Archivo mensual: diciembre 2018

… Al contrario de como su personaje se describe a sí misma. Y muy por debajo de la original de Robert Stevenson – cineasta británico, afincado en Estados Unidos,(1905-1986), con títulos notables en su filmografía tales como ‘Jane Eyre’ ( ‘Alma rebelde ‘1944) y ‘Odio y orgullo'(1951), antes de iniciar su colaboración con Disney filmando, entre otras, ‘Un sabio en las nubes’ (1961)  – la icónica ‘Mary Poppins’, (1964).

Basada en una novela de P. L. Travers – cuyos desacuerdos con la adaptación cinematográfica, y con Walt Disney, fueron legendarios y dieron lugar, a su vez, a otra película llamada ‘Al encuentro de Mr Banks’ (‘Saving Mr Banks’, 2013) de John Lee Hancock, con Emma Thompson y Tom Hanks en los principales papeles, reseñada en este blog –  fue nominada nada menos que a 13 premios Oscar, logrando cinco. A saber: Mejor Actriz (Julie Andrews), Mejor Montaje, Mejor Banda Sonora, Mejores Efectos Especiales y Mejor Canción «Chim, Chim, Cher-ee. Datos de Wikipedia.

¿Qué pensaría la dama insobornable que era Pamela Lyndon Travers (1899- 1996) de esta secuela, perpetrada también por la Factoría Disney? Quien esto firma, se teme que nada bueno… y está de acuerdo. Porque, en su opinión, esta propuesta es una operación comercial perfectamente prescindible, aunque muy taquillera, a años luz de su modelo.

Porque, en su opinión, carece del encanto, del carisma, de la emoción y de la magia de la primera. Porque, en su opinión, los temas musicales son muy flojos y desprovistos de la vibración y el magnetismo de los maravillosos anteriores. Porque, en su opinión, el muy aclamado Lin-Manuel Miranda, el farolero, resulta desvaído, pese a lo que se esfuerza, y a una distancia galáctica del Bert original y Ben Whishaw, el padre, más llorón que desolado, pese a lo que se esfuerza.

Por contra, las dos Emilys, Blunt y Mortimer están muy bien. Aunque la primera nunca nos haga olvidar la picardía, la dulzura, la sutileza y los matices interpretativos de Julie Andrews y aunque a la activista que compone la segunda no le hacía falta ningún romance. Y también le gustan los cameos de Dick Van Dyke, Meryl Streep y Angela Lansbury en la que se pensó al principio para el personaje central en la versión original. Y el empaque de David Warner.

130 minutos de metraje. La dirige el director de teatro, cine y coreógrafo estadounidense Rob Marshall, cosecha del 60, con una filmografía que incluye títulos como ‘Annie’ (1999) o ‘Chicago’ (2002). La escribe David Magge sobre la novela de la escritora citada. Muy bien fotografiada por Dion Beebe y sobre la partitura de Marc Shaiman y Scott Wittman ya se ha pronunciado esta firmante. Su factura, dirección artística y efectos especiales son impecables, como cabía esperar.

Escrito queda. Pero que conste también que ha recibido críticas entusiastas y que van a caerle varias nominaciones a los Oscar. Así que juzguen por sí mism@s y véanla.

Aquí tienen el enlace de la crítica de ‘Al encuentro de Mr. Banks’ mencionada al principio:

https://sevillacinefila.com/2014/02/02/al-encuentro-de-mister-banks-con-un-poco-demasiado-de-azucar/

Quienes lean a la titular de este blog, saben que prefiere mil veces ser abstracta a hacer spoiler… Y los secretos de  esta película singular deben ser preservados. En todo caso, debe ser su realizador – el productor de cine, guionista, editor y cineasta japonés Hirokazu Koreeda, cosecha del 62. con títulos en su haber  como ‘Nadie sabe’ (2004), ‘De tal padre, tal hijo’ (2013), ‘Nuestra hermana pequeña’ (2015) o ‘El tercer asesinato’ (2017) –  el que les conduzca, como lo hace, por esos tranquilos, y solo aparentemente digresivos,  meandros del relato, hasta que…

…Hasta que – en clave de drama, de radiografía social de la miseria de delitos mayores y menores en el interior de una institución que es uno de los temas recurrentes de su filmografía, la familia – nos es dado recomponer las piezas que ensamblan la historia.

