Archivo mensual: octubre 2018

Mañana, miércoles, 7 de noviembre, a las 19.30, en Casa del Libro Viapol – integrada en el Viapol Center, junto a la Facultad de Derecho y muy bien comunicada por el  tranvía, el metro (estación de San Bernardo) y buses como C1, C2, B4, 22, 25, 26, 28, 29, 38 y 52 – tendrá lugar la próxima sesión de nuestra tertulia de cine Luis Casal Pereyra.

Una sesión muy especial dedicada a la muy premiada película ‘Viaje al cuarto de una madre’ – Mención Especial del Jurado, Premio de la Juventud, y FEODORA de la Crítica en San Sebastián, precedida de excelentes referencias – cuya directora, la sevillana Celia Rico Clavellino, nos acompañará para introducirla, debatirla con nosotr@s, responder a todas las preguntas sobre ella y escuchar TODAS nuestras opiniones, sean positivas o negativas, sobre este su primer largometraje.

Este es el enlace de su crítica en el blog:

https://sevillacinefila.com/2018/10/06/viaje-al-cuarto-de-una-madre-cordones-umbilicales/

Pues ya lo sabéis. La entrada es libre, promete muchísimo y no os la podéis perder. Os espero.

El guionista, productor y realizador Carlos Vermut, cosecha del 80, se ha tomado cuatro años, desde su muy premiada ‘Magical girl’ (2014), Concha de Oro y Concha de Plata al Mejor Director en San Sebastian, hasta esta su última propuesta y tercer largometraje de su filmografía.

Desde el punto de vista de quien esto firma, la espera ha merecido la pena. Como ya saben que prefiere ser abstracta a hacer spoiler, solo les dirá que la historia de una cantante – otrora muy famosa que prepara su vuelta triunfal a los escenarios pero que, poco antes, se queda amnésica a causa de un accidente y requiere la ayuda más inesperada –  le ha parecido absorbente, arriesgada, inquietante, estilizada, elegante y altamente sofisticada, con una puesta en escena tan manierista y distanciada como transparente y habitada por una gran carga de profundidad.

Cuatro mujeres son los personajes centrales y dos de ellas, tan aparentemente opuestas, con mucho más en común de lo que parece. Aunque la relación es desigual y sólo una será depositaria del secreto de la otra. Porque la fan que se disfraza de su ídolo en un karaoke de mala muerte, con una vida familiar más que terrible, será precisamente quien debe, con la mediación de la mánager y amiga, enseñar a cantar a quien, tan grande es su desmemoria…, ha olvidado su identidad y hasta su propia voz.

De identidades, falsas y verdaderas, va el relato. De originales y copias. De mitos y fans. De sueños y pesadillas. De autorías. De la fragilidad y las servidumbres del éxito. De madres e hijas. De víctimas y cómplices, tan claras como intercambiables. De mundos oscuros, de turbios secretos en el altar de la fama y de la luz y atracción fatales del mar. De revelaciones que cambiarán dos vidas para lo mejor y para lo peor. Del precio a pagar por la supervivencia emocional cuando hay relaciones tóxicas, aunque sean muy estrechas, en juego. De lo contado y no mostrado. De lo sugerido y no contado. De autodestrucciones y nuevos comienzos.

Coproducción hispano-francesa de 119 minutos de metraje. La escribe también el propio Vermut. Maravillosamente fotografiada por Eduard Grau y con una excelente banda sonora de Alberto Iglesias, con temas populares muy bien interpretados por Najwa Nimri. A propósito de ella, funciona sobre todo como una fantasía, como un espectro tan dorado como turbio, como el personaje que ha sido y al que no desea volver. Y del resto del reparto. Natalia de Molina, tan solvente como siempre, en una composición al límite. Carmen Elías, impecable y elegante, pero la dueña de la función es una eminente, conmovedora y vulnerable Eva Llorach, a quien todos los reconocimientos le son debidos.

