Sevilla Cinéfila

El primero de los eslavos es el ucraniano Sergei Loznitsa, cosecha del 64, que tiene muchos e importantes premios en su haber y es conocido sobre todo por sus documentales, dos de los cuales presenta en otras Secciones. En la Oficial, concursa con la coproducción, de 120 minutos de metraje, entre Ucrania, Alemania, Francia, Holanda y Rumanía, ‘Donbass’, Premio al Mejor Director de Una Cierta Mirada en Cannes.

Inspirada, con hechos ficticios, en la guerra civil que tuvo lugar en su país entre 2014 y 2015 a través de trece episodios tratados con humor cáustico y negro. La crítica la ha calificado como: «Incómoda, caótica y brutal, no se cuenta la guerra, es la guerra»; «aunque su naturaleza heterogénea puede afectar al conjunto, por excesivamente larga o dialogada, estos defectos son menores frente al dedo acusador que levanta contra las fuerzas oscuras que minan su país» ; un retrato mordaz de una sociedad que linda con la barbarie»; «visión sin concesiones»; «sobrecargada», «tiene un gran aspecto visual, pero le falta calidez humana’; «resulta difícil conectar con ella»…

El saldo es más positivo que negativo. Así que deberían verla.

El ruso Alexei German Jr, cosecha del 76 –  del que se vio hace tres años la temible, para quien esto firma, ‘Under electric clouds’ (2015) – presenta ‘Dovlatov’ en la que sigue durante seis días a un personaje real, el escritor Sergei Dovlatov, que no se doblegó ante la rigidez estatal de su país.

Ambientada en los años 70, ha convencido a la crítica que la ha calificado de «un retrato evocador de una época estancada» «visualmente fascinante, con decorados elegantes de Elena Okopnaya» «captura la atmósfera de la memoria y los sueños» «gran fresco íntimo» «aunque la historia es muy dramática, su humor mordaz la aligera» «gran virtuosismo en la puesta en escena, soberbios planos secuencia»… Y así todo. No hay que obviarla.

Y la encantadora novedad es la húngara ‘Ruben Brandt, Collector’, escrita y dirigida por Milorad Krstic, cosecha del 52, que es, por primera vez en esta Sección, una película de ANIMACIÓN. Entre el thriller y el renovado género negro, sigue a un teraperuta que tiene pesadillas con 13 obras de arte muy famosas y al que cuatro de sus pacientes – que son expertos ladrones – se ofrecen para robarlas pues creen que, poseyéndolas, desaparecerán sus males. Él acepta el plan, que se ejecuta,  y se convierte en uno de los criminales más buscados, mientras que un grupo de compañías de seguros contrata a un detective experto en este tipo de delitos.

De 96 minutos de metraje – lo que, de por sí, ya es un alivio..-,  ha encandilado a los medios especializados que la consideran «un viaje emocionante e imaginativo disfrutable y diferente»; «el guión de esta obra inmensamente entretenida es ágil y audaz»; «homenajea con inteligencia a los mundos del cine y del arte, con, al tiempo, una acción frenética»; «Una de las mejores películas de imaginación europeas, un logro magnífico»

Pues a disfrutarla como merece y a no perdérsela.

Fuentes: FilmAffinity, Wikipedia, cineuropa, Página Oficial del Festival de Cannes.

El tercero de estos nombres propios, dentro de las doce películas ya confirmadas a los medios de la Sección Oficial, es el del fotógrafo y cineasta turco Nuri Bilge Ceylan – cosecha del 59,  con títulos en su haber como ‘Climas’ (2006), Premio Fipresci en Cannes,  ‘Érase una vez en Anatolia’ (2011), Gran Premio del Jurado en el mismo Certamen o ‘Winter sleep’ (2014) Palma de Oro en Cannes –  que cuenta con dichos créditos para que esperemos su última propuesta con interés.

