Sevilla Cinéfila

Continuamos con esta selección exprés:

Las Nuevas Olas- No Ficción:

‘Extinçao’, de Salomé Lamas. Portugal y Alemania. Documental sobre el pretendido fin de la Guerra Fría y algún que otros países no reconocidos y «conflictos helados» en Europa.

‘De chaque instant’, de Nicolas Philibert, Un homenaje del realizador a los estudiantes de enfermería en su proceso de aprendizaje, como agradecimiento a l@s profesionales de la sanidad pública que salvaron su vida, tras la embolia pulmonar que sufrió en 2016.

‘Chaos’, de Sara Fattahi. Sigue a tres mujeres sirias, una en Damasco, otra en Suecia y la tercera en Viena, unidas por el común denominador del  miedo y el trauma.

Special Screening:

‘Morir para contar’, de Hernán Zin. España. Palma de Plata en México y Mejor Documental en Montreal. Sigue a reporteros de guerra que, como él mismo, han vivido situaciones dantescas y terribles.

‘The happy prince’, de Rupert Everett. Reino Unido, Bélgica, Italia y Alemania. Biopic sobre los tres últimos años de vida de Oscar Wilde que, recluido en un hotel francés con unos amigos, decide visitar a su mujer y a su amante.

‘En liberté’, de Pierre Salvadori. Francia. Sigue a una policía viuda de un presunto héroe que descubre el lado oscuro de su marido en clave muy ingeniosa y singular.

‘Lemonade’, de Ioana Uricau. Rumanía, Canadá, Alemania y Suecia. Pasado y presente de una inmigrante rumana, de 30 años y un hijo, casada con un estadounidense y viviendo en USA.

Selección EFA:

‘La casa de Jack’, de Lars Von Trier. Dinamarca, Francia, Alemania. 12 años en la vida y crímenes de un asesino en serie.

‘La mujer de la montaña’, de Benedikt Erlingsson. Islandia, Ucrania, Francia. Una profesora de canto, de 50 años y ecologista, está en guerra contra la industria del aluminio de su localidad, pero… le llega una carta que da luz verde a una solicitud largamente esperada.

‘Scary mother’, de Ana Urushadze. Georgia, Estonia. Ópera prima sobre el papel y la posición opresiva de las mujeres georgianas, a través de la historia de una madre de familia que se evade escribiendo.

‘STYX, de Wolfgang Fischer. Alemania y Austria. Premio del Jurado Ecuménico y del Europa Cinemas Label en el Festival de Berlín. Una médica decide hacerse sola a la mar rumbo a una isla tropical, cuando se cruza con un barco de refugiados en situación de riesgo extremo.

No se pierdan la retrospectiva de la octogenaria autora, escritora y realizadora feminista alemana Ula Stöckl. Ni los experimentos de Jonás Trueba. Ni el Panorama Andaluz, ni los cortos… Ni tampoco, de esta Selección, ‘Girl’, de Lukas Dhont. Bélgica, Países Bajos, si no la vieron cuando se proyectó en el Avenida. Cámara de Oro, Palma Queer, Premio Fipresci en Cannes y el del Público y el Sebastiane en San Sebastián. Sobre una adolescente que espera la reasignación de género mientras lucha por su sueño de ser bailarina.

Cinéfilos del Futuro:

‘El silencio de otros’, de Almudena Carracedo y Robert Bahar. España. Documental, filmado a lo largo de seis años, que muestra la lucha silenciada en busca de justica de las víctimas franquistas en la que organizan la llamada «Querella argentina».

‘Funan’, de Denid Do. Francia. La dureza de la vida de una familia bajo el régimen de los jémeres rojos, narrada en animación.

‘Two for joy’, Tom Beard, Reino Unido. Drama sobre una familia marginal que se desarrolla en un pueblo costero.

‘Michael inside’, de Frank Berry. Irlanda. Un joven toxicómano detenido y sentenciado a tres meses de cárcel.