Se han señalado sus deudas con el mejor Almodóvar. Puede. Pero, para esta firmante, señala la consagración de las señas de identidad de uno de los cineastas más singulares de este país. Uno de los cineastas más singulares de este país, que nos ha deparado un melodrama fascinante y aterrador, sofisticado y desasosegante, complejo y terrible, hermoso y cruel, que no deberían perderse.

Completamos el repaso independiente a los títulos que oferta la Sección Oficial del Certamen. Y lo hacemos con tres propuestas muy diferentes entre sí. A saber:  la crónica de las revueltas contra el matonismo policial xenófobo, un drama sobre la adicción a la infelicidad y otro autobiográfico sobre la infancia de su firmante. Las comentaremos por este orden.

La primera es el documental de un experto en el género, Roberto Minervini, cosecha del 70. Coproducción entre Italia, Estados Unidos y Francia, ‘What yo gonna do when the world’s on fire?’,  con 123 minutos de metraje, que narra la historia de una comunidad afroamericana del Sur en el verano de 2017 cuando una serie de brutales asesinatos de negros sacudieron al país.

Ha generado división de opiniones especializadas. Como las que critican el uso artificioso del blanco y negro, que la cámara se haga demasiado presente, que es exhibicionista y poco espontánea, bienintencionada pero irregular, frustrante pero… está filmada con elegancia y sensibilidad, logra captar el sentimiento de miedo compartido de una comunidad, ofrece momentos de pura emoción, un documental genuino. Habrá que comprobarlo.

‘Pity’, del guionista y realizador Babis Makridis, cosecha del 70, de 97 minutos de metraje, cuenta la historia de un hombre adicto a la tristeza que necesita la crueldad para generar la compasión ajena. A partir de una situación familiar traumática, con su mujer en coma y la empatía recibida, requiere su dosis diaria de piedad y la estimula. Pero ella despierta y… Comedia negra sobre un hombre privilegiado que no aprecia su suerte, sino las consecuencias de su desdicha. Sus referencias son buenas y comentan que nunca hay desequilibrio entre el drama de un masoquista y su ingenuidad que le envuelven en un círculo vicioso, un protagonista sólido. Hay que apuntársela.

Y ‘Ray & Liz’, del fotógrafo, artista y director Richard Billingham, también cosecha del 70, de 107 minutos, es un drama sobre una familia disfuncional, la suya propia, con abusos y alcoholismo y padres tiránicos retratado en diferentes épocas. En los márgenes sociales durante el thatcherismo, con personajes al límite. Ha sido aplaudida por su austeridad, por ser un retrato evocador de la clase obrera en el centro de Inglaterra, por ser formalmente austera y rigurosa y romper esquemas en su género… pero se le reprochan un ritmo extenuante y el que los personajes, excepto los protagonistas, no consigan generar empatía.

En fin, que tampoco hay que obviarla.

Fuentes: FilmAffinity, Wikipedia y cineeuropa.

Confirmados ya a los medios los siete títulos restantes de la Sección Oficial, se comentarán aquí comenzando por las otras tres miradas de mujer – seis en total, de 19 – incluidas en ellos. Son, las reseñaremos por este orden, una franco-suiza, una franco-italiana y otra francesa.

La primera es ‘Pearl’, ópera prima de la actriz, ayudante de dirección y realizadora francesa Elsa Amiel, cosecha del 79. Sigue a Léa Pearl, que va a  competir en la final internacional del culturismo femenino, a lo que ha dedicado cuatro años de trabajo, cuando horas antes recibe la visita de su ex y del hijo de ambos, los que hace ese mismo periodo de tiempo que no ve, pues ha renunciado – de acuerdo con su ex pareja – a su rol de esposa y madre por tal disciplina deportiva. Con la culturista Julia Föry y el excelente Peter Mullan, de protagonistas.