La película a la que nos referimos, la que presenta al Concurso, es ‘The wild pear tree’, coproducción entre Turquía, Macedonia, Francia, Alemania, Bosnia y Herzegovina, Bulgaria y Suecia, de 188 minutos de metraje. En ella se cuenta «la historia de un escritor que regresa a su pueblo natal en Turquía, pero que se siente abrumado por las deudas y problemas que tiene su padre»

Hay que escribir que las aclamaciones, en este caso, han sido unánimes. Se han dicho de ella cosas tales como : «Ceylan es un maestro del drama familiar moral, un drama envolvente que es como ver una novela fílmica escrita con el estilo de Dostoievski o Chéjov»; «Busca una forma fílmica vanguardista sobre el papel de los clásicos en el siglo XXI»; «Una nueva e intensa radiografía del vacío… desarma por su rigor, su contundencia y su amargura» ; «Las tres horas merecen la pena… amable, humana, hermosamente elaborada, socarrona, sensual, lírica, sutil…

Le objetan únicamente su lentitud, marca de la casa, pero, al contrario que en sus películas precedentes, parece ser que esta es muy dialogada y que las secuencias finales merecen la espera.

Pues ya lo saben. Tomen buena nota.

Fuentes: FilmAffinity,  cineeuropa, eam cinema (El antepenúltimo mohicano)

El segundo de estos tres nombres propios de la Sección Oficial es el del escritor y cineasta húngaro Lászlo Némes – cosecha del 77, cuya ópera prima ‘El hijo de Saúl’ obtuvo el Gran Premio del Jurado en Cannes y el Oscar a la Mejor Película de habla no inglesa, en 2015 – que presenta ‘Atardecer’, un drama, ambientado en 1913, en el que una joven de 20, tras haber pasado su infancia en un orfanato, llega a Budapest enfrentándose al rechazo social y laboral, a un secreto familiar y a una convulsa situación política.

De 142 minutos de metraje y Premio Fipresci de la Crítica en Venecia, ha provocado igualmente opiniones encontradas como «que repite los mismos esquemas visuales y narrativos de su película anterior»;  «endiablada experiencia fílmica, con escenarios de una suntuosidad desbordante»; «que resulta confusa, rabiosa y exasperada»; «que tiene un personaje que provoca desconexión al carecer de interés dramático»; «que impresiona visualmente, pero acaba generando confusión»; «que su actriz es espléndida, que es tan desgarradora como asombrosa, que hay belleza en cada fotograma»

Pues dadas tales y tan contrapuestas consideraciones, habrá que verla y posicionarse en consecuencia.

Fuentes: Wikipedia, FilmAffinity y Las horas perdidas.

Resulta curioso que la siempre eminente, y arriesgada y selectiva en su filmografía, Bárbara Lennie, encarnase a una protagonista en  busca de la madre que la abandonó, en la notable ‘La enfermedad del domingo’ de Ramón Salazar y que aquí haga lo propio con su padre –  tras la muerte de su progenitora, que nuca quiso revelarle su identidad, pero al que ella consigue localizar por otras vías y…. Resulta curioso, aunque ambas propuestas sean radicalmente distintas,  tanto en historia como en tratamiento.

Quien esto firma, es muy afín al cine de Jaime Rosales – cosecha del 70, ‘La soledad’ (2007), ‘Sueño y silencio’ (2012) o ‘Hermosa juventud’ (2014)… – del que esta es su sexta película. A su estilo depurado y ascético, en el que los planos se mantienen fijos en los interiores mientras los personajes dialogan sin ser mostrados hasta que entran en escena, pero nunca simultáneamente. A que nunca les encuadre en plano contraplano,; a que les rodee con la cámara; a la importancia que da a los silencios y al fuera de campo, a…

Estas señas de identidad están aquí al servicio de una historia profundamente trágica, en clave de hecho de tragedia griega, que va in crescendo pero  que – otra de las marcas de la casa – está despojada de cualquier dramatismo al uso. El realizador evita, por todos los medios, cualquier atisbo de efusividad emocional, pero nunca el cara a cara feroz, airado o cínico entre los personajes centrales.

Unos personajes que están marcados por una herencia maldita que parte de un patriarca despiadado – un excelente Joan Botey – un villano sin paliativos, cuya mayor pulsión, aparte del dinero y el poder, es dañar a sus semejantes, pero que es, al tiempo, un artista de talento.

