Archivo mensual: octubre 2019

Festival de Cine de Sevilla,16 Edición. Sección Oficial: Segunda Hoja de Ruta

En esta entrada se continúa el repaso – con visiones críticas independientes a las del Certamen – a la oferta de programación de la Sección Oficial. A saber:

‘Atlantis’, de Valentin Vasyanovych. Ucrania. 106 minutos. Ambientada en el futuro cercano de un país devastado por la guerra donde un soldado, aquejado de estrés postraumático, con problemas de adaptación y que pierde su empleo, va a recomponerse uniéndose al grupo Tulipanes Negros que exhuman los cadáveres de la contienda. Se ha escrito sobre ella: íntimo estudio de personajes, poderosa exploración, puro cine de autor, alto impacto visual, poética, pero requiere paciencia…

‘La famosa invasión de los osos en Sicilia’, de Lorenzo Mattotti. Coproducción entre Francia e Italia. 82 minutos. Se trata de la versión animada – nuevamente, la animación en el Concurso – de un cuento de Dino Buzzati, en el que se dirime una lucha de osos contra cazadores en las montañas sicilianas, a partir de la captura por estos del hijo del rey. Ya suponen de qué lado está la animalista que esto firma… Se ha escrito sobre ella:  colorida, elegante, moderna, joya del género y apta para públicos de todas las edades…

‘Little Joe’, de Jessica Hausner, la tercera mirada de mujer, no hay más entre 18 títulos… en esta Sección. (Hausner ganó además el Giraldillo de Oro del SEFF con ‘Lourdes’ en 2009). Coproducción entre Austria, Reino Unido y Alemania. 100 minutos. Sobre una madre soltera que cría plantas y descubre nuevas especies. Entre ellas, una cuyo consumo parece garantizar la felicidad y por eso le lleva una ilegalmente a su hijo, pero… Se ha escrito sobre ella: fábula moral hiriente y cruel sobre la obligatoriedad de la felicidad, coherente, irónica, cínica, sofisticada, inquietante, hipnótica, extraña, desigual…

‘Tommaso’, de Abel Ferrara. Italia. 115 minutos. Artista estadounidense que vive en Europa con su mujer e hija. Se ha escrito sobre ella: cine terapeútico, sincero, valioso, su obra más personal, demasiado larga y austera, colección de escenas grabadas con prisa…

‘Gloria Mundi’, de Robert Guédiguian. Francia. 107 minutos. Una familia trabajadora se reúne en Marsella para celebrar el nacimiento de la pequeña Gloria y se les ocurre montar un negocio ante los duros tiempos que corren. Se ha escrito sobre ella: inverosímil catálogo de desgracias, villanos grotescos, maniquea, se sabe cargada de razón, sincera y mordaz reflexión sobre el cansancio y la desesperanza de la clase obrera, obra sólida aunque menor… Ariane Ascaride ganó por ella el Premio a la Mejor Actriz en Venecia.

‘Martin Eden’, de Pietro Marcello. Coproducción entre Italia, Alemania y Francia. 125 minutos. Basada en la obra homónima de Jack London, el protagonista es un joven marinero que salva la vida de otro rico, quien le invita a compartir su mundo y con ello le permite acceder a su vocación literaria y enamorarse. Se ha escrito sobre ella: sublime película río, apabulla, deslumbra, fuerza de la naturaleza, huracán cinematográfico, narrativa intelectual díficil de manejar, personajes poco profundos, celebra la vitalidad de la clase obrera napolitana…

Continuará…

Festival de Cine de Sevilla,16 Edición. Sección Oficial: Primera Hoja de Ruta.

En estas entradas se repasará, como se ha hecho en años precedentes, toda la oferta de la Sección Oficial del SEFF – que tendrá lugar del 8 al 16 de noviembre, incluído el domingo electoral… – como se ha hecho otros años. Especificar que las críticas, o titulares de críticas, de las películas que la componen, están extraídas de páginas independientes. Fundamentalmente de la imprescindible FilmAffinity, pero también de labutaca.net, de Cine Europa o de Cine Maldito. A partir de ellas y de sus sinopsis, junto a la de los nombres propios – hay bastantes… – que las firman, pueden hacer ustedes su selección a menos de un mes del comienzo de este gran Encuentro cinematográfico sevillano.

18 películas a concurso, de las que tan solo tres están dirigidas por mujeres… A saber, analizándolas una por una:

‘Madre’, de Rodrigo Sorogoyen. España. 129 minutos. Sesión de Apertura: Parte de un corto del realizador en la que una mujer pierde a su hijo en circunstancias inquietantes. En este largometraje, la recuperamos años después cuando cree verlo. Se ha escrito sobre ella: diferente, buen control de los ritmos emocionales, con una estética impresionante, ambigua, escindida, errática, demasiado estirada de metraje… Su protagonista, Marta Nieto, recibió el Premio a la Mejor Actriz en la Sección Orizzonti de Venecia.

‘De repente, el paraíso’, de Elia Suleiman. Coproducción entre Palestina, Francia y Canadá. 97 minutos. Mención Especial del Jurado y Premio FIPRESCI de la Crítica Internacional en Cannes. Elegida por Palestina para optar a los Oscar. El realizador se interpreta a sí mismo en su viaje a París y Nueva York. Se ha escrito sobre ella: una mirada política, satírica, dotada de un humor absurdo, apenas hay hilo narrativo pero sí observaciones muy inteligentes, minimalista, aguda, ingeniosa…

‘Sinónimos’, de Nadav Lapid, quien ya ganara el Giraldillo de Plata con ‘La profesora de parvulario’ (2014). Coproducción entre Israel y Francia. 123 minutos. Basada en experiencias autobiográficas del director, sigue a un joven que llega a Francia deseoso de integrarse y olvidar sus orígenes. Oso de Oro y Premio FIPRESCI en Berlín. Se ha escrito sobre ella: divertida, frustrante, intensa, febril, desatada, hilarante,  con un torrente de significados personales y políticos…

‘Dios existe, su nombre es Petrunija’, de Teona Strugar, una de las miradas de mujer de esta Sección. Coproducción entre Macedonia, Bélgica, Francia, Croacia y Eslovenia. 100 minutos. Una tradición ancestral en la que quien encuentre una cruz tendrá suerte de por vida es ganada por una mujer y el entorno machista y religioso no lo tolera. Se ha escrito sobre ella: divertida, clara y rotunda radiografía del machismo ancestral, ambiciosa pero decepcionante, mordaz, enérgica, superficial, final apresurado…

‘La Gomera’, de Cornelio Porumboiu. Coproducción entre Rumanía, Francia y Alemania. 97 minutos. Policía chivato de la mafia que viaja a esta isla para aprender el silbo autóctono como medio de comunicarse con los delincuentes y conocer el paradero de 30 millones de euros escondidos. Se ha escrito sobre ella: enfebrecida, desquiciada, cruda, aburrida, libre, inclasificable, con traspiés narrativos…

‘Sibyl’, de Justine Triet, otra de las miradas de mujer de esta Sección. Francia. 100 minutos. Una terapeuta que deja su consulta para dedicarse a su vocación literaria cuando una actriz le pide ayuda profesional y ello cambiará su vida. Se ha escrito sobre ella: elegante, bien diseñada, con aires de ‘Otra mujer’ de Woody Allen, superficial, inverosímil, ingeniosa, pieza de orfebrería…

Continuará…

Miradas de mujer que la cartelera se llevó. ‘La directora de orquesta’: Batutas masculinas

Antonia Brico (1902-1989) fue una música holandesa, emigrada a Estados Unidos, dotada de un excepcional talento para el piano y para la dirección de orquesta, que vivió en una época de especiales dificultades para las mujeres en general y para las artistas, como fue su caso, en particular. En una época, que aún es esta en pleno siglo XXI, en la que las batutas eran masculinas, como las bandas y grupos en general,  y resultaba tan inconcebible como insultante que pudiera detentarlas una mujer al frente de ejecutantes varones.

Además de todo ello, no tuvo unos comienzos fáciles pues sus progenitores no la trataban  bien y eran hostiles a que desarrollara sus dotes. Luego, al saber que fue casi forzadamente adoptada y que su madre biológica, una adolescente que murió siendo muy joven, no la abandonó voluntariamente, decidió emanciparse. Tuvo que hacer frente a incontables dificultades.

Tuvo que malvivir y ganarse la vida como podía. Tuvo que, literalmente, mendigar a los prohombres de su tiempo la formación que necesitaba en un ambiente contrario a sus sueños creadores. Ejerció también la docencia y una de sus alumnas, la cantante de folk Judy Collins, dirigió un documental sobre ella en 1971 titulado ‘Antonia: Retrato de la Mujer’… hasta llegar a la guionista, productora, ayudante de dirección y realizadora holandesa Maria Peters, cosecha del 58 con 26 años de carrera en su haber y títulos como ‘Sonny boy’ (2011) en su filmografía, quien le rindió su tributo con esta película.

En esta película, que se inicia siendo la protagonista una chica muy joven, se narran tales datos biográficos citados. A los que se añaden su lucha y persistencia por conseguir su lugar en el mundo musical. A los que se añaden que dirigió, con gran éxito de público y crítica,  contando con 28 años, la Filarmónica de Berlín, a las que siguieron – en Estados Unidos- la San Francisco Simphony Orchestra y la Musician Simphony Orchestra en el Metropolitan House.

Pero, como también se nos muestra aquí,… su carrera estuvo siempre erizada de dificultades con pocas actuaciones y en algunas de ellas tuvo que arreglárselas para, con su grupo de amistades, vender las entradas y con solistas que no querían ser conducidos por una mujer. Pero, como también se nos muestra aquí…, tuvo que luchar sin desmayo contra el recalcitrante machismo de su tiempo.

También se nos da cuenta de que fundó, en 1934, para demostrar las dotes de sus compañeras con todos los instrumentos, la New York Women’s Simphony que tuvo el madrinazgo nada menos que de a la sazón primera dama Eleanor Roosvelt y del alcalde La Guardia. Datos de Wikipedia, además de los del  propio filme.

Lo mejor de ‘La directora de orquesta’ es su homenaje a esta mujer excepcional, su visibilización de una artista y luchadora extraordinaria en clave de gran espectáculo, en clave accesible para todos los públicos. Lo peor es que la recorre un romance almibarado, que es convencional, incluso ramplona y sentimentaloide en más de una ocasión. Que le sobra metraje y se toma su tiempo en llegar a lo esencial. Aunque también contenga momentos vibrantes.

Países Bajos, fechada en 2018, 137 minutos de metraje, correctamente fotografiada por Rolf Dekens y con una partitura ad hoc, piezas clásicas aparte, de Quinten Schram y Bob Zimmerman. Su actriz principal, que además es pianista, Christanne de Bruijn, lo da todo.

Pues ya lo saben, háganle un tributo a Antonia Brico y háganse con ella.

 

Miradas de mujer que la cartelera se llevó.’Señor’: Clases versus afectos

Esta película que nos ocupa – coproducción entre India y Francia, de 96 minutos de metraje, escrita y realizada por la productora, guionista y cineasta hindú Rohena Gera, cosecha del 73, cuyo documental “What’s love got to do with it?” (2013) y ópera prima era una visión sarcástica y crítica de las interrelaciones entre clases, castas y géneros; bien fotografiada por Dominique Colin y con una brillante banda sonora ad hoc de Pierre Aviat – tiene algún punto en común con otra coproducción de este mismo país, esta vez con Alemania y Estados Unidos, ‘Tu fotografía’, de Ritesh Batra, una sensible y singular propuesta que quien esto firma no llegó a reseñar en estas páginas.

Aunque en esta última la relación desigual no estaba marcada por la servidumbre del varón y la diferencia de clases, y educación, era a favor de la mujer lo que resulta un elemento diferenciador fundamental. En esta que nos ocupa, una joven – que se queda viuda tras un matrimonio concertado, y que debe ocuparse, como es tradicional en su país, no solo de ayudar a su propia familia biológica, sino también a la política so pena de ser repudiada – está al servicio de un joven rico y cosmopolita, ha vivido en Estados Unidos, que ha rechazado a su novia al pie del altar por una infidelidad de ella. Ambos conviven, juntos pero no revueltos, en casa del patrón y el acercamiento es inevitable.

A través de la imposibilidad de clase, de casta y de género de una relación – no ya radicalmente desigual – sino sencillamente de una relación que no esté marcada por las estrictas convenciones jerárquicas y patriarcales de una sociedad fundamentalista, la realizadora retrata este vínculo condenado en clave no solo romántica sino social y política. Este es uno de los grandes aciertos de esta película.

También lo son la elegancia, la delicadeza y la sensibilidad con las que está visto el proceso de descubrimiento mutuo, de atracción y de enamoramiento. Con la que están vistas las personalidades del uno y de la otra. Del que lo tiene todo y está apático y depresivo y de quien lo tiene todo en contra – hasta un aprendizaje laboral con el que sueña – y sigue adelante sin decaer. E incluso la conciencia de clase que se despierta en la mujer, que no es solo la aceptación de unas normas odiosas sino la recuperación de su autonomía y dignidad. Y ese final…

Merece la pena. Háganse con ella.

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‘Joker’: El paria oscuro

Quien esto firma, se confiesa nada aficionada y nada experta a-en los superhéroes. Con algunas notables excepciones como, entre otras, ‘El caballero oscuro’, de Christopher Nolan, (2008), con quien esta que nos ocupa tiene ciertas concomitancias, pese a sus radicales diferencias. En aquella, todos los personajes estaban situados en el tablero del relato como adultos, con Batman de líder, las fuerzas del orden y la gran esperanza blanca del Fiscal del Distrito, para salvar a Gotham de las garras del Mal encarnado en el Joker.

Aquí Batman no es sino un niño tímido – Bruce Wayne, apenas entrevisto, perteneciente a una de las mejores familias de la ciudad, sin dotes sobrehumanas aparentes – cuyo padre implacable y todopoderoso tiene ambiciones políticas. Y el villano, ah, el villano, no es sino un paria tan oscuro como conmovedor, tan inquietante como vulnerable, tan humillado como decidido a sobrevivir, llamado Arthur Fleck. Sí, en el lenguaje de los géneros a este intenso y poderoso drama se le llamaría precuela. Aunque, de hecho, trascienda tal cliché y no sea, en absoluto, una película de superhéroes.

En efecto, la historia de este payaso – que malvive en condiciones ínfimas en una Gotham más neoyorquina que nunca, con su madre a la que cuida y que alimenta en él unas fantasías de filiación y cambio de vida -… La historia de un hombre atormentado y emocionalmente enfermo, a quien paradójicamente su progenitora llama “Happy” (feliz), con una risa inquietante, compulsiva y aterradora que es un tic involuntario cuando las desdichas e injusticias se ceban en él, lo que le ocurre casi siempre…

La historia de un ser marginal que fracasa en sus tentativas profesionales porque aburre, no hace reir, provoca miedo y hasta es expulsado, por una circunstancia que ya conocerán, de su actuación más querida y vocacional, donde tiene su público, de un hospital infantil…

La historia de un desarraigado, muy a su pesar, que es burlado y ofendido por todo ello hasta en un programa de televisión cuyo conductor es su ídolo… La historia de un hombre que vive en una época – está ambientada en los 80, pero refleja el presente y hasta una posible distopía futurista – clasista, hostil y feroz con los desheredados como él al que le niegan el afecto, el respeto, la dignidad y hasta la medicación… La historia de una criatura sensible y bondadosa, pero anómala, que despierta nuestra empatía y que se convierte, tras todo ello, en asesino de seres despreciables, en vengador de tantos hijos de la miseria como él y que borra a Arthur para ser el Joker…

Esta es una historia, potente, tenebrosa, cruel, terrible con un trasfondo político y social de calado. Es una historia absorbente, intensa, aterradora y emotiva que denuncia las carencias médicas y asistenciales, las enormes desigualdades que coexisten en los extremos de la escala social en un país de economía ultraliberal al servicio de los ricos y poderosos.

Producción estadounidense de 121 minutos de metraje. Dirigida, y coescrita junto a Scott Silver, por el productor, guionista, actor y realizador Todd Phillips, cosecha del 70, responsable de las tres entregas de ‘Resacón en Las Vegas’ y también de la última versión de ‘Ha nacido una estrella’ (2018); fotografiada con excelencia por Lawrence Sher y con una notable banda sonora de Hildur Guönadottir. Con un reparto amplio y atractivo, en el que Robert de Niro tiene un pequeño pero sustancial papel, y con un Joaquin Phoenix más grande que la vida, desgarrado e inmenso, quien ya es un seguro candidato al Oscar.

León de Oro a la Mejor Película en Venecia  Que no se les escape.

 

‘Mientras dure la guerra’: Banderas de nuestros padres

Una persona – cuyo nombre se omite por razones obvias y que se define como “periodista, comunicador, guionista, productor, crítico y cinéfilo…”  entre otras cosas – ha escrito un divertido e irónico tuit en esa red social, a propósito de esta película,  que dice así: “Voy a posicionarme en una butaca de forma equidistante entre la puerta y la pantalla para ver #MientrasDureLaGuerra”. Quien esto firma suscribe, aunque no sepa si por las mismas razones, y ahora entrará en detalles…

También suscribe lo comentado, a nivel feminista, sobre la ausencia de mujeres como sujetos políticos, luchadoras y militantes – que haberlas habíalas y muy notables, en aquel tiempo –  en este relato fílmico. Sí aparecen, por contra, y alguna retratada muy dignamente, como madres, esposas, hijas, tías y hermanas siempre en función de sus maridos, padres, hijos, sobrinos… Y sobre lo escrito acerca de las inexactitudes históricas que contiene. Aunque Alejandro Amenábar – productor, guionista, compositor y cineasta hispano chileno, de la cosecha del 72, con títulos en su haber como ‘Tesis’ (1996),  ‘Mar adentro ‘ (2004) o Ágora (2009), ganador de múltiples Goya y hasta de un Oscar por la segunda citada –  haya declarado que ha dotado de algún contenido drámatico de ficción a los hechos reales,  si bien se documentó con profesionales cualificados y respetó lo esencial.

Lo que a quien esto firma le incomoda personal, intransferible y profundamente de esta su última propuesta – producción española de 107 minutos de metraje, escrita por él mismo y Alejandro Hernández, con una notable fotografía de Álex Catalán y lo mismo puede decirse de la banda sonora del propio director así como de su factura y puesta en escena elegantes, clásicas e impecables – es la pretendida objetividad ideológica que desprende o lo que se suele llamar equidistancia. Porque quien esto firma cuestiona muy mucho ambos supuestos. Porque quien esto firma cree que no es incompatible la complejidad de pensamiente con la toma de partido. En cuanto a Carmen Polo…

Porque a quien esto firma piensa que hablar, como ha hecho su firmante en unas declaraciones, de la “tercera España”, no es de recibo en un país que no ha superado el fascismo. Un país en el que se blanquea a partidos neofranquistas, violentos, racistas, clasistas, anti LGTBI y machistas, que están en las instituciones mientras que a las víctimas del dictador genocida se les niega una sepultura digna, la Memoria, la Verdad, la Justicia y la Reparación. Porque para quien esto firma, Unamuno representó una postura ideológica, intelectual y política – fue concejal franquista, algo que el film omite – con la que está en radical desacuerdo, pese a los matices críticos – tibios…, manifestados casi al final de su vida – que se le confieren.

En el saldo positivo, ya hemos hablado de su factura impecable y de su puesta en escena, con excepción de los almibarados e innecesarios flashback de la juventud del autor. Pero también habría que hacerlo de su valor y honestidad en el ejercicio de la libertad de expresión de su firmante; de su enfoque en el principio del golpe de Estado en paralelo el ascenso de Franco y la evolución ideológica del escritor; de los matices conferidos a la figura del llamado Caudillo; de las luchas de poder entre los generales afines, con sus diferentes personalidades. Y de un reparto en estado de gracia en el que destacar a Karra Elejalde, Santi Prego, Nathalie Poza, Luis Bermejo, Tito Valverde e Inma Cuevas. Eduard Fernández, pese a su probada solvencia interpretativa, está tan excesivo como paródico.

La debatiremos EL MARTES, 5 DE NOVIEMBRE – HEMOS DEBIDO ADELANTAR UN DÍA LA SESIÓN, VEAN LA ENTRADA ANTERIOR DE ESTE BLOG AL RESPECTO – A LAS 19.30, EN CASA DEL LIBRO VIAPOL EN NUESTRA TERTULIA DE CINE LUIS CASAL PEREYRA. VÉANLA CUANTO ANTES Y VÉANLA EN CUALQUIER CASO.

 

Tertulia de cine Luis Casal Pereyra en Casa del Libro Viapol. Sesión de noviembre: MUY IMPORTANTE, CAMBIO DE DÍA

La Casa del Libro comunicó ayer a esta firmante, coordinadora de la tertulia de cine Luis Casal Pereyra, que por un compromiso ineludible surgido en ese mismo día habría que cambiar la fecha de nuestro encuentro de noviembre. ASÍ QUE, EN LUGAR DEL MIÉRCOLES, 6, LA CITA PARA LA PRÓXIMA SESIÓN SERÁ EL MARTES, 5 DE NOVIEMBRE, A LAS 19.30, EN CASA DEL LIBRO VIAPOL.

Recordamos las películas elegidas para debatir. A saber:

‘Mientras dure la guerra’, de Alejandro Amenábar. En cartelera desde la semana pasada. HAY QUE VERLA CUANTO ANTES.

‘Sorry, we missed you’, de Ken Loach, que se estrena el 31 de octubre, cinco días antes de nuestra cita. HAY QUE VERLA INMEDIATAMENTE.

Y ‘La trinchera infinita’, de Jon Garaño, Aitor Arregi y Jose Mari Goenaga, que entra también el 31 de octubre. HAY QUE VERLA INMEDIATAMENTE.

También, dada la proximidad del Festival de Cine Europeo, que se celebrará entre el 8 y el 16 de noviembre, haremos, como casi todos los años, las recomendaciones pertinentes de su programación.

El-la invitad@ está aún por confirmar.

Pues ya lo saben, de manera excepcional, nuestro próximo encuentro será el martes, 5 de noviembre, a las 19.30, en Casa del Libro Viapol. Promete muchísimo y no pueden perdérselo. Les esperamos.

Tertulia de cine Luis Casal Pereyra en Casa del Libro Viapol. Temporada 8: Estreno en violeta del curso y de la temporada

No han podido tener un estreno mejor el curso y la temporada de nuestra actividad. Por las dos películas, tan potentes, elegidas. Por la invitada – todo un lujo y un honor, Carmen Pombero, guionista, autora, dramaturga, actriz y cineasta entre un inabarcable, prestigioso y premiado currículum que pueden leer en su página web carmenpombero.com, cuya generosidad la hizo cumplir con el compromiso adquirido con la tertulia pese a tener a su hijo enfermo – por la calidad de las exposiciones y los debates, por la intensa y estimulante participación. Además de la maravillosa sorpresa para esta firmante de la visita de su hija, Vita Lirola, de su yerno, Joaquín Begines Amores y de su arrebatador nieto Guille. ¿Quién da más…?

Nuestra anfitriona lo dio TODO, TODO, TODO. Una documentada, amena, exigente y muy cualificada exposición de las dos películas.  Las situó en su contexto histórico, cinematográfico y político. Las situó desde el punto de vista de la factura, de la fotografía, de la banda sonora, de los respectivos enfoques narrativos y estilísticos, del reparto, de las interpretaciones, del ritmo, de sus escenas más destacadas, de las filmografías de sus realizador y realizadora y hasta del montaje. De forma rigurosa y asequible, con el plus añadido de una mirada feminista. ¿Quien da más…?

‘Érase una vez en Hollywood’, de Quentin Tarantino suscitó aclamaciones mayoritarias pero también críticas y reservas. Entre las primeras, su ritmo; su tratamiento de la historia; su visión del lado más cutre, feroz y divertido de la decadencia de la Meca del Cine; su homenaje y tributo a ella tan irreverente y desmesurado; sus actores principales en una madurez interpretativa notable: ciertas secuencias como la de la niña y la de Bruce Lee; su giro final: su final; su mirada sobre Sharon Tate y sobre el fin de la inocencia de la industria y cómo la salva; su microcosmos de perdedores en decadencia, su… ¿Quien da más…?

Y entre las segundas, un filme menor; mal montado; con una fotografía manifiestamente mejorable; disperso; sobrado de metraje; sexista; con ese asesino machista tan “simpático” del que todos, excepto una mujer, son cómplices; con una Sharon Tate plana y esquemática; no especialmente bien escrito; excesivo en el mal sentido del término; que inicia y no desarrolla secuencias importantes; sus contradicciones con el movimiento hippie y la secta satánica y racista de Manson, sus…

‘Intocable’, de Ursula Macfarlane que – al haber estado en cartel apenas una semana y en una única sesión- much@s no habían visto, fue analizada como el excelente documental que es. Por sus valores feministas, estilísticos, empáticos y de puesta en escena. Por su denuncia de la figura, del  abuso de poder y del miedo que inspiraba de ese despreciable depredador sexual en serie Harvey Weinstein. Por el desgarrador testimonio de las víctimas, de las que se respetan sus silencios y lo innombrable, sus confesiones entrecortadas, tan terribles y emocionantes, junto a imágenes que potencian los aspectos más oscuros e inquietantes de sus relatos. Por todos los daños colaterales que han sufrido, y sufren, en sus vidas, profesiones y afectos.

Por la complicidad de la industria sabedora de las villanías de un protagonista que no quiso aparecer. Por la historia económica y fílmica de Miramax, con sus glorias, premios y miserias. Por las acosadas y violadas famosas y prometedoras entonces, ahora sombras de sí mismas, que no aparecen como Ashley Judd, Mira Sorvino, Gwyneth Paltrow… tan solo lo hace Rosanna Arquette, otra desaparecida. Por el Me Too de fondo. Por su contexto socioeconómico de un holding Weinstein aparentemente intocable. Por…

El miércoles, 6 de noviembre, a las 19.30, en Casa del Libro Viapol, más. A dos días del comienzo del Festival de Cine Europeo, que se celebrará del 8 al 16 de dicho mes, se harán recomendaciones de su programación. Además, debatiremos tres películas más que prometedoras sobre el papel. A saber: ‘Mientras dure la guerra’, de Alejandro Amenábar, en cartelera y HAY QUE VERLA CUANTO ANTES; ‘Sorry, we missed you’, de Ken Loach y ‘La trinchera infinita’, de Jon Garaño, Aitor Arregi y Jose Mari Goenaga, que entran el 31 de este mes. HAY QUE VERLAS CUANTO ANTES.

Gracias a Casa del Libro Viapol, a Daniel López, a Marina Alonso Espejo, a la modélica invitada Carmen Pombero, a la Asociación Andaluza de Mujeres de Medios Audiovisuales, AAMMA, por su colaboración imprescindible y generosa. Y a l@s mejores tertulian@s del mundo mundial por una apertura de curso y temporada tan extraordinaria. GRACIAS, GRACIAS, GRACIAS.