La crítica la ha calificado como «un debut sólido y original y digno de nota… contrasta una montaña de músculos con una frágil personalidad… apartado visual atractivo y paradójico, además de estar ambientado en el sorprendente, desconocido y perturbador mundo del fisioculturismo femenino, relacionada con el cuerpo – aunque no desde el punto de vista sexual y el precio a pagar para esculpirlo…, sobre la fractura entre lo físico y lo espiritual, sobre el cuestionamiento de la maternidad y de sus funciones fisiológicas…» Desde luego, no hay que perdérsela.

La segunda es ‘La casa de verano’, de la actriz, guionista, cantante y directora italiana afincada en Francia, Valeria Bruni Tedeschi, cosecha del 64. Una reunión familiar en el lugar al que alude el título, pensada para relajarse y en la que no tardarán en estallar tensiones, miedos y resentimientos del pasado. Tales conflictos amenazan especialmente al personaje de Anna, interpretada por la propia realizadora, a la que sus difíciles relaciones conyugales y maternales, pondrán en peligro la escritura de su próxima película sobre una tragedia que este grupo, unido por lazos de sangre, no ha conseguido superar.

Drama con reminiscencias autobiográficas, ha cosechado opiniones muy contrapuestas. Desde que es «poco interesante, confusa, pese a su excelente factura visual, en la que se mezclan demasiados temas con un enfoque excesivamente rígido de la historia y con personajes esquemáticos y abstractos, hasta que es «un culebrón con clase hecho por una de las mejores narradoras del cine contemporáneo, nace de su vida como una especie de autobiografía imaginaria, fresca, original y divertida profundizando en el clasismo y otros temas políticos» Está claro que habrá que dilucidar tantos contrastes de pareceres viéndola.

La tercera es ‘Maya’, de 107 minutos de metraje, de la actriz, guionista y cineasta francesa Mia Hansen Love, cosecha del 8 – ‘El porvenir’, Oso de Oro en Berlín 2016, Edén’, ‘Todo está perdonado’… – en la que se narra el drama de un joven reportero de guerra, retenido como rehén en Siria y que, tras meses de cautiverio, se marcha a la India.

La crítica ha dicho: «Gentil y sinuosa historia, sensibilidad para los detalles, tierna crónica de un personaje, un relato de seducción y desarraigo, una de las mejores directoras vivas, muy lograda a nivel estético, un romance al que se le da tiempo a desarrollarse como debe, retrato de los conflictos internos de un personaje adicto a la violencia que intenta reestructurarse y renacer, excelente puesta en escena… Vamos, que no hay que dejarla escapar.

Fuentes: Wikipedia, FilmAffinity, cineuropa,  Indie Wire, Cine maldito, Libero 24×7.

El crítico de cine, guionista y realizador francés Olivier Assayas – cosecha del 55, ‘Desorden’, ‘Finales de agosto, principios de septiembre’, ‘Personal shopper’ –   inaugurará el Festival y concursará en la Sección Oficial con su última propuesta ‘Non-Fiction’, producción gala, de 107 minutos de metraje, que, entre el drama y la comedia, con muchos más ingredientes de esta última, narra la historia de un editor y su autor en crisis con el mundo digital y … con la de la mediana edad. El primero, ante el manuscrito del segundo, tiene dudas mientras que su esposa cree que es una obra maestra. Protagonizan Juliette Binoche y Guillaume Canet.

Con estos mimbres, la crítica se le ha rendido. Algunos ejemplos: «Brillante, divertida y profundamente lúcida» «Los personajes hablan a toda prisa y sin parar sobre el mundo editorial y sobre casi todo… visto en pantalla resulta apasionante» «Una comedia atemporal sobre twitter,  astuta y maravillosa, llena de humor» «Permite que la sátira y el compromiso intelectual existan a la vez» «Un experimento artístico y de investigación con el mismo nivel de riesgo y rigor que sus precedentes… nos interpela continuamente sobre el mundo en que vivimos, una sociedad de control con la tecnología que remueve nuestro presente» «el contrapunto complementario e irónico de su obra anterior»

Y siguen así… Hay que verla sin apelación posible. En buena forma, además, para captar tantos matices.