Un villano que desprecia a su hijo fotógrafo de las excavaciones de las fosas, pero, ¡¡¡ay!!!, cazador, aunque no haya ninguna imagen de sus víctimas. Intrigado por su hija, que se introduce en su mundo por la vía de la pintura. Que engaña a tod@s y que provoca la destrucción por donde pasa.

Estructurada en capítulos que no son consecutivos, pues comienza con el segundo y juegan con el presente y el pasado, a modo de peculiares flashbacks, por decirlo de alguna manera, Rosales narra la historia con las piezas de un rompecabezas espacio-temporal, de acción-reacción, causas y efectos, que nunca son lineales. Así nos obliga a recomponerla y, luego de haberla visto, luego de ese fundido en negro final antes de los títulos de crédito, también a repensarla.

Porque nos remite a una burguesía ilustrada, miserable y cínica; al mercado del arte: a la Memoria Histórica, al patriarcado despótico, al genio desprovisto de ética y moral; a víctimas y a cómplices; a vengadores, a unas confusiones genéticas que generan aún mas desdichas y a una conclusión de alguna manera redentora y generosa, que abre la esperanza a un nuevo comienzo. Y lo cuenta, se insiste, cuenta este relato, estas vidas rotas, distanciadamente, sin énfasis, subrayados, ni sentimentalismo alguno. Lo que la hace, si cabe, aún más demoledora.

107 minutos de metraje. La escribe también Jaime Rosales, junto a Clara Roquet y Michel Gaztambide. La fotografía admirablemente una mujer, Hélene Louvart. Hay, en este caso, piezas musicales que subrayan algunos momentos decisivos de una hermosa banda sonora que firma Kristian Eidnes Andersen. El reparto funciona muy bien, aparte de Lennie y Botey ya citados, Marisa Paredes está tan elegante y eficiente como siempre, lo mismo que Álex Brendemühl, tierno y conmovedor pese a sus aficiones cinegéticas. Y se agradecen las presencias de Petra Martínez, Carme Pla, Chema del Barco y Oriol Pla.

Deberían dejarse incomodar e interpelar por ella y no perdérsela.

Las últimas propuestas de tres directores de prestigio están ya confirmadas en la Sección por excelencia del Certamen sevillano. Aquí va la primera:

‘Obra sin autor’, coproducción entre Alemania e Italia, preseleccionada para el Oscar a la Mejor Película de habla no inglesa, de Florian Henckel von Donnersmarck,  – cosecha del 73, firmante de la multipremiada y oscarizada ‘La vida de los otros’ (2006) – ha sido definida como «un ejercicio de memoria histórica sostenida por dos figuras masculinas, un médico nazi y un joven artista»  Este último, bajo otro nombre, representa al pintor Gerard Richter quien tuvo que vivir los horrores del nacionalsocialismo y en cuya biografía está basada.

De 188 minutos de metraje, ha suscitado intensa división de opiniones críticas desde que «sabe capturar una cierta esencia de los tiempos que analiza… aunque no pueda evitar un cierto maniqueísmo… entre el blanco de la inocencia y el negro de la maldad más absoluta» o que «logra entretener a pesar de su duración, dirigida a un público joven al que quiere transmitir su interpretación de la historia reciente», «epopeya alemana… de escenas magníficas y conmovedoras»

También que «destaca la complejidad de la Alemania del siglo XX, técnicamente es una maravilla, un relato épico e intergeneracional sobre el arte, el amor, la tragedia y la familia», «un drama emocionante y reflexivo», pero… «se hunde por falta de ambición, trivializa los temas que aborda, anodina de principio a fin, convencional, aséptica y rigurosamente pomposa, ramplona y con personajes unidimensionales»

Como verán los contrastes de pareceres son extremos. No ha dejado a nadie indiferente, ni para bien, ni para mal. Así que habrá que verla para formarse una opinión propia.

Fuentes: Wikipedia, FilmAffinity, Cineuropa, Fotogramas, DW.