‘La féte est finie’, de Marie Garel Weiss. Francia. Ópera prima sobre dos chicas adictas que se ayudan mutuamente.

Fuentes consultadas: Wikipedia, Filmaffinity, cineuropa, Cine maldito.

¡¡¡BUEN FESTIVAL A TOD@S, DISFRÚTENLO!!!

Quien esto firma, añade estas dos entradas sin las pretensiones de exhaustividad de las dedicadas a la Oficial. Por lógica, no tendrán cabida en ella todas las Secciones. Pero quiere aclarar que las películas recomendadas, aparte de responder a un criterio de selección personal e intransferible, han sido respaldadas por las mejores referencias – o con división de opiniones predominando las positivas – de páginas independientes. Y que no va a destacar ninguna de contenido misógino o  en la que se usen, maltraten o asesinen animales, por lo menos hasta donde sepa. Advertid@s quedan.

Sección Oficial Fuera de Concurso:

‘At war’, Stephane Brizé. Francia. Conflicto laboral muy duro en una fábrica que amenaza con el cierre, incumpliendo las promesas de la patronal a la plantilla.

‘Amin’, Philippe Faucon, Francia. Drama sobre un inmigrante y su inesperada relación con una mujer francesa en el que se retratan el exilio, las familias, el clasismo, el racismo y la explotación.

‘Euforia’, de Valeria Golino, Italia. Dos hermanos antitéticos reunidos por una situación dramática.

Revoluciones Permanentes:

‘El viaje a Kioto’, de Pablo Llorca, España. La relación entre dos hombres en la cincuentena, en situaciones profesionales opuestas, con sus respectivas madres de fondo.

<3′ de María Antón, España. Documental en el que se muestra la visión de las nuevas generaciones sobre el amor romántico, la identidad sexual o la fidelidad, entre otros temas.

‘M’, de Anna Eriksson, Finlandia. Una mirada muy particular, transgresora y sombría de Marilyn Monroe.

‘El rey’, de Alberto San Juan, España. Un acercamiento demoledor a la figura y hechos del monarca emérito.

‘Roi Soleil’, de Albert Serra, España. Premio Festival de Marsella y Jean Vigo ex aequo en Cannes y evolución de su anterior trabajo ‘La mort de Louis XIV’.

‘Las Nuevas Olas’:

‘All good’, de Eva Trobisch, Alemania. Mejor Película Hampton’s International Film Festival y FIPRESCI de la Crítica, en Múnich. Drama sobre la violación de una mujer que, por motivos indirectamente laborales, es ocultada y negada por la propia víctima, con devastadoras consecuencias.

‘Samouni Road’, de Stefano Samona, Italia y Francia. Documental en el que el realizador vuelve al hogar de una familia palestina pacifista, víctima de los ataques israelíes.

‘The Tower’, de Mats Grorud, Noruega. Ópera prima de animación sobre una familia palestina atrapada en un campo de refugiados del Líbano, a través de la mirada de uno de sus miembros, una niña de 11 años. Busca las raíces del conflicto y del éxodo a partir de la proclamación de Estado de Israel en 1948.

Fuentes consultadas: Wikipedia, Filmaffinity, cineuropa, cine maldito.

‘

Mar Targarona, actriz, productora y directora, de la cosecha del 53, aborda y reivindica en esta película imperfecta, pero muy digna, valiente y necesaria, la figura de un héroe oculto – salvo por el documental, que quien esto firma no ha visto, y que le dedicó el valenciano Llorenc Soler, cosecha del 32, ‘Un fotógrafo en el infierno’ (2000) – Francesc Boix (Barcelona, 1920 – París, 1951), militante comunista y exiliado republicano quien – junto a 8.000 españoles más, de los que sobrevivió tan solo un tercio – estuvo más de cuatro años internado en el siniestro campo de exterminio nazi, de 1941 a 1945.

