigo, en esta cinta se cuestiona la responsabilidad política de la potencia en la génesis de la violencia desatada contra ella.

En efecto, el director comienza con un prólogo en el que se describe la connivencia norteamericana con la creación de regímenes teocráticos radicales, que luego se volvieron en su contra. Luego, cuenta la historia, pero primero la sitúa. Y esa honestidad es muy de agradecer. Como también lo es que mantenga un excelente ritmo de thriller, absorbente de principio a fin, sin subrayados épicos o patrióticos. Y que no falte el humor, a cargo del excelente tándem Goodman- Arkin, éste último nominado a la estatuílla como secundario.

Acierta también en describir las tensiones entre los rehenes, su desasosiego y vulnerabilidad. El improbable y astuto plan de rescate. La brillante y disparatada trama que da cobertura a un grupo humano, huyendo a la desesperada de una situación extrema. Y al hombre que, contra viento y marea y sin red, la llevó a cabo. La frenética media hora final, tan trepidante, tan bien contada y filmada, tan sólida y eficaz. Como el propio reparto, con Ben Affleck a la cabeza. Como la propia película. No desaprovechen la ocasión de verla.

La Asociación de Escritores Cinematográficos de Andalucía (Asecan) ha concedido a este blog y a su autora, Carmen Jiménez, el Premio a la Labor Informativa. Es un gran honor y desde Sevilla Cinéfila respondemos con todo nuestro agradecimiento.

Compartíamos nominación con l@s jóvenes y talentos@s compañer@s de CineandCine y NoSóloGeeks. Para ell@s, reconocimiento y admiración.

Reproducimos a continuación la nota de prensa que ha difundido Asecan a los medios de comunicación y a través de su blog sobre los Premios, en los que Grupo 7 ha sido la gran triunfadora:

GANADORES DE LOS ASECAN-SGAE 2013. PREMIOS DEL CINE ANDALUZ