Archivo mensual: julio 2019

Mark Cousins es un crítico, guionista, productor, fotógrafo, presentador y cineasta británico, de la cosecha del 65, que ha abordado la grandiosa figura de Orson Welles desde un punto de vista tan fascinante como inédito en este documental – producción inglesa, de 110 minutos de metraje, fechada en 2018, escrito y fotografiado espléndidamente por él mismo – que aún se proyecta hasta mañana, jueves, 1 de agosto, en una única sesión a las 18 horas y que quien esto firma les recomienda encarecidamente que no se pierdan.

Concebido en tono epistolar – como una larga carta escrita, como una interpelación vía voz en off del director al colega genial – plantea una inmersión diferente en la biografía, la filmografía y la personalidad de Welles a través de los cientos de cartas y dibujos del autor, en gran parte conseguidos gracias a Beatrice Welles.

En ellos están están contenidas – y Cousins nos lo descubre en paralelo a imágenes de obras inmortales como ‘Ciudadano Kane’, ‘Sed de mal’, ‘El cuarto mandamiento’ o ‘Campanadas a medianoche’ entre otras – muchas soluciones de su narrativa y puesta en escena. En ellos están contenidos planos, escenas, secuencias, movimientos de cámara, decorados, líneas, ángulos, curvas, espacios, lugares, localizaciones y decorados, entre tantas cosas. En ellos está contenidas las señas de identidad narrativas y estéticas de un maestro. En ellos también el director llega a intuir algunos de sus referentes pictóricos.

Sigue al protagonista, a través de ellos y de fotografías, por su itinerario vital, por los países que le marcaron como Irlanda y España. A través de sus edades y de sus amores, de su poliédrica e intensa personalidad. Íntuye como habría filmado en este siglo y con la tecnología contemporánea… E incluso le hace responder desde el más allá a algunas de sus preguntas y planteamientos.

Lo escrito. Solo tienen ocasión de verla hasta mañana, jueves 1 de agosto, en una única sesión a las 18 horas.

No se lo pierdan.

Desde el pasado día 5 de este mes de julio y hasta el 14 de agosto inclusive, un ciclo de documentales en el Avenida, con una única sesión a las 18 horas, glosan – entre otros asuntos y efemérides – a cuatro cineastas, tres hombres y una mujer. A saber, Agnés Varda, Ingmar Bergman, Orson Welles y Buster Keaton.  Todo ello lo tienen en una entrada que publicó este blog y cuyo enlace es el siguiente:

https://sevillacinefila.com/2019/07/04/del-mayor-interes-cinefilo-documentales-en-el-avenida

Pues bien, agrupamos en dos partes los dedicados a dos maestros como Ingmar Bergman y Orson Welles, sin pretensiones de exhaustividad, desde las miradas de dos mujeres y dos hombres. Ambos, por cierto, radicalmente distintos en fondo, forma, puesta en escena y enfoque.

En esta primera, ‘Entendiendo a Ingmar Bergman’, las de su colega y rendida admiradora la prestigiosa cineasta alemana Margarethe von Trotta, políticamente comprometida y feminista – cosecha del 42, con títulos en su filmografía como ‘El honor perdido de Katharina Blum’ (1975), ‘El segundo despertar de Christa Klages’,  ‘Las hermanas alemanas’ (1981), ‘Rosa Luxemburgo’ (1986) o ‘Hannah Arendt’ (2012) – su hijo, el también realizador Felix Moeller, y la premiada montadora Bettina Böhler, aunque sea la directora quien se muestre a la cámara como hilo conductor del relato y responsable de las entrevistas.

Estamos ante una propuesta no por convencional de factura menos interesante; no por aparentemente amable menos incisiva con los claroscuros de la compleja y atormentada personalidad de un clásico del cine; no por accesible a todos los públicos menos cualificada para amantes y estudiosos del mito y del hombre que latía bajo el personaje; no por provenir de una admiradora entregada menos sutilmente irónica y crítica especialmente con sus circunstancias amorosas y familiares…

Y si, además de todo ello se destaca que era un cineasta muy afín a las mujeres , nos es mostrada su sencilla sepultura, añadimos secuencias de sus películas más míticas y de algunos de sus rodajes, enriquecidas con comentarios y aportaciones y entrevistas con personajes, personas, de la talla de Liv Ullman, Gunnel Lindblom, Daniel Bergman – uno de sus más de diez hij@s – Olivier Assayas, Ruben Östlund o Mia Hansen Love. quien confesó haber sentido el miedo y el espíritu del genio en la isla de Farö, donde vivió y murió el protagonista y en la que estuvo diez días sola… son razones más que suficientes para recomendarla.

Aquí su ficha técnica: coproducción germano-francesa, fechada en 2018, de 109 minutos de metraje, cuyo guión lo escriben conjuntamente Margarethe von Trotta y Felix Moeller y que cuenta con una espléndida fotografía de Börres Weiffenbach.

Háganse con ella.

Aunque quien esto firma no suela leer nunca las críticas ajenas – ni siquiera las de compañer@s y amig@s… – antes de hacer las propias, sí que lo ha hecho con el titular de una de ellas, de Alberto Luchini en El Mundo recogido por la imprescindible filmaffinity, que afirma que esta ‘Yesterday’ que nos ocupa es más una película de su guionista – Richard Curtis, ciudadano inglés de la cosecha del 56, que escribió entre otros títulos emblemáticos para el gran público ‘Cuatro bodas y un funeral’ (1994), ‘Nothing Hill’ (1998), con la que también con cierta lógica se la ha comparado, o ‘Love Actually’ (2003), además de un par de la saga de Bridget Jones – que de su director, Danny Boyle, ciudadano inglés de la misma cosecha, con una filmografía tan irregular como jugosa en la que destacar ‘Trainspotting’ (1996), ‘Slumdog millionaire’ (2008) o ‘Steve Jobs’ (2015). Y no puede estar más de acuerdo.

Porque, aunque se parta de una ingeniosa y brillante historia previa de Jack Barth, en la que se nos narra que – debido a un apagón universal imprevisto, tras el que sufre un accidente – un joven músico condenado al fracaso despierta en un mundo en el que es el único que conoce a los Beatles. Una vez constatada esta certeza, que se extiende también a su mejor amiga, representante y secretamente enamorada de él, y pese a sus escrúpulos éticos, decide aprovecharse de la situación y recrear las canciones del grupo como si fueran propias, con un éxito fulgurante.

A partir de ahí, esta comedia en clave fantástica – producción británica de 116 minutos de metraje, con una buena fotografía de Christopher Ross y parte de la banda sonora del mítico cuarteto en la voz del protagonista, un desvaído aunque esforzado Himesh Patel en la que también aparece como personaje el famoso Ed Sheeran – que debió ser una ácida, divertida y demoledora reflexión sobre la fama, la industria discográfica, la arbitrariedad del éxito, la memoria, el plagio… aunque algo de esto tenga, con más trazos gruesos que finura, se convierte en una comedia romántica, blanda, predecible e insulsa, más o sobre todo. Con el agravante, para quien esto firma, de la nula química entre Lily James – en un rol abnegadamente femenino – y el citado Patel.

Pero, vamos, que esta es solo una opinión más. Tengan en cuenta que ha convencido mayoritariamente a público y crítica. La pelota, en sus tejados.

El Festival de Sevilla ha dado a conocer a medios habitualmente acreditados en él, como es el caso de este blog, que ya tiene fecha y película inaugural. O lo que es lo mismo, que su decimosexta edición tendrá lugar del 8 al 16 de noviembre y que será ‘Madre’, de Rodrigo Sorogoyen, la que abrirá el Certamen «tras su estreno mundial en Venecia».

Rodrigo Sorogoyen, guionista y realizador madrileño de la cosecha del 81, tiene una filmografía muy estimable y galardonada. En la que destacamos la historia intimista y demoledora ‘Stockolm’ (2013), que se hizo con tres Biznagas de Plata en Málaga a la Mejor Dirección, al Mejor Guión Novel (para él mismo e Isabel Peña, su coescritora habitual) y a la Mejor Actriz, para Aura Garrido, además del Premio Signis y el del Jurado Joven a la Mejor Película y un Goya al Mejor Actor Revelación para Javier Pereira. El enlace a su crítica en esta página es:

https://sevillacinefila.com/2013/11/23/stockholm-noche-y-dia/

En la que destacamos, en un registro radicalmente opuesto, la implacable ‘Que Dios nos perdone’ (2016), Mejor Guión en San Sebastián y dos Goyas, también al Mejor Guión Original y Actor, para Roberto Álamo. El enlace a su crítica en esta página es:

https://sevillacinefila.com/2016/10/29/que-dios-nos-perdone-urbi-et-orbi/

En la que destacamos el potente thriller político ‘El reino’ (2018), ganador de siete Goyas:  Mejor Dirección, Mejor Guión Original, Mejor Actor Protagonista (Antonio de la Torre) y De Reparto (Luis Zahera), Mejor Sonido, Montaje y Música Original. El enlace a su crítica en esta página es:

https://sevillacinefila.com/2018/09/30/el-reino-que-el-pueblo-no-os-perdone/

‘Madre’ (2019) – su última propuesta, con la que arrancará el SEFF – se inspira en  el inquietante cortometraje homónimo, de nuevo en clave intimista, que el director rodó en 2017, por el que ganó un Goya y estuvo nominado a los Oscar. Retoma la historia de esa mujer que perdió a su hijo mientras pasaba unas vacaciones con el padre y cree haberlo reencontrado diez años después… Protagonizan Marta Nieto y Álex Brendemühl y promete muchísimo.

Además, puede darse la circunstancia – ojalá que no… – de que el primer domingo del Festival, 10 de noviembre, se celebren unas nuevas elecciones generales. Es lo que está previsto si no se llega a un acuerdo de investidura en septiembre.

A tener muy en cuenta. Escrito queda.

En las últimas semanas han coincidido en nuestra cartelera, si bien que fugazmente la mayoría de ellas, dos películas sobre madres e hijas, aunque muy diferentes en temáticas – ‘Wild Rose’, de Tom Harper y ‘Un amor imposible’, de Catherine Corsini – otras dos que tienen que ver con los Beatles, directa o indirectamente – ‘Yesterday’, de Danny Boyle y ‘An Accidental Studio, de Bill Jones, Kim Leggatt y Ben Timlett – y dos más que glosan sendas efemérides, de características radicalmente opuestas, que se cumplen en este mes de julio – los 50 años del primer alunizaje en ‘Apolo 11’, de Todd Miller y los 8 de la matanza terrorista de la isla noruega que le da título, en esta ‘Utoya, 22 de julio’, de Erik Poppe, que nos ocupa. Todas vistas por quien esto firma, siendo la cuarta que reseña en este blog.

Estos fueron los hechos:

A las 15,26 del día citado, 22 de julio de 2011, se produjo una explosión – detonada por un coche bomba nada sospechoso – en un edificio gubernamental próximo a las oficinas del Primer Ministro, que quedó totalmente destruído. Fallecieron 8 personas y más de un centenar resultaron heridas. Luego, el asesino – Anders Behring Breivik, de 32 años, simpatizante de la ultraderecha, que actuó en solitario – se dirigió a la isla de Utoya, donde tenía lugar anualmente un campamento político de verano de las juventudes laboristas al que pensaba acudir, la jornada siguiente, el jefe del Gabinete.

Disfrazado de policía y fuertemente armado, reunió a l@s participantes y a sus monitores-as so pretexto de la  seguridad y comenzó a dispararles indiscriminada y continuamente durante más de una hora, lo que tardaron en llegar las fuerzas de seguridad a rescatarles, un retraso intolerable por el que se perdieron muchas vidas. El devastador resultado fue de 69 muertos y varios centenares de heridos, por los que el autor de la masacre nunca se arrepintió y sigue considerándose a sí mismo como «un fascista y un nazi». Fuente: Wikipedia.

Al productor, guionista y realizador de ese país, Erik Poppe – cosecha del 60, del que recordamos ‘Mil veces buenas noches’ (2013), integrante de su llamada ‘Trilogía de Oslo’ – no le interesa documentar esta terrible tragedia al modo convencional, sino sumergirnos en el corazón de las tinieblas, en el epicentro y las entrañas del terror experimentado por est@s chic@s – de edades comprendidas entre los 14 y los 19 años, comprometid@s social y políticamente, con todos los sueños y el futuro por delante – sirviéndose de un plano secuencia sin cortes que sigue, como hilo conductor, a una joven, Kaja, – personaje ficticio, aunque la película se base en los testimonio de tres supervivientes – a través de la isla, a partir de que lleguen las primeras y confusas noticias del primer ataque en la capital y suenen las primeras detonaciones…

Su mirada: su ansiedad; su desconcierto; su desesperación; su incredulidad; su pánico: su valor; su generosidad al acompañar a herid@s, hasta su último aliento, a riesgo de su vida; su búsqueda desesperada de su hermana menor y de un escondite seguro que las frías aguas, las rocas hostiles y un bosque no especialmente frondoso le niega; su incomprensión ante la ausencia de ayuda y ante el rumor de que el agresor es un policía – alguien lo comenta de pasada… -; su certeza ante una muerte segura… son las de tod@s sus compañer@s y se transmiten, como descargas eléctricas de una intensidad y un pathos atroces, inquietantes y difícilmente soportables a l@s espectadores-as.

Con ella, vemos a esas criaturas inocentes e indefensas atrapadas sin escape posible ante un cazador que pretende eliminarlas, que no saben a dónde ir, que huyen sin rumbo, que se acurrucan donde pueden, que no siempre toman las mejores decisiones, que se arrastran en pos de una salvación improbable, que hablan con sus madres y padres que les dicen que les quieren, que conocen su final, que… ESTREMECEDORA.

93 minutos de absorbente y tenso metraje. Su guión se debe a Anna Bache-Wiig y a Siv Rajendram; su excelente fotografía, tan dramática como el relato, la firma Martin Otterbeck y su música, que se hace oir apenas y cuando debe, a Wolfgang Plagge. La excelente Andrea Berntzen es nuestra guía en el horror.

Solo la proyectan en el Nervión, aunque doblada. Consulten horarios y sesiones y NO SE LA PIERDAN BAJO NINGÚN CONCEPTO.

Quien esto firma debe aclarar que el epígrafe de esta entrada se corresponde con el de una película italiana que dirigió Cristina Comencini en 2005, con alguna concomitancia con la que nos ocupa, aunque las separen enormes diferencias. Y que, desde luego y animalista como es, se refiere a la bestia humana que aquí tiene una envoltura hermosa y distinguida, lo que la hace aún más peligrosa.

Estamos en la provincia francesa de los años 50 cuando una mecanógrafa de origen judío y de ascendencia humilde, se enamora perdidamente de un joven de la burguesía ilustrada, con el que inicia una apasionada relación que abre su mente, su corazón  y sus sentidos, pero… él no tiene ninguna intención de comprometerse con ella sencillamente porque carece de fortuna y de posición. Pese a todo continúan adelante, hasta que ella se queda embarazada lo que provoca un alejamiento de él, junto a reapariciones inesperadas. Cuando nace la niña, se muestra como un padre ausente en la misma tónica.

Incluso peor, pues se ha casado y ha formado su propia familia. Ella sigue aceptándole como es, pero quiere que reconozca legalmente a la menor. Cuando al fin lo consigue, y la chica es una adolescente, se interesa en cultivarla, viaja con ella y la frecuenta, pero… tal vínculo esconde un terrible secreto. Es la hija quien cuenta la historia con una voz en off perfectamente integrada en el relato y que recupera una tradición fílmica muy cara a la cinematografía francesa, ‘Nouvelle Vague’ incluida.

La actriz, guionista y directora Catherine Corsini – cosecha del 56, de la que recordamos especialmente la comprometida y militante ‘Un amor de verano’ (‘La belle saison’, 2015) – se ha rodeado de su muy solvente equipo habitual para filmar esta película de 135 minutos de metraje. O lo que es lo mismo: ha coescrito ella misma un sólido guión con Laurette Polmanss, que adapta el libro homónimo, y autobiográfico, de la muy premiada y valiente autora francesa Christine Angot. La excelente fotografía se debe a Jeanne Lapoirie y la no menos notable banda sonora a Gréoire Hetzel.

Y lo hace, lo hacen, con el tempo adecuado y mostrando muy bien el paso del tiempo, con una puesta en escena elegante y sutil y con la intensidad contenida que requería un material narrativo que hubiese sido altamente inflamable en otras manos. Pero también con un retrato implacable de un seductor sin escrúpulos, de un abusador cruel y refinado, carente de sentimientos y de la más mínima empatía con dos mujeres que le aman, le admiran y le necesitan en sus vidas y en sus afectos.

Dos mujeres cuya relación peligrará por él, pues este es otro de los amores imposibles de la película, el de madre e hija. Dos mujeres enfrentadas, en un contexto tan clasista como misógino que la mirada de la realizadora sabe mostrar tan bien, por y a causa de un desalmado. Dos mujeres y un hombre, en relación doblemente dual y triangular, a quienes prestan sus rasgos y talento Virginie Efira – sobre tod@s, ella -, Niels Schneider, Estelle Lescure y Jehnny Beth en dos de las edades de la más joven. Dos mujeres que, pese a todo, encontrarán – años después – la posibilidad de encontrarse, comunicarse y comprenderse.

Tan solo una semana ha durado en esta ingrata cartelera sevillana esta película notable, esta mirada de mujer tan feminista y valiosa. Háganse con ella.

Una buena oferta de estrenos la de este viernes, al menos sobre el papel. Con algunas advertencias que deberían tener muy en cuenta. Destacamos cinco películas que, en su mayor parte, pueden verse en sesión original. A saber, las comentaremos por este orden, una canadiense, una noruega, una alemana, una estadounidense y una francesa.

La primera es ‘Génesis’, de Philippe Lesage. De tintes autobiográficos, expone tres historias de amor adolescente. Espiga de Oro a la Mejor Película, Mejor Director y Actor en Valladolid, sus críticas son excelentes. SOLO LA PROYECTA EL AVENIDA A LAS 20 HORAS ESTE FIN DE SEMANA Y, A PARTIR DEL LUNES, TAMBIÉN A LAS 22.30. CONSULTEN SIEMPRE Y VÉANLA CUANTO ANTES.

La segunda es ‘Utoya-22 de julio’, de Erik Poppe. Un thriller dramático y político, basado en el hecho real del atentado terrrorista que tuvo lugar en un campamento de verano juvenil, en la ciudad y la fecha indicados en el título, en 2011. Premio a la Mejor Fotografía en los galardones del Cine Europeo, ha interesado muchísimo. SOLO LA PROYECTA EL NERVIÓN DOBLADA EN VARIAS SESIONES QUE DEBEN CONSULTAR, PUEDE SALIR PRONTO. VÉANLA CUANTO ANTES.

La tercera es el documental ‘Entendiendo a Ingmar Bergman’ que codirige la prestigiosa realizadora Margarethe von Trotta, junto a Felix Moeller y Bettina Böhler. Una semblanza de la vida y obra del mítico director. SOLO LO PROYECTA EL AVENIDA DESDE ESTE DOMINGO, 21, HASTA EL 25 DE JULIO INCLUSIVE EN UNA ÚNICA SESIÓN. CONSULTEN HORARIO Y VÉANLO CUANTO ANTES.

La cuarta es otro documental, ‘Apolo 11’, de Todd Miller. Basada en un material inédito cedido por la NASA sobre la famosa misión que llevaría por primera vez al hombre a la Luna, de la que se han cumplido 50 años. Excelentes referencias y Premio Especial del Jurado en Sundance. DOS ÚLTIMAS OPORTUNIDADES DE VERLA EN EL AVENIDA HOY Y MAÑANA, A LAS 18.15 UNÍCAMENTE. VÉANLO CUANTO ANTES.

Y la quinta es ‘Al agua gambas’, de Maxime Govare y Cédric Le Gallo. Sobre un entrenador homófobo cuyo «castigo» será trabajar con un equipo gay de waterpolo. Ha cosechado división de opiniones, dentro de sus esquemas comerciales, pero se le puede dar una oportunidad.

«No hay baldosas amarillas», es una estrofa de una de las muchas y preciosas baladas que nos regala esta película. Una clara referencia metafórica a ‘El mago de Oz’, que también alude a la confrontación entre la realidad y el deseo, entre los sueños inalcanzables y los posibles, entre el viaje ambicionado y la vuelta al hogar… aunque la Rose de la que nos ocupa no tenga nada que la Dorothy del mítico film de Victor Fleming.

Producción inglesa de 101 minutos de metraje, fechada en 2018, realizada por el cineasta Tom Harper – cosecha del 80, que tiene en su haber ‘La mujer de negro. El ángel de la muerte’ además de cortometrajes premiados y trabajos en miniseries televisivas- muy bien escrita por Nicole Taylor; muy bien fotografiada, con la textura dramática requerida, por George Steel y con una vibrante banda sonora- repleta de hermosos temas, como se ha citado ya – de Jack C. Arnold.

La historia de una madre soltera prematura de una niña y un niño, con 23 años, recién salida de la cárcel, tras doce meses en ella,  y cuyo sueño es dejar su Glasgow natal y triunfar musicalmente en la legendaria escena country del Festival de Nashville. La historia de una chica de clase trabajadora que debe y no sabe, o no puede, conciliar sus responsabilidades con su vocación.

La historia de esta joven llena de pasión, energía y talento que se da de bruces con la realidad cruda y hostil de su estatus socioeconómico; con sus propias contradicciónes y desequilibrios; con las justas demandas de unos hijos que apenas la conocen y con la oposición de una madre, y cuidadora de los menores, entregada y generosa, pero exigente…

…Tal historia podría haber tomado un temible camino melodramático y convencional repleto de clichés, pero el realizador – y sobre todo la guionista, aquí hay una potente mirada de mujer promujeres en su escritura – las elude sabia y lúcidamente. El resultado es complejo y emocionante, con relaciones no siempre fáciles, pero muy empáticas y sensibles entre los personajes femeninos. Cuidadoso con ellas y sus circunstancias, a quienes jamás juzga, sino que las muestra en toda su dolorosa e íntegra autenticidad.

Especialmente con la maternidad no enteramente asumida y vivida como una carga, que recae en los hombros de la progenitora y abuela, tan implacable como finalmente comprensiva. O con la señora a la que sirve, tan entusiasta, cómplice y colaboradora. O con ese viaje tan mítico como iniciático. O con la vuelta a casa que es cualquier cosa menos una derrota. Que es asumir las raíces, compatibilizando la responsabilidades y la vocación en ese hermoso, y muy emotivo, final de la estrella emergente.

En el muy solvente reparto cabe destacar a la magnífica Julie Walters, a la sensible Sophie Okonedo y, sobre todo, a la arrebatadora, magnética y carismática Jessie Buckley, también cantante y compositora, que interpreta maravillosamente muchas de