Esta entrada se basa en una de las informaciones que nos ha remitido el SEFF a los medios. No son datos, como en las dos anteriores de repaso a la Sección Oficial, de páginas independientes.

220 películas, 35 estrenos mundiales, 116 estrenos nacionales de 52 cinematografías diferentes integran la programación de esta edición, que tendrá lugar del 9 al 17 de noviembre, repartidas en distintas Secciones que, naturalmente, ni este blog, ni su titular pueden asumir.

Pero sí, de cara todas las personas con hij@s, destacar brevemente que habrá películas para bebés. SÍ, HAN LEÍDO BIEN, PELÍCULAS PARA BEBÉS. Es una iniciativa estupenda de este año, dirigida a un público de 0 a 3 años, compuesta por «piezas animadas donde lo importante es el ritmo y la repetición para ir desarrollando ideas más argumentales hasta derivar en la fábula». «Algunos de estos cortos no tienen argumento, pero proponen un camino hacia la narrativa audiovisual a partir de patrones musicales y rítmicos». Una idea sensacional.

Sigue comentando la información del Certamen que «En lo que respecta al público de 3 a 6 años, se ofrece un ecléctico programa que busca descubrir que la animación es muy variada en cuanto a técnicas (pixelación, collage, plastilina, ilustración, combinación de imagen real y sintética…) y que el contenido para niños no necesariamente tiene que ser cómico»

Más de 20 largometrajes, además, para niñ@s y adolescentes en la ya clásica Sección Europa Junior, en la que predomina la animación y en la que habrá una mirada de mujer ‘Next door spy’,  ópera prima de la danesa Karla Bengtson, que narra las aventuras de una detective de 10 años. Y cuatro más en el que el acercamiento al reino animal es el protagonista.

También l@s adolescentes, de  12 a 19, tendrán en Cinéfilos del Futuro diecisiete películas donde elegir, algunas compartidas con otras Secciones.

Pues ya lo saben. Escrito queda y tomen buena nota.

Este blog sigue con las recomendaciones de las películas que sabemos que estarán integradas en la Sección Oficial. Son doce hasta ahora, y aún faltan siete por confirmar. Luego puede haber más mujeres y más españolas-es en ella… En este caso, comentaremos los documentales, género que no se prodiga en el concurso, de estos dos compatriotas. Ambos son hombres y cineastas muy comprometidos políticamente.

‘La ciudad oculta’, de Víctor Moreno – canario, de la cosecha del 81, se le ha calificado como «una de las puntas de lanza del cine documental de autor en España», responsable de, entre otros, ‘Edificio España’, vetado por el Banco de Santander, con el que consiguió una nominación a los Goya – y que con este que concursa logró el Premio Labs Project en el Festival de Cine Europeo de Les Arcs.

Se ha dicho de ella que «explora el mundo subterráneo de la ciudad moderna con su laberinto de galerías, túneles, sistemas de abastecimiento… y que es un viaje literalmente hipnótico a las profundidades del mundo urbano». Pues habrá que verla.

‘Idrissa’, de Xavier Artigas – catalán de la cosecha del 80, sociólogo y artista visual, que tiene en su haber, entre otros reconocimientos la Biznaga de Plata al Mejor Documental por ‘Ciutat morta’ – relata en este que nos ocupa la muerte del joven nigeriano Idrissa, en 2012, en un Centro de Internamiento para Extranjeros, CIE, en Barcelona, reconstruyendo los hechos, explorando sus causas y el drama de la inmigración.

Se ha dicho de él que «denuncia la situación actual del control migratorio europeo y de todo lo que conlleva… quiere sensibilizar a la sociedad sobre la discriminación, la vulneración de derechos y la explotación de personas extranjeras en territorio europeo». De visión obligada.

Fuentes: Cine Europa, Sensacine, FilmAffinity, Wikipedia, Hordago, elsaltodiario.com y Encuentros con el cine.

A falta de conocer la programación completa, que será comunicada dentro de unas horas, a las 10.30 de hoy en un desayuno para la prensa en el Abades Triana, quien esto firma quiere destacar que de entre las trece películas que, de momento, se nos han adelantado de la Sección Oficial, del Festival – que tendrá lugar del 9 al 17 del próximo mes de noviembre – aparecen solo tres firmadas por mujeres.