Fuentes: Wikipedia, FilmAffinity, cine maldito y Quinlan.

Quien esto firma, no conocía el libro de la norteamericana Meg Wolitzer, ‘The wife’ (‘La esposa’), en el que se basa esta película homónima, ya que el calificativo de buena es un absurdo añadido castellano. Pero, precisamente en la sesión, se encontró con una amiga, también autora y muy ilustrada, que sí lo había leído años ha, apreciándolo mucho. Lástima que a la salida no hubiera coincidencia para recabar su opinión sobre esta adaptación cinematográfica.

Producción británica de 100 minutos de metraje. La dirige el autor y realizador sueco Björn Runge, cosecha del 61, y el guión lo escribe, a partir de la novela citada, Jane Anderson. La fotografía correctamente Ulf Brantas y la banda sonora, que saber rubricar el relato, la firma Jocelyn Pook.  Sigue a una mujer de talento que sacrifica su vocación literaria en aras de su matrimonio con un escritor.  Pero cuando a él le conceden el Nobel, todo se hará pedazos…

Muy teatral en su puesta en escena y convencional en su tratamiento, tiene sus mejores bazas en su toma de postura tan feminista y en la extraordinaria interpretación, contenida y llena de matices y registros – que ya suena, con todo merecimiento, en las quinielas de los próximos Oscar – de Glenn Close. Aunque el siempre excelente Jonathan Pryce no le ande a la zaga… Max Irons, pese a su estirpe, sigue siendo un pésimo actor. Christian Slater  está muy bien, a pesar de su personaje desaprovechado y esquemático, que hubiera merecido una mayor atención. Y siempre se agradece la presencia de la maravillosa Elizabeth McGovern.

El caso es que el meollo del asunto se intuye y desvela demasiado pronto, a modo de flashbacks, y eso le resta interés a una historia que tenía que haber sido mucho más incisiva y mordaz, pese a tener algunos diálogos brillantes. Una historia que no desarrolla suficientemente algunos temas y se pierde en otros. Aunque sí acierte en la tensión creciente de la protagonista, dueña del secreto , en torno a las ceremonias y actos sociales del galardón.

Nunca insulta la inteligencia y resulta más que digna de aplauso en su retrato de la apropiación indebida del talento de una mujer por un cónyuge sin escrúpulos, egoísta, infiel y narcisista, que ni siquiera la reconoce en toda su grandeza. Un clásico, por cierto, en la historia de la creación artística universal. Por la ironía y el sarcasmo tan sutiles con la que ella es capaz de afrontar tal indignidad hasta la catarsis final. Y por su conclusión tan abierta como esperanzadora.

Escrito queda. Pese a sus defectos y por su empatía hacia las mujeres, debería ser vista.

El guionista, realizador y escritor galo Christophe Honoré, cosecha del 70, presenta a concurso su propuesta ‘Sorry Angel’ o, en su título original, ‘Plaire, aimer et courir vite’. ATENCIÓN, EL FESTIVAL VA A TITULARLA »VIVIR DEPRISA, AMAR DESPACIO’, para evitar confusiones. De 132 minutos de metraje y ambientada en los 90, se centra en la relación entre un escritor maduro, que lucha contra el VIH, y un joven estudiante de cinematografía que se enamoran durante un breve encuentro en París, pues el segundo vive en La Bretaña. Así que su relación se lleva a cabo mayormente en la distancia, a través de cartas y llamadas. Uno está en lo mejor de la vida y el otro se queda sin tiempo…

Se le ha calificado como » el drama gay francés que podría convertirse en el nuevo ‘Call me by your name’ y el realizador, homosexual militante, ha declarado que la hizo «contra la homofobia. Quería contar la historia de un protagonista gay que tenía el poder de cambiar las perspectivas de las personas sobre la homosexualidad, romper esquemas y prejuicios»

En cuanto a la crítica se ha pronunciado así: «Se quiere libre, divertida y profunda. También triste…» ; «Funciona más por ráfagas que en su conjunto. Por separado, tiene secuencias preciosas. El total es menos que la suma de sus partes, pero es la mejor de su autor» ; «No hay nada en ella que tenga el menor interés cinematográfico»; «Vibrante y conmovedora, ágil y animada, con actuaciones luminosas; «La obra más emotiva y sutil de su director, un tributo conmovedor al arte y la cultura de la Francia de principios de los 90» «Un romance homosexual profundamente personal»

«De su estructura literaria y tratamiento psicológico de sus personajes, emerge una observación sobre los efectos del tiempo en nuestras relaciones y en nosotros mismos» ; «Una película de gran envergadura y mucho valor, que mezcla el drama y la distancia, el amor romántico y la pasión física»; «una obra que consigue afirmarse con dulzura, sin ahorrar por ello crudas realidades… una puesta en escena bonita, rica y diversa que resulta víctima de la distancia intelectual e irónica, aunque eso no mine su alta calidad»…

Contrastes de pareceres, predominando los positivos, que animan a verla de todas, todas.

De momento, esta entrada completa la reseña de los títulos ya confirmados en la Sección Oficial.

Fuentes: Wikipedia, FilmAffinity, cineuropa, cine maldito, i-D.

El primero de los eslavos es el ucraniano Sergei Loznitsa, cosecha del 64, que tiene muchos e importantes premios en su haber y es conocido sobre todo por sus documentales, dos de los cuales presenta en otras Secciones. En la Oficial, concursa con la coproducción, de 120 minutos de metraje, entre Ucrania, Alemania, Francia, Holanda y Rumanía, ‘Donbass’, Premio al Mejor Director de Una Cierta Mirada en Cannes.

Inspirada, con hechos ficticios, en la guerra civil que tuvo lugar en su país entre 2014 y 2015 a través de trece episodios tratados con humor cáustico y negro. La crítica la ha calificado como: «Incómoda, caótica y brutal, no se cuenta la guerra, es la guerra»; «aunque su naturaleza heterogénea puede afectar al conjunto, por excesivamente larga o dialogada, estos defectos son menores frente al dedo acusador que levanta contra las fuerzas oscuras que minan su país» ; un retrato mordaz de una sociedad que linda con la barbarie»; «visión sin concesiones»; «sobrecargada», «tiene un gran aspecto visual, pero le falta calidez humana’; «resulta difícil conectar con ella»…

El saldo es más positivo que negativo. Así que deberían verla.

El ruso Alexei German Jr, cosecha del 76 –  del que se vio hace tres años la temible, para quien esto firma, ‘Under electric clouds’ (2015) – presenta ‘Dovlatov’ en la que sigue durante seis días a un personaje real, el escritor Sergei Dovlatov, que no se doblegó ante la rigidez estatal de su país.

Ambientada en los años 70, ha convencido a la crítica que la ha calificado de «un retrato evocador de una época estancada» «visualmente fascinante, con decorados elegantes de Elena Okopnaya» «captura la atmósfera de la memoria y los sueños» «gran fresco íntimo» «aunque la historia es muy dramática, su humor mordaz la aligera» «gran virtuosismo en la puesta en escena, soberbios planos secuencia»… Y así todo. No hay que obviarla.

Y la encantadora novedad es la húngara ‘Ruben Brandt, Collector’, escrita y dirigida por Milorad Krstic, cosecha del 52, que es, por primera vez en esta Sección, una película de ANIMACIÓN. Entre el thriller y el renovado género negro, sigue a un teraperuta que tiene pesadillas con 13 obras de arte muy famosas y al que cuatro de sus pacientes – que son expertos ladrones – se ofrecen para robarlas pues creen que, poseyéndolas, desaparecerán sus males. Él acepta el plan, que se ejecuta,  y se convierte en uno de los criminales más buscados, mientras que un grupo de compañías de seguros contrata a un detective experto en este tipo de delitos.

De 96 minutos de metraje – lo que, de por sí, ya es un alivio..-,  ha encandilado a los medios especializados que la consideran «un viaje emocionante e imaginativo disfrutable y diferente»; «el guión de esta obra inmensamente entretenida es ágil y audaz»; «homenajea con inteligencia a los mundos del cine y del arte, con, al tiempo, una acción frenética»; «Una de las mejores películas de imaginación europeas, un logro magnífico»

Pues a disfrutarla como merece y a no perdérsela.

Fuentes: FilmAffinity, Wikipedia, cineuropa, Página Oficial del Festival de Cannes.

El tercero de estos nombres propios, dentro de las doce películas ya confirmadas a los medios de la Sección Oficial, es el del fotógrafo y cineasta turco Nuri Bilge Ceylan – cosecha del 59,  con títulos en su haber como ‘Climas’ (2006), Premio Fipresci en Cannes,  ‘Érase una vez en Anatolia’ (2011), Gran Premio del Jurado en el mismo Certamen o ‘Winter sleep’ (2014) Palma de Oro en Cannes –  que cuenta con dichos créditos para que esperemos su última propuesta con interés.

La película a la que nos referimos, la que presenta al Concurso, es ‘The wild pear tree’, coproducción entre Turquía, Macedonia, Francia, Alemania, Bosnia y Herzegovina, Bulgaria y Suecia, de 188 minutos de metraje. En ella se cuenta «la historia de un escritor que regresa a su pueblo natal en Turquía, pero que se siente abrumado por las deudas y problemas que tiene su padre»

Hay que escribir que las aclamaciones, en este caso, han sido unánimes. Se han dicho de ella cosas tales como : «Ceylan es un maestro del drama familiar moral, un drama envolvente que es como ver una novela fílmica escrita con el estilo de Dostoievski o Chéjov»; «Busca una forma fílmica vanguardista sobre el papel de los clásicos en el siglo XXI»; «Una nueva e intensa radiografía del vacío… desarma por su rigor, su contundencia y su amargura» ; «Las tres horas merecen la pena… amable, humana, hermosamente elaborada, socarrona, sensual, lírica, sutil…

Le objetan únicamente su lentitud, marca de la casa, pero, al contrario que en sus películas precedentes, parece ser que esta es muy dialogada y que las secuencias finales merecen la espera.

Pues ya lo saben. Tomen buena nota.

Fuentes: FilmAffinity,  cineeuropa, eam cinema (El antepenúltimo mohicano)

El segundo de estos tres nombres propios de la Sección Oficial es el del escritor y cineasta húngaro Lászlo Némes – cosecha del 77, cuya ópera prima ‘El hijo de Saúl’ obtuvo el Gran Premio del Jurado en Cannes y el Oscar a la Mejor Película de habla no inglesa, en 2015 – que presenta ‘Atardecer’, un drama, ambientado en 1913, en el que una joven de 20, tras haber pasado su infancia en un orfanato, llega a Budapest enfrentándose al rechazo social y laboral, a un secreto familiar y a una convulsa situación política.

De 142 minutos de metraje y Premio Fipresci de la Crítica en Venecia, ha provocado igualmente opiniones encontradas como «que repite los mismos esquemas visuales y narrativos de su película anterior»;  «endiablada experiencia fílmica, con escenarios de una suntuosidad desbordante»; «que resulta confusa, rabiosa y exasperada»; «que tiene un personaje que provoca desconexión al carecer de interés dramático»; «que impresiona visualmente, pero acaba generando confusión»; «que su actriz es espléndida, que es tan desgarradora como asombrosa, que hay belleza en cada fotograma»

Pues dadas tales y tan contrapuestas consideraciones, habrá que verla y posicionarse en consecuencia.

Fuentes: Wikipedia, FilmAffinity y Las horas perdidas.