Una historia en la que un grupo humano unido por fuertes lazos, en el que coexisten varias generaciones, vive tan miserablemente que – pese a los trabajos de ambos progenitores y la pensión de la abuela – se ven obligados a hacer pequeños hurtos. Hasta que un día encuentran a una niña con síntomas de maltrato y desnutrición, y, dado el frío reinante que amenaza con matarla, deciden acogerla en su hogar. A partir de ahí, muchos de sus secretos saldrán a la luz…

Desde el punto de vista de quien esto firma, el realizador se supera a sí mismo en este relato fílmico tan complejo, hermoso, duro, cruel, emocionante y comprensivo con tod@s y cada un@ de los personajes de esta narración coral.

Tan hondo y conmovedor como los vínculos que les unen. La gente a la que describe no pertenece a la clase media, ni mucho menos a la acomodada, como en algunas de sus películas anteriores. Son marginados, delincuentes al por menor y disfuncionales, cuya relación con la legalidad y la moralidad al uso es bastante cuestionable.

Lo que no les impide, y el director sabe retratarlo con enorme lucidez y comprensión, es que la alegría, el afecto, la bondad y el humor estén presentes en su cotidianidad. Lo que no les impide, y el director sabe retratarlo con tanta dureza como credibilidad, es ser infinitamente mejores que quienes ostentan derechos de progenitura y son considerad@s respetables. Aunque conculquen las normas de un sistema socioeconómico salvaje que les ha condenado al ostracismo.

121 minutos de metraje. La escribe y la monta el propio realizador. Su excelente fotografía, tan adecuada a lo contado, es de Ryüto Kondö. Su banda sonora, de la que podríamos decir otro tanto, que suena cuando procede, es de Haruomi Hosono. Su reparto es excepcional. Palma de Oro en Cannes y designada para representar a su país en los Oscar a la Mejor Película de habla no inglesa, la preceden críticas superlativas, múltiples reconocimientos y nominaciones y ES UNA DE LAS ELEGIDAS PARA DEBATIR EN LA PRÓXIMA SESIÓN DE NUESTRA TERTULIA DE CINE LUIS CASAL PEREYRA DEL MIÉRCOLES, 9 DE ENERO, A LAS 19.30, EN CASA DEL LIBRO VIAPOL. VÉANLA CUANTO ANTES.

Todos los honores le son debidos. Nadie, en su sano juicio, debería perdérsela.

Curiosa la coincidencia en las carteleras – en las que han entrado con una semana de diferencia – de dos películas, en clave de comedia romántica, con un contenido de base muy similar. Dos películas en las que se nos narran las relaciones de dos mujeres discapacitadas – una invidente y otra inválida, pero muy autónomas, llenas de optimismo, ganas de vivir y más que solventes en sus respectivas profesiones, osteópata y violinista respectivamente – con dos hombres que no están, sino todo lo contrario, a su altura. Ambos publicistas, por cierto, además de machistas hasta el sonrojo, ligones de vía estrecha y narcisistas  hasta la náusea – sí, son los realmente discapacitados –  que caen rendidos ante sus valores, que por amor se redimen y a los que todo se les perdona…

Una es ‘Acuarela’, de Silvio Soldini, recién reseñada en este blog. La otra, la que nos ocupa, es ‘Sobre ruedas’. Se trata de una producción francesa de 107 minutos de metraje, fechada este mismo año. Escrita, dirigida e interpretada por el humorista y actor, que debuta aquí tras la cámara, Franck Dubosc, cosecha del 63. Su fotografía la firma correctamente, pues en este tipo de propuestas se da por hecha una buena factura, Ludovic Colbeau-Justin y otro tanto se puede decir de la música a cargo de Sylvain Goldberg, Emilien Levistre y Xiaoxi Levistre.

Siendo justa, quien esto firma debe escribir que, estas semejanzas aparte, entre una y otra hay notables diferencias. A favor de la primera, en su opinión. Esta es mucho más zafia, grosera, burda e insoportablemente machista  – incluso aunque sea para retratar a un sujeto maduro y muy salido – especialmente en su primera mitad, donde puede asemejarse a ciertas innombrables comedias españolas de los 70 y 80…

Luego, y pese a todo ello, tiene situaciones divertidas. En gran parte, gracias al buen oficio de un reparto en el que destaca sobre todo una elegante y magnética Alexandra Lamy, el toque de distinción, sin desdeñar al propio Dubosc y a la también estupenda – pese a su triste y tópico papel – Elsa Zylberstein. Pero ese final, tan previsible como injusto …

Con estos mimbres, ustedes mism@s.

Ante esta propuesta del veterano realizador Silvio Soldini, cosecha del 58 – producción italiana de 115 minutos de metraje, cuyo guión escriben el propio director junto a Doriana Leondeff y Davide Lantieri, que fotografía con estilo Matteo Cocco, cuya música, que  subraya el relato, la firma Gianluigi Carloni, cuya puesta en escena es elegante y rehúye los clichés del género y cuyo título original es el de esta reseña – quien esto firma ha tenido opiniones y sensaciones encontradas. Ahora verán por qué.

En lo positivo, por una excelente y luminosa Valeria Golino,  en curioso contrapunto a su nada convencional personaje de osteópata invidente que sabe ver, e intuye muy bien, el color escondido de las cosas. Una mujer fuerte, valiente y autónoma a la que su discapacidad no limita, sino que enriquece y que, lejos de estancarse en la nostalgia de lo perdido o en el drama del presente, destila alegría y humor por todos sus poros.

A lo que la ayuda su irresistiblemente loca y divertida amiga tan bien interpretada por Arianna Scommegna, otro acierto de la película, cuyos ojos están a punto de fundirse en negro. Ambas se ríen de los pequeños desastres provocados por sus inevitables torpezas. Y nos hacen reír con ellas. Pero, siendo mínimamente realistas, tendría que haber un enfoque discrepante, que es el de la joven alumna de la protagonista – una buena composición de Laura Adriani – que se revuelve contra un destino impuesto que la condena.

En el saldo positivo también, junto a tales retratos, está la apuesta por un trato en la relación amorosa, lejos de la solución kleenex de usar y tirar. Un trato que obliga a un publicista promiscuo y egocéntrico – un muy correcto Adriano Giannini, a quien conoce en las visitas a oscuras en las que guía a personas videntes y en su consulta – a la intimidad física y emocional con quien no puede verle, con alguien que rompe sus esquemas, que se adelanta a cada paso y que le obliga a mirar y a sentir de otro modo.

Otra cosa es que intenten limpiar la imagen de un hombre bastante detestable, donjuanesco e inmaduro. Otra cosa es el exceso de subtramas que restan y no suman. Otra cosa es el tufillo misógino de los trazos gruesos en los retratos, superficial y antipático respectivamente, de la amante y la «novia» de semejante casanova. Otra cosa es que no haya llevado este reto a sus últimas consecuencias…

Escrito queda. La pelota, en sus tejados.

A quien esto firma le ha quedado esta entrada tan larga… que la va a dividir en dos partes.

Primera parte: Ralph Fiennes…

Velada de gala la de esta noche en el Teatro Alameda, integrada en la Semana de los Premios del Cine Europeo organizada por el SEFF. Nada menos que el encuentro con el que ha recibido muy justamente el galardón de honor a los logros en su carrera, Ralph Fiennes, que está a punto de cumplir 56 años, y que tiene en su filmografía títulos como ‘Cumbres borrascosas’, ‘La lista de Schindler’, ‘Gran Hotel Budapest’ o ‘El paciente inglés’, entre tantas otros.  .

Un encuentro multitudinario, de entrada libre, con gentes de todas las edades – jóvenes especialmente – que esperaban, desde horas antes, que se abrieran las puertas de la Sala para acceder, verle y también a su tercera película tras la cámara, ‘The White Crow’, estreno mundial en Sevilla ya que solo se ha proyectado en Festivales, que también se comentará en esta entrada.

Un encuentro en el que el actor y realizador se mostró encantador, inteligente, divertido y cercano hablando de sus personajes, de su carrera, de algunos cineastas que le han dirigido y de su propia experiencia al filmar, pero en el que, lamentablemente, el público no pudo hacerle ninguna pregunta. Craso error por cuanto, dado el  talante que exhibió, las hubiese respondido con todo gusto y le hubiese deparado aún más calidez y estímulo a este acto. Much@s de nosotr@s llevábamos ya las cuestiones preparadas a tal fin.

Segunda parte: … y el cuervo blanco

A propósito de su película ‘The White Crow’ (El Cuervo Blanco) – producción británica de 127 minutos de metraje, con guión del prestigioso dramaturgo y cineasta David Hare, que ha adaptado aquí la novela de Julie Kavanagh, cuya excelente fotografía, con las tonalidades cromáticas adecuadas a cada época, es de Mike Eley y su no menos solvente partitura, de Ilan Eshkeri, que se centra en la biografía del bailarín ruso Rudolp Nureyev desde su infancia hasta su deserción al Oeste en 1961 – …

…Ralph Fiennes ha declarado a Kaleem Aftab en cineuropa que: «Creíamos – David Hare, el guionista – y yo que una narración lineal no sería tan interesante, que se podía conseguir un retrato más eficaz de Nureyev  yuxtaponiendo su niñez y sus años de estudiante con las semanas en París… alinear estos tres marcos temporales, todos cronológicos en sí mismos, no hay flashback en ninguno y los tres periodos desembocan en el momento clave en el aeropuerto»

Y así lo hace, para bien, mezclando estos tres itinerarios vitales con lucidez y coherencia interna y rehuyendo, con esta particular puesta en escena, las convenciones de los biopics más conservadores. Y así lo hace, para bien, porque supone un reto para la inteligencia de quien la ve. Pero, por contra y para mal, elimina parte de la tensión – y de la emoción – del relato al dejar tantos puntos suspensivos – aunque luego los retome – en cada etapa. Pero, por contra, para mal y precisamente por ello, resulta innecesariamente dispersa y confusa.

En resumen, a quien esto firma -y pese a reconocerle sus valores estéticos, y de retrato contextualizado en su momento histórico, de un personaje tan detestable como fascinante y pese a reconocerle una elegante puesta en escena y un abordaje del bailarín nada al uso. Pese a todo ello, le ha parecido insatisfactoria, nada intensa, ni emotiva – aunque la secuencia del aeropuerto sí lo sea y esté muy bien resuelta – con un trazo grueso de los villanos de la función , mucho más divertidos en la ‘Ninotchka’, de Lubitsch…, y carente de la complejidad que ese «cuervo blanco», ese artista tan excepcional como persona indeseable, requería.

Salvo en las escenas infantiles, deudoras casi del cine mudo. Y luego está el protagonista que bailará, que lo hace, muy bien, aunque nada que ver con el original. Pero lo que es actuar… En fin, en cualquier caso, deberían verla cuando la estrenen y juzgar por sí mism@s.

Dentro de los actos organizados por la Academia del Cine Europeo, el Festival de Sevilla y diferentes organismos públicos, el Ayuntamiento en especial- de cara a la entrega de los Premios  que concede la primera institución citada, que por primera vez se entregan en esta ciudad y que se harán públicos hoy mismo – quien esto firma tenía un interés muy especial en asistir a la convocatoria de las 11.30 de esta mañana en el Antiquarium de Las Setas.

Se trataba, y transcribo literalmente la información que ha proporcionado a los medios el gabinete de prensa del SEFF, de: «Conferencia y debate: «La igualdad de género es el camino para avanzar». Con la cineasta y directora general del Instituto Sueco de Cine, Anna Serner. Moderado por Wendy Mitchell (periodista y asesora de festivales, UK), y con la participación de Valerie Delpierre (productora, España), Lukas Dhont (director, Bélgica) y Rebecca O’Brien (productora y miembro de la junta directiva de EFA, UK). Entrada libre hasta completar aforo»

Pues bien, la personalidad citada en primer lugar, Anna Serner, realizó su intervención – ayudándose de diapositivas y gráficas que se iban proyectando en una pizarra – ante una sala muy concurrida y entregada que reía con sus incisivos e inteligentes comentarios y escuchaba muy atentamente cuales fueron sus patrones – y los del organismo que preside – a la hora de invertir, o de igualar al masculino, el panorama del cine realizado por mujeres en su país.

O, lo que es lo mismo, promoviéndolo y financiándolo parcialmente en función de esquemas de calidad, riesgo, temática, profundidad e incidencia social de sus propuestas, además de las críticas y su proyección en festivales. Pero no exclusivamente, pues las obras más minoritarias también son apoyadas.

Eso, al menos, y porque ella hablaba un idioma asequible, con ritmo lento y la pizarra ayudaba, creyó entender quien esto firma… Sí, porque este acto tan importante se desarrolló en VERSIÓN ORIGINAL INGLESA SIN SUBTÍTULOS. Dadas las circunstancias, al comenzar la mesa redonda y el debate, esta firmante – que no domina precisamente tal idioma – abandonó la sala llena de frustración y, por qué no decirlo también, de mosqueo.

Cuando le preguntó a la única interlocutora de la organización presente allí, le comentó que EFA, es decir la Academia del Cine Europeo, se había mostrado inflexible al respecto de obviar la traducción simultánea, pues consideraba que el inglés es un idioma universal que tendría que ser dominado en todos los países del Continente. Ello contraviniendo, al parecer de quien esto firma, el respeto a la hospitalidad de la ciudad que los acoge y sus propias pretensiones de integración y de comunicación con el lenguaje como principal herramienta, y no solo el cinematográfico.

Pero en cambio, la velada con Ralph Fiennes – de la que pronto tendrán otra entrada – si contó con una magnífica traductora y era tan abierta al público como esta. Para ese acto, sí. Para este, no…

La mujer que esto rubrica lamenta, además, que no se avisara previamente de esta circunstancia, en ninguno de sus correos, por el equipo de prensa del Festival de Sevilla, sino todo lo contrario por lo que han podido leer más arriba, pues le hubiera evitado el aislamiento de la incomunicación  y la vergüenza de salir de la sala, estando en la segunda fila, nada más comenzar el debate. De verdad, lamentable.

Y para que conste, escrito queda.

Una sesión la de esta noche de nuestra tertulia que es todo un RETO transcribir. Por la profundidad, hondura, penetración, pasión y lucidez de las intervenciones.  Por la película, al final solo una, de la que se habló monográficamente. Por el invitado, Manolo Grosso – quien, entre un interminable y prestigioso currículum, ha sido el creador de la especialidad de Cine Europeo del SEFF, Certamen que dirigió de 2004 a 2007 – y por la invitada, Paqui Maqueda – trabajadora social de profesión, incansable activista de la Memoria, escritora y única andaluza que participó en la llamada Querella Argentina, declarando ante la jueza Servini.

De este extraordinario documental que es ‘El silencio de otros’, de Almudena Carracedo y Robert Bahar, Premio del Público y de la Paz en Berlín, Premio Pare Lorentz y nominado en su categoría a los del Cine Europeo y a los Goya, producido por El Deseo, se han dicho esta tarde-noche cosas muy hermosas y merecidas.

Como que es poético, complejo, emotivo, valiente, necesario, imprescindible… como que debería ser visto obligatoriamente en colegios e institutos. Como que tiene muchas horas de esfuerzo, trabajo y rodaje que fueron filmadas a lo largo de seis años. Como que su proyección es internacionalista y universal propiciada aún más por los hermanos Almodóvar, que se enamoraron del filme nada más verlo. Como que Almudena y Robert, los realizadores, siguieron incansables a esta gente hermosa y luchadora, en sus vidas y en sus muertes durante el proceso como en los casos de María Martín y Carlos Slepoy.

Como que es aún más completa al integrar diferentes décadas, imágenes documentales y actuales, el caso de los bebés robados y el de las víctimas del siniestro torturador Billy el Niño. Como que está muy bien filmada y su factura es impecable, además. Como que es profundamente emotiva y se sale de los parámetros al uso de puesta en escena de este género. Como que sus reivindicaciones y mensajes son muy oportunos ahora, dado los vientos políticos que corren. Como que…

Manolo Grosso aportó su lucidez y sabidurías cinematográfica y jurídica – ha sido profesor titular de derecho penal – al análisis de este documento excepcional que nos ocupa. Y Paqui Maqueda, su pasión, su compromiso, su activismo, su energía y su experiencia familiar de represión, que desconocía, hasta que su madre le reveló que su bisabuelo y sus tíos abuelos habían sido represaliados y asesinados, que su hermano fue robado y su casa de Carmona confiscada. Eso marcó en ella un antes y un después.

Luchadora incansable por los derechos de las víctimas a la Justicia y a la Reparación, también comisariando exposiciones y dando testimonio de la Historia y de las historias en centros de estudio,  ha seguido – como miembro del equipo de ‘El silencio de los otros’ – su paso por ciudades y festivales como el de Berlín. Se ha emocionado ante la jueza Servini sentándose ‘En la silla del criminal’,  título del libro que escribió, en la misma en la que fue interrogado el genocida Videla. Desea también ser testigo de la entrega del Premio del Cine Europeo y de la del cabezón de Goya, ambas cosas en Sevilla…

Presenta su nuevo libro, ‘La cuerda’, que quien esto firma ya tiene, y que podrán adquirir ustedes muy pronto en Casa del Libro Viapol, el próximo viernes, día 14, a las 20 horas, en la librería Casa Tomada en el Muro de los Navarros. Tomen nota y únanse.

El próximo miércoles, 9 de enero, más. Como se nos han quedado inéditas las otras dos películas de esta sesión, las debatiremos más otra elegida. A saber: ‘El veredicto’ (‘La ley del menor’), de Richard Eyre; ‘Tres caras’, de Jafar Panahi , aún en cartelera, si no las han visto ya, HÁGANLO CUANTO ANTES y ‘Un asunto de familia’, de Hirokazu Koreeda, Palma de Oro en Cannes, que se estrenará el viernes, 21 de diciembre. VÉANLA CUANTO ANTES.

Gracias a Casa del Libro Viapol, a Marina Alonso Espejo, a Daniel López, al estupendo equipo de la librería, a Manolo Grosso, a Paqui Maqueda, a los críticos y amigos Alejandro Reche Selas y Enrique Colmena y a l@s mejores tertulian@s del mundo mundial por una velada reivindicativa, emotiva y memorable. GRACIAS, GRACIAS, GRACIAS Y MUY FELICES FIESTAS.

Quien esto firma va a comenzar esta crítica al revés. Porque fue a ver esta película con todas las prevenciones y, sin embargo, le resultó bastante digna. Incluso comedida para el tema que trata… Porque, para el tema que trata, no se desarrolla en ambientes marginales, aunque inevitablemente se interne en ellos, sino en el de una burguesía más bien acomodada- pero no rica, ni millonaria al uso – con sólidos principios éticos y valores.

Porque, para el tema que trata, resulta, siendo un drama familiar y con pretensiones de llegar a un público muy amplio, bastante austero de fondo y de forma. Incluso prescinde de la banda sonora en muchas ocasiones y su puesta en escena – que subraya la tensión creciente del relato – no es, sin ser transgresora, nada convencional con planos y enfoques que muestran el pathos de un grupo humano, unido por fuertes lazos, al que zarandea una fatalidad que comenzó con una inocente visita médica y… quien esto firma no va a hacer spoiler.

Porque, para el tema que trata – un adolescente adicto, en rehabilitación, que vuelve a casa inesperadamente la víspera de Navidad y que dados los conflictos que ha ocasionado a su familia – su madre, su hermana y sus hermanos pequeños, niño y niña, afroamericanos como su padre y padrastro del protagonista, otra unión interracial vista en el cine norteamericano últimamente – la progenitora, que no se fía de su aparente mejoría, pacta con él seguirlo a todas partes y requisarle cuantas medicinas y productos puedan ocasionar su recaída – no incurre en esquematismos gruesos.

Porque para tratarse del tema que se trata, cuando todo se complica con el asalto violento a la casa y el robo del perro familiar y madre e hijo se internan en los turbios mercados de la droga en busca del secuestrador, no incurre en maniqueísmos simplistas.

Antes al contrario, revela la otra cara del vecindario, de los antigu@s compañer@s de instituto, de los irreversibles y de quienes perdieron definitivamente la batalla. Sí, hay un villano, pero no solo víctimas, también cómplices, como el propio personaje central que carga sobre sus espaldas con sus propias culpas. Hay una madre amantísima, dispuesta a todo. Pero también comprensión y lucidez hasta en quienes tendrían todo el derecho a odiar(le). Y un final tan inquietante como abierto…

98 minutos de metraje. Escrita y dirigida por el novelista, productor, dramaturg y cineasta norteamericano Peter Hedges -cosecha del 62, que tiene en su haber la notable ‘Retrato de April’ (2003) – muy bien fotografiada por Stuart Dryburgh y con una buena partitura, que no se impone, de Dickon Hinchliffe. Con dos poderosas interpretaciones de Julia Roberts y Lucas Hedges, uno de los actores jóvenes más dotados de su generación como demostrara en ‘Tres anuncios en las afueras’ o ‘Manchester frente al mar’ e hijo del realizador.

Yo, que ustedes, no me la perdería.

Cuando quien esto firma escribe estas líneas, el sábado, 8 de diciembre, aunque las publique hoy, domingo, 9, todavía no se han dado a conocer las candidaturas de unos Premios, los más importantes del cine español y que por vez primera se celebrarán en Sevilla. Unos Premios que sistemáticamente han ignorado a las directoras y a otras técnicas, excepto en las categorías tradicionalmente consideradas como «femeninas», tales como maquillaje, vestuario, peluquería…

Pero este año debería cambiar drásticamente este estado de cosas. Porque hay – SIN PRETENSIONES DE EXHAUSTIVIDAD, Y PIDIENDO DISCULPAS PORQUE NO ESTÉN TODAS LAS QUE SON, PUES LAS EXCEPCIONES SON BÁSICAMENTE  LAS NO ESTRENADAS  EN SEVILLA – miradas fílmicas de mujeres muy a tener en cuenta. Miradas fílmicas de mujeres que deberían figurar en los apartados de Mejor Película, Mejor Dirección Novel y Mejor Dirección. Algunas miradas de las que ya se han hecho eco las nominaciones a los Premios Feroz y cuya fuente es el listado completo de la página oficial de estos galardones.

También en los apartados Guión Original, Música Original, Fotografía, Documental, Montaje y Dirección Artística hay nombres de mujer que deberían ser destacados. Se insiste, no todos los nombres, por las razones anteriormente citadas. Vamos a enumerarlas, teniendo en cuenta que el orden de los factores no altera el producto. Y LAS COMPARAMOS HOY , VÍSPERA DE LA GALA DE LOS GOYA, CON LAS QUE FINALMENTE FUERON ELEGIDAS COMO CANDIDATAS POR LA ACADEMIA. Salvo en Dirección Novel, el resultado es DESCORAZONADOR. PASEN, LEAN Y SAQUEN SUS PROPIAS CONCLUSIONES.

Mejor Película:

‘Viaje al cuarto de una madre’, de Celia Rico

‘Carmen y Lola’, de Arantxa Echevarría

‘Las distancias’, de Elena Trapé

‘El fotógrafo de Mauthausen’, de Mar Targarona

‘El silencio de otros’, de Almudena Carracedo y Robert Bahar.

DE ESTAS OPCIONES, LA ACADEMIA SOLO CONSIDERÓ A ‘CARMEN Y LOLA’, DE ARANTXA ECHEVARRÍA.

Mejor Dirección:

Celia Rico por ‘Viaje al cuarto de una madre’ (también incluida en el listado de la Academia para posible Mejor Dirección Novel)

Arantxa Echevarría por ‘Carmen y Lola’ (Igualmente incluida para posible Mejor Dirección Novel)

Mar Targarona por ‘El fotógrafo de Mauthausen’

Elena Trapé por ‘Las distancias’

DE ESTAS OPCIONES, LA ACADEMIA NO ESCOGIÓ NINGUNA.

Mejor Guión Original:

Arantxa Echevarría por ‘Carmen y Lola’

Celia Rico por ‘Viaje al cuarto de una madre’

Elena Trapé, junto a Josan Hatero y Miguel Ibáñez Monroy, por ‘Las distancias’

DE ESTAS OPCIONES, LA ACADEMIA SOLO ESCOGIÓ LA PRIMERA.

Mejor Música Original:

Nina Aranda por ‘Carmen y Lola’

ESTA OPCIÓN NO FUE CONSIDERADA POR LA ACADEMIA.

Mejor Canción Original:

‘Tres locuras’, compuesta e interpretada por Silvia Pérez Cruz para ‘La noche de 12 años’

‘No me ves’, de Manuela Vellés para ‘Alegría, tristeza’

‘Punk’, de Najwa Nimri para ‘El árbol de la sangre’

DE ESTAS OPCIONES, LA ACADEMIA NO ESCOGIÓ NINGUNA.

Mejor Dirección de Fotografía:

Almudena Carracedo por ‘El silencio de otros’

Nina Aranda por ‘Carmen y Lola’

Héléne Louvart por ‘Petra’

DE ESTAS OPCIONES, LA ACADEMIA NO ESCOGIÓ NINGUNA.

Mejor Montaje:

Elena Ruiz Guitart por ‘El árbol de la sangre’

Teresa Font por ‘La enfermedad del domingo’

Liana Artigal por ‘Las distancias’

Lucía Casal por ‘Petra’

DE ESTAS OPCIONES, LA ACADEMIA NO ESCOGIÓ NINGUNA.

Mejor Dirección Artística:

Laura Musso por ‘La noche de 12 años’

Pilar Quintana por ‘Animales sin collar’

Soledad Seseña por ‘Carmen y Lola’

Montse Sanz por ‘El árbol de la sangre’

Rosa Ros por ‘El fotógrafo de Mauthausen’

Sylvia Steinbrecht por ‘La enfermedad del domingo’

Nora Willy y Vanessa Locke por ‘Las distancias¡

Victoria Paz Alvárez por ‘Petra’

Laia Ateca Font por ‘Quien te cantará’

Mª Clara Notari por ‘Todos lo saben’

Celia Rico por ‘Viaje al cuarto de una madre’

DE ESTAS OPCIONES, LA ACADEMIA ESCOGIÓ A ROSA ROS POR ‘EL FOTÓGRAFO DE MAUTHAUSEN’

Mejor Documental:

‘El silencio de otros’, de Almudena Carracedo y Robert Bahar.

ESTA OPCIÓN SÍ FUE ESCOGIDA POR LA ACADEMIA.

EN LA DE MEJOR DIRECCIÓN NOVEL ES DONDE ÚNICAMENTE LA ACADEMIA HA DESTACADO A LAS MUJERES. A saber:

Andrea Jaurrieta por ‘Ana de día’

Arantxa Echevarría por ‘Carmen y Lola’

Celia Rico por ‘Viaje al cuarto de una madre’

Y todo ello sin mencionar las no vistas y de entrada, según sus referencias, más que interesantes como, entre otros ejemplos, ‘Los amores cobardes’, de Carmen Blanco; ‘El proxeneta. Paso corto, mala leche’, de Mabel Lozano o ‘Todos los caminos’, de Paola García Costas, con todas las candidaturas por categorías que, a su vez, pueden generar.

El próximo miércoles, 12 de diciembre conoceremos las nominaciones. Unas nominaciones que deberían tener nombres de mujer. La Academia tiene donde elegir. Efectivamente, tenía donde elegir pero…

…PERO, COMO HAN PODIDO COMPROBAR, LA ACADEMIA, DE NUEVO, HA OLVIDADO A LAS MUJERES CON LAS EXCEPCIONES CITADAS.

El realizador iraní Jafar Panahi, cosecha del 60, es uno de los cineastas integrados en la llamada Nueva Ola de su país y de los más influyentes y prestigiosos a nivel internacional. En su filmografía, encontramos títulos tales como ‘El globo blanco’ (1995), Cámara de Oro en Cannes, ‘El círculo’ (2000), León de Oro en Venecia y FIPRESCI en San Sebastián, ‘Offside’ (2006) Oso de Plata en Berlín… entre otros tan premiados como aplaudidos.

Pues bien, este hombre ha sufrido, y sufre, persecución por parte de la teocracia fascista y misógina que gobierna Irán. Ha sido dos veces encarcelado, también junto a su familia. Ha hecho huelga de hambre en la cárcel. Se le ha retirado el pasaporte y prohibido filmar. También viajar fuera de su país. Todo ello desde 2010. Desde entonces, está en arresto domiciliario, pese al clamor internacional por su intolerable situación, por parte de colegas de renombre y pese a lo cual – admirablemente – se las ha ingeniado para rodar, EN LA CLANDESTINIDAD, con todos los riesgos que conlleva y con todas las consecuencias.

Estas circunstancias tan aberrantes son ya, de entrada, un valor añadido para la película, de 100 minutos de metraje, producida, escrita, junto a Nader Saelvar e interpretada por el propio director y Mejor Guión ex aequo en Cannes.  Un valor personal, ético y político.

Pero la historia de una famosa actriz iraní – que recibe un video más que inquietante de una chica que vive en una aldea perdida entre montañas y cuya familia no la deja irse a Teherán para estudiar en el Conservatorio – que convence al realizador para ir hasta allí y descubrir qué ha ocurrido con ella, tiene además cualidades intrínsecas que ahora se destacarán.

Tres caras, tres mujeres de tres generaciones diferentes, que representan a quien ha sido, quien lo es y quien pretende ser actriz respectivamente. Una marginada y maldita, de la que se habla pero a la que nunca vemos; otra en la cima de su popularidad, que llega a los confines más remotos, por donde transitan y la tercera, cuyo destino pende del orden patriarcal. Jafar Panahi se posiciona, siempre lo ha hecho, inequívocamente contra la feroz opresión de sus compatriotas.

Pero su mirada fílmica prohibida se detiene también en ese Irán profundo que destila todas las esencias arcaicas, opresoras y oprimidas. En el que sus gentes, hombres fundamental aunque no únicamente, son tan hospitalarias como hostiles, tan receptivas como desconfiadas, tan deseosas de novedades como cerradas y endogámicas. Es una mirada irónica, aunque empática, que destila humor – ese prepucio… –  ante tal paisanaje pero nunca hace sangre.

Entre la ficción y la realidad, entre la road movie, el thriller y el documental, otro agudo retrato de un cineasta censurado y valiente, que ama a las mujeres. Que, como en ‘Taxi’, se interpreta a sí mismo entre la persona y el personaje, muy bien acompañado por una excelente Behnaz Jaffari y la muy solvente Maedeh Erteghaei, además del reparto coral ya descrito.

Es una de las elegidas para debatir en la próxima sesión de nuestra tertulia de cine Luis Casal Pereyra del próximo miércoles, 12 de diciembre, a las 19.30, en Casa del Libro Viapol.

No dejen de verla.