De ellas y de sus propuestas vamos a  hablar en primer lugar. Las fuentes consultadas, como las de otras recomendaciones que vendrán a continuación, serán  páginas independientes o críticas de las Muestras por las que han pasado, además de la información que nos ha proporcionado el Certamen. Son, a saber:

‘M’, de la directora y guionista Yolande Zauberman, Francia. Es un documental rodado en yiddish, en la que la mirada y la cámara de la realizadora se internan en una comunidad judía ultraortodoxa, Bneï Brak, «la ciudad de los hombres de negro», a través de uno de sus miembros Menahem Lang que nos descubre un terrible secreto. Vuelve al lugar del crimen, pues sufrió abusos en su infancia allí.

La crítica internacional la ha valorado, en general, muy positivamente a su paso por el Festival de Locarno con comentarios como «cine combativo muy comprometido con la verdad, airada pero empática, es obligatorio verla, un retrato potentísimo de un héroe moderno, un infierno que parece un paraíso, consigue arrojar luz sobre el horror… y similares. Está claro que hay que verla.

‘Joy’, de Sudabeh Mortezai, nacida en Alemania, pero criada entre Teherán y Viena, narra en este su segundo largometraje, una producción austríaca, la explotación de una mujer nigeriana prostituida para pagar la deuda contraída con su Madame y para que su hija, en su país, pueda tener una vida mejor mientras que, al tiempo, se hace cargo de una inocente joven recién llegada a ese infernal microcosmos.

Compitió en Venecia, fue premiada con la Europa Cinemas Label y la prensa especializada la ha saludado como «una historia desgarradora de tráfico sexual y esclavitud moderna, una visión provocativa única y femenina de la trata de personas, una mirada nueva sobre esta opresión de las mujeres…» No hay que perdérsela.

Y ‘Touch me not’, coproducción entre Rumanía, Alemania, República Checa, Bulgaria y Francia, de la guionista y cineasta rumana Adina Pintilie, Oso de Oro y Mejor Ópera Prima en Berlín. Entre la ficción y el documental, propone una mirada a la desnudez, los deseos y la intimidad sexual de unos seres que no suelen ser exhibidos al ser viejos o deformes pero que desean amar y ser amados.

La han definido como radical y fascinante, un viaje a nuestros propios límites corporales, plural, diversa y singular. De visión obligada.

Como verán, tres visiones transgresoras, diferentes, duras y, sobre el papel, necesarias y valiosas, que no hay que obviar. Fuentes: FilmAffinity, CIMA, Cine maldito, Cine Europa.

Esta película transgresora e inclasificable, ganadora de la Quincena de Realizadores de Cannes y del Festival de Sitges, es una producción francesa escrita  y filmada por el argentino, radicado allí, Gaspar Noé, cosecha del 63, entre cuyas controvertidas propuestas están ‘Irreversible’ (2002) y ‘Love’ (2015), algo así como un porno «de autor», con sexo real entre sus intérpretes…

‘Climax’- de 95 minutos de metraje, escrita por el propio director, muy bien fotografiada por Benoit Debie, con una música potente de temas punk y rock, entre otros muchos y con una puesta en escena tan psicodélica, frenética y espasmódica como la propia historia – está basada, aunque pasada por el tamiz de la ficción, en un hecho sucedido en ese país, en los años 90, en los que también transcurre la acción.

Sigue a una veintena de jóvenes bailarines-as – cuyas selecciones previas se nos muestran y en las que les preguntan qué están dispuestos a hacer por su vocación – van a ensayar a un internado perdido en el bosque y durante una de las fiestas, alguien echa LSD a la sangría y se desatan la locura y la paranoia más absoluta, debidas tanto a los efectos de la propia droga, como a las dudas posteriores sobre la identidad del autor-a de semejante fechoría.