Esta película se centra sobre todo en el tramo final de tal prisión, tanto es así que se alude a la pérdida de Stalingrado (1943) en su metraje, que la realizadora narra voluntariamente en clave didáctica, según declaraciones a la revista digital Espinof. Su intención fue que se hiciera extensiva al mayor número de personas posible y dar a conocer a nuestros conciudadanos víctimas del Holocausto que apenas si son mencionados en el cine dedicado al tema.

Porque  l@s luchadores antifascistas, de izquierdas, fieles a la legalidad republicana y demócratas – hombres, en este caso, aunque las mujeres – como la interpretada fugazmente aquí por Macarena Gómez, además, eran obligadas a prostituirse como un «regalo» para ciertos internos -han sido borrados de nuestra Historia Oficial, que aún pervive.

Y este hombre, Francesc Boix, que trabajó en el laboratorio de Mauthausen, supo retratar todo ese horror y preservar, con ayuda de sus camaradas, los negativos. Unos negativos, en las antípodas de las fotos de propaganda de sus carceleros, del responsable de Mauthausen y de los altos mandos. Preservarlos y sacarlos del campo para que sirvieran, como lo hicieron, de pruebas de cargo en los procesos de Nuremberg y de Dachau en los que testificó contra algunos de los grandes genocidas del siglo XX, muriendo años después, con tan solo 30, de problemas renales contraídos en el Campo. Aunque de esto solo se muestren las estremecedoras imágenes en la conclusión.

Todo ello lo filma la realizadora adentrándose en el infierno, sin èpica, ni lírica, sino de forma contenida aunque emocionante, pero señalando las jerarquías y la complejidad de los verdugos, presos entre ellos, y la solidaridad y camaradería entre compatriotas y correligionarios. Consciente del presupuesto con el que contaba y de los precedentes cinematográficos de peso sobre el tema, trata esta historia centrándose en uno de los nuestros, en los nuestros que lo arriesgaron todo para que el mundo conociese la verdad.

Solo por ello, nada más y nada menos que por ello y aunque tenga ciertos desajustes de ritmo, esta producción española – de 110 minutos de metraje, escrita por Roger Danés y Alfred Pérez Fargas, que se documentaron exhaustivamente al respecto, con una buena fotografía, pródiga en claroscuros, de Aitor Manxola , una banda sonora que subraya y no se impone, de Diego Navarro y un reparto solvente con un Mario Casas al frente que lo da todo, pese a los iniciales prejuicios de esta firmante, y que demuestra su versatilidad como intérprete – merece ser vista.

Háganlo, véanla, frente a la desmemoria de esta España tan ingrata y miserable con su mejor ciudadanía.

Mañana, miércoles, 7 de noviembre, a las 19.30, en Casa del Libro Viapol – integrada en el Viapol Center, junto a la Facultad de Derecho y muy bien comunicada por el  tranvía, el metro (estación de San Bernardo) y buses como C1, C2, B4, 22, 25, 26, 28, 29, 38 y 52 – tendrá lugar la próxima sesión de nuestra tertulia de cine Luis Casal Pereyra.

Una sesión muy especial dedicada a la muy premiada película ‘Viaje al cuarto de una madre’ – Mención Especial del Jurado, Premio de la Juventud, y FEODORA de la Crítica en San Sebastián, precedida de excelentes referencias – cuya directora, la sevillana Celia Rico Clavellino, nos acompañará para introducirla, debatirla con nosotr@s, responder a todas las preguntas sobre ella y escuchar TODAS nuestras opiniones, sean positivas o negativas, sobre este su primer largometraje.

Este es el enlace de su crítica en el blog:

‘Viaje al cuarto de una madre’: Cordones umbilicales

Pues ya lo sabéis. La entrada es libre, promete muchísimo y no os la podéis perder. Os espero.

El guionista, productor y realizador Carlos Vermut, cosecha del 80, se ha tomado cuatro años, desde su muy premiada ‘Magical girl’ (2014), Concha de Oro y Concha de Plata al Mejor Director en San Sebastian, hasta esta su última propuesta y tercer largometraje de su filmografía.