Y lo que sigue es una experiencia psicodélica, hipnótica y de un pathos progresivamente inquietante, que comienza con unos ensayos aparentemente banales tipo ‘Flashdance’, aunque con mucho más poderío visual, hasta convertirse en una vivencia aterradora, en una suerte de posesión colectiva, con tintes catárticos, destructivos y crueles hasta lo insoportable.

Un trance orgiástico y feroz donde l@s danzantes se despojan de cualquier atisbo de algo que se da en llamar humanidad, consciencia, coherencia y autocontrol, aunque sí tengan claro, a su manera…, que algo les ha provocado dichas reacciones, que algo extraño y terrible les está ocurriendo y se acusen un@s a otr@s de ser l@s culpables.  Una posesión demoníaca, vía sangría…, y sangrienta, cuyos efectos serán devastadores para tod@s, especialmente para dos de ell@s – no se va a hacer spoiler – que, sin haberla bebido, afrontarán las peores consecuencias.

Noé invierte, y subvierte, también hasta los propios títulos de crédito a los que sitúa al principio de la proyección, aunque intercale algunos complementarios y frases alusivas a la imposibilidad de lo colectivo y lo deseable de la muerte durante ella. No se levanten, pues aún ocurren más cosas cuando respiras al pensar que ha terminado…

Cuenta con un elenco de personajes y bailarines – del que apenas si le importan sus personalidades, aunque las refleje de alguna manera y también la forma diferente en que enfocan la desinhibición absoluta a nivel sexual, verbal y prácticamente hablando, los hombres y las mujeres – en el que brillan Sofia Boutella, Romain Guillermic y Souhelia Yacoub, aunque tod@s se entreguen a fondo con la mayor solvencia.

Devastadora y desasosegante, es un retrato inmisericorde y poderoso de lo peor de una especie, que se cree superior, cuando es sometida a determinados estímulos. O la tomas, o la dejas. O la amas, o la odias. O te parece pertinente o vacía de contenido. O entras o no en ella… Todo es legítimo. A quien esto firma, a quien le pesaba el hecho de verla e iba muy predispuesta a odiarla, le interesó mucho.

Escrito queda. Ustedes mism@s.

«Los años 20 en España están lejos del charleston, son una época de caciquismo político y de una sociedad polarizada entre proletarios desarraigados y señoritos burgueses. La Iglesia aún mantiene su poder y se niega a perder su peso social, los movimientos anarquistas calan hondo en las capas más humildes, el Ejército intenta cohesionar a esa sociedad profundamente desordenada y polarizada. Aún teníamos el Marruecos español…» Una visión descriptiva, documentada aunque  conservadora,  del blog DIARIO DE UN VAGO HISTÓRICO.

Dani de la Torre, cosecha del 75, con ‘El desconocido’ (2015) en su haber, describe esta sociedad con una carga mucho más crítica en esta película – de 126 minutos de metraje, con una escritura que deja mucho que desear de Patxi Amezcua, una fotografía ad hoc de Josu Inchaustegui y una banda sonora algo estridente de Manuel Riveiro y Xavier Font –  posicionándose en teoría con un proletariado, mayoritariamente libertario,  oprimido por una patronal inmisericorde, cuyas huelgas y manifestaciones pacíficas eran sangrienta y ferozmente reprimidas por el ejército.

Posicionándose en teoría contra unos presuntos servidores de la ley, corruptos, criminales y matones,  a los que se oponen al menos dos honestos. Posicionándose en teoría contra el proxenetismo y una clientela con tantos vicios privados como estatus público.

Posicionándose, en teoría  a favor de las mujeres, en  dos de sus protagonistas principales y antagónicos. Con una factura impecable, un buen diseño de producción y… lamentablemente poco más. Porque todo se queda en pura teoría, con unos personajes esquemáticos y maniqueos, con un pobre homenaje al cine de gánsters  norteamericano, con un relato disperso, con un guión aturrullado y con una dirección del reparto en el que se le hacen flacos favores a sus talentos.

Desprovista de intensidad, ritmo y emoción, ni siquiera hay química entre Michelle Jenner y un Luis Tosar más envarado que nunca. Por no hablar del que interpreta Ernesto Alterio…

En fin. Ustedes mism@s…