Desde el punto de vista de quien esto firma, la espera ha merecido la pena. Como ya saben que prefiere ser abstracta a hacer spoiler, solo les dirá que la historia de una cantante – otrora muy famosa que prepara su vuelta triunfal a los escenarios pero que, poco antes, se queda amnésica a causa de un accidente y requiere la ayuda más inesperada –  le ha parecido absorbente, arriesgada, inquietante, estilizada, elegante y altamente sofisticada, con una puesta en escena tan manierista y distanciada como transparente y habitada por una gran carga de profundidad.

Cuatro mujeres son los personajes centrales y dos de ellas, tan aparentemente opuestas, con mucho más en común de lo que parece. Aunque la relación es desigual y sólo una será depositaria del secreto de la otra. Porque la fan que se disfraza de su ídolo en un karaoke de mala muerte, con una vida familiar más que terrible, será precisamente quien debe, con la mediación de la mánager y amiga, enseñar a cantar a quien, tan grande es su desmemoria…, ha olvidado su identidad y hasta su propia voz.

De identidades, falsas y verdaderas, va el relato. De originales y copias. De mitos y fans. De sueños y pesadillas. De autorías. De la fragilidad y las servidumbres del éxito. De madres e hijas. De víctimas y cómplices, tan claras como intercambiables. De mundos oscuros, de turbios secretos en el altar de la fama y de la luz y atracción fatales del mar. De revelaciones que cambiarán dos vidas para lo mejor y para lo peor. Del precio a pagar por la supervivencia emocional cuando hay relaciones tóxicas, aunque sean muy estrechas, en juego. De lo contado y no mostrado. De lo sugerido y no contado. De autodestrucciones y nuevos comienzos.

Coproducción hispano-francesa de 119 minutos de metraje. La escribe también el propio Vermut. Maravillosamente fotografiada por Eduard Grau y con una excelente banda sonora de Alberto Iglesias, con temas populares muy bien interpretados por Najwa Nimri. A propósito de ella, funciona sobre todo como una fantasía, como un espectro tan dorado como turbio, como el personaje que ha sido y al que no desea volver. Y del resto del reparto. Natalia de Molina, tan solvente como siempre, en una composición al límite. Carmen Elías, impecable y elegante, pero la dueña de la función es una eminente, conmovedora y vulnerable Eva Llorach, a quien todos los reconocimientos le son debidos.

Se han señalado sus deudas con el mejor Almodóvar. Puede. Pero, para esta firmante, señala la consagración de las señas de identidad de uno de los cineastas más singulares de este país. Uno de los cineastas más singulares de este país, que nos ha deparado un melodrama fascinante y aterrador, sofisticado y desasosegante, complejo y terrible, hermoso y cruel, que no deberían perderse.

Completamos el repaso independiente a los títulos que oferta la Sección Oficial del Certamen. Y lo hacemos con tres propuestas muy diferentes entre sí. A saber:  la crónica de las revueltas contra el matonismo policial xenófobo, un drama sobre la adicción a la infelicidad y otro autobiográfico sobre la infancia de su firmante. Las comentaremos por este orden.

La primera es el documental de un experto en el género, Roberto Minervini, cosecha del 70. Coproducción entre Italia, Estados Unidos y Francia, ‘What yo gonna do when the world’s on fire?’,  con 123 minutos de metraje, que narra la historia de una comunidad afroamericana del Sur en el verano de 2017 cuando una serie de brutales asesinatos de negros sacudieron al país.

Ha generado división de opiniones especializadas. Como las que critican el uso artificioso del blanco y negro, que la cámara se haga demasiado presente, que es exhibicionista y poco espontánea, bienintencionada pero irregular, frustrante pero… está filmada con elegancia y sensibilidad, logra captar el sentimiento de miedo compartido de una comunidad, ofrece momentos de pura emoción, un documental genuino. Habrá que comprobarlo.

‘Pity’, del guionista y realizador Babis Makridis, cosecha del 70, de 97 minutos de metraje, cuenta la historia de un hombre adicto a la tristeza que necesita la crueldad para generar la compasión ajena. A partir de una situación familiar traumática, con su mujer en coma y la empatía recibida, requiere su dosis diaria de piedad y la estimula. Pero ella despierta y… Comedia negra sobre un hombre privilegiado que no aprecia su suerte, sino las consecuencias de su desdicha. Sus referencias son buenas y comentan que nunca hay desequilibrio entre el drama de un masoquista y su ingenuidad que le envuelven en un círculo vicioso, un protagonista sólido. Hay que apuntársela.

Y ‘Ray & Liz’, del fotógrafo, artista y director Richard Billingham, también cosecha del 70, de 107 minutos, es un drama sobre una familia disfuncional, la suya propia, con abusos y alcoholismo y padres tiránicos retratado en diferentes épocas. En los márgenes sociales durante el thatcherismo, con personajes al límite. Ha sido aplaudida por su austeridad, por ser un retrato evocador de la clase obrera en el centro de Inglaterra, por ser formalmente austera y rigurosa y romper esquemas en su género… pero se le reprochan un ritmo extenuante y el que los personajes, excepto los protagonistas, no consigan generar empatía.

En fin, que tampoco hay que obviarla.

Fuentes: FilmAffinity, Wikipedia y cineeuropa.

Confirmados ya a los medios los siete títulos restantes de la Sección Oficial, se comentarán aquí comenzando por las otras tres miradas de mujer – seis en total, de 19 – incluidas en ellos. Son, las reseñaremos por este orden, una franco-suiza, una franco-italiana y otra francesa.

La primera es ‘Pearl’, ópera prima de la actriz, ayudante de dirección y realizadora francesa Elsa Amiel, cosecha del 79. Sigue a Léa Pearl, que va a  competir en la final internacional del culturismo femenino, a lo que ha dedicado cuatro años de trabajo, cuando horas antes recibe la visita de su ex y del hijo de ambos, los que hace ese mismo periodo de tiempo que no ve, pues ha renunciado – de acuerdo con su ex pareja – a su rol de esposa y madre por tal disciplina deportiva. Con la culturista Julia Föry y el excelente Peter Mullan, de protagonistas.

La crítica la ha calificado como «un debut sólido y original y digno de nota… contrasta una montaña de músculos con una frágil personalidad… apartado visual atractivo y paradójico, además de estar ambientado en el sorprendente, desconocido y perturbador mundo del fisioculturismo femenino, relacionada con el cuerpo – aunque no desde el punto de vista sexual y el precio a pagar para esculpirlo…, sobre la fractura entre lo físico y lo espiritual, sobre el cuestionamiento de la maternidad y de sus funciones fisiológicas…» Desde luego, no hay que perdérsela.

La segunda es ‘La casa de verano’, de la actriz, guionista, cantante y directora italiana afincada en Francia, Valeria Bruni Tedeschi, cosecha del 64. Una reunión familiar en el lugar al que alude el título, pensada para relajarse y en la que no tardarán en estallar tensiones, miedos y resentimientos del pasado. Tales conflictos amenazan especialmente al personaje de Anna, interpretada por la propia realizadora, a la que sus difíciles relaciones conyugales y maternales, pondrán en peligro la escritura de su próxima película sobre una tragedia que este grupo, unido por lazos de sangre, no ha conseguido superar.

Drama con reminiscencias autobiográficas, ha cosechado opiniones muy contrapuestas. Desde que es «poco interesante, confusa, pese a su excelente factura visual, en la que se mezclan demasiados temas con un enfoque excesivamente rígido de la historia y con personajes esquemáticos y abstractos, hasta que es «un culebrón con clase hecho por una de las mejores narradoras del cine contemporáneo, nace de su vida como una especie de autobiografía imaginaria, fresca, original y divertida profundizando en el clasismo y otros temas políticos» Está claro que habrá que dilucidar tantos contrastes de pareceres viéndola.

La tercera es ‘Maya’, de 107 minutos de metraje, de la actriz, guionista y cineasta francesa Mia Hansen Love, cosecha del 8 – ‘El porvenir’, Oso de Oro en Berlín 2016, Edén’, ‘Todo está perdonado’… – en la que se narra el drama de un joven reportero de guerra, retenido como rehén en Siria y que, tras meses de cautiverio, se marcha a la India.

La crítica ha dicho: «Gentil y sinuosa historia, sensibilidad para los detalles, tierna crónica de un personaje, un relato de seducción y desarraigo, una de las mejores directoras vivas, muy lograda a nivel estético, un romance al que se le da tiempo a desarrollarse como debe, retrato de los conflictos internos de un personaje adicto a la violencia que intenta reestructurarse y renacer, excelente puesta en escena… Vamos, que no hay que dejarla escapar.

Fuentes: Wikipedia, FilmAffinity, cineuropa,  Indie Wire, Cine maldito, Libero 24×7.

El crítico de cine, guionista y realizador francés Olivier Assayas – cosecha del 55, ‘Desorden’, ‘Finales de agosto, principios de septiembre’, ‘Personal shopper’ –   inaugurará el Festival y concursará en la Sección Oficial con su última propuesta ‘Non-Fiction’, producción gala, de 107 minutos de metraje, que, entre el drama y la comedia, con muchos más ingredientes de esta última, narra la historia de un editor y su autor en crisis con el mundo digital y … con la de la mediana edad. El primero, ante el manuscrito del segundo, tiene dudas mientras que su esposa cree que es una obra maestra. Protagonizan Juliette Binoche y Guillaume Canet.

Con estos mimbres, la crítica se le ha rendido. Algunos ejemplos: «Brillante, divertida y profundamente lúcida» «Los personajes hablan a toda prisa y sin parar sobre el mundo editorial y sobre casi todo… visto en pantalla resulta apasionante» «Una comedia atemporal sobre twitter,  astuta y maravillosa, llena de humor» «Permite que la sátira y el compromiso intelectual existan a la vez» «Un experimento artístico y de investigación con el mismo nivel de riesgo y rigor que sus precedentes… nos interpela continuamente sobre el mundo en que vivimos, una sociedad de control con la tecnología que remueve nuestro presente» «el contrapunto complementario e irónico de su obra anterior»

Y siguen así… Hay que verla sin apelación posible. En buena forma, además, para captar tantos matices.

Fuentes: Wikipedia, FilmAffinity, cine maldito y Quinlan.

Quien esto firma, no conocía el libro de la norteamericana Meg Wolitzer, ‘The wife’ (‘La esposa’), en el que se basa esta película homónima, ya que el calificativo de buena es un absurdo añadido castellano. Pero, precisamente en la sesión, se encontró con una amiga, también autora y muy ilustrada, que sí lo había leído años ha, apreciándolo mucho. Lástima que a la salida no hubiera coincidencia para recabar su opinión sobre esta adaptación cinematográfica.

Producción británica de 100 minutos de metraje. La dirige el autor y realizador sueco Björn Runge, cosecha del 61, y el guión lo escribe, a partir de la novela citada, Jane Anderson. La fotografía correctamente Ulf Brantas y la banda sonora, que saber rubricar el relato, la firma Jocelyn Pook.  Sigue a una mujer de talento que sacrifica su vocación literaria en aras de su matrimonio con un escritor.  Pero cuando a él le conceden el Nobel, todo se hará pedazos…

Muy teatral en su puesta en escena y convencional en su tratamiento, tiene sus mejores bazas en su toma de postura tan feminista y en la extraordinaria interpretación, contenida y llena de matices y registros – que ya suena, con todo merecimiento, en las quinielas de los próximos Oscar – de Glenn Close. Aunque el siempre excelente Jonathan Pryce no le ande a la zaga… Max Irons, pese a su estirpe, sigue siendo un pésimo actor. Christian Slater  está muy bien, a pesar de su personaje desaprovechado y esquemático, que hubiera merecido una mayor atención. Y siempre se agradece la presencia de la maravillosa Elizabeth McGovern.

El caso es que el meollo del asunto se intuye y desvela demasiado pronto, a modo de flashbacks, y eso le resta interés a una historia que tenía que haber sido mucho más incisiva y mordaz, pese a tener algunos diálogos brillantes. Una historia que no desarrolla suficientemente algunos temas y se pierde en otros. Aunque sí acierte en la tensión creciente de la protagonista, dueña del secreto , en torno a las ceremonias y actos sociales del galardón.

Nunca insulta la inteligencia y resulta más que digna de aplauso en su retrato de la apropiación indebida del talento de una mujer por un cónyuge sin escrúpulos, egoísta, infiel y narcisista, que ni siquiera la reconoce en toda su grandeza. Un clásico, por cierto, en la historia de la creación artística universal. Por la ironía y el sarcasmo tan sutiles con la que ella es capaz de afrontar tal indignidad hasta la catarsis final. Y por su conclusión tan abierta como esperanzadora.

Escrito queda. Pese a sus defectos y por su empatía hacia las mujeres, debería ser vista.

El guionista, realizador y escritor galo Christophe Honoré, cosecha del 70, presenta a concurso su propuesta ‘Sorry Angel’ o, en su título original, ‘Plaire, aimer et courir vite’. ATENCIÓN, EL FESTIVAL VA A TITULARLA »VIVIR DEPRISA, AMAR DESPACIO’, para evitar confusiones. De 132 minutos de metraje y ambientada en los 90, se centra en la relación entre un escritor maduro, que lucha contra el VIH, y un joven estudiante de cinematografía que se enamoran durante un breve encuentro en París, pues el segundo vive en La Bretaña. Así que su relación se lleva a cabo mayormente en la distancia, a través de cartas y llamadas. Uno está en lo mejor de la vida y el otro se queda sin tiempo…

Se le ha calificado como » el drama gay francés que podría convertirse en el nuevo ‘Call me by your name’ y el realizador, homosexual militante, ha declarado que la hizo «contra la homofobia. Quería contar la historia de un protagonista gay que tenía el poder de cambiar las perspectivas de las personas sobre la homosexualidad, romper esquemas y prejuicios»

En cuanto a la crítica se ha pronunciado así: «Se quiere libre, divertida y profunda. También triste…» ; «Funciona más por ráfagas que en su conjunto. Por separado, tiene secuencias preciosas. El total es menos que la suma de sus partes, pero es la mejor de su autor» ; «No hay nada en ella que tenga el menor interés cinematográfico»; «Vibrante y conmovedora, ágil y animada, con actuaciones luminosas; «La obra más emotiva y sutil de su director, un tributo conmovedor al arte y la cultura de la Francia de principios de los 90» «Un romance homosexual profundamente personal»

«De su estructura literaria y tratamiento psicológico de sus personajes, emerge una observación sobre los efectos del tiempo en nuestras relaciones y en nosotros mismos» ; «Una película de gran envergadura y mucho valor, que mezcla el drama y la distancia, el amor romántico y la pasión física»; «una obra que consigue afirmarse con dulzura, sin ahorrar por ello crudas realidades… una puesta en escena bonita, rica y diversa que resulta víctima de la distancia intelectual e irónica, aunque eso no mine su alta calidad»…

Contrastes de pareceres, predominando los positivos, que animan a verla de todas, todas.

De momento, esta entrada completa la reseña de los títulos ya confirmados en la Sección Oficial.

Fuentes: Wikipedia, FilmAffinity, cineuropa, cine maldito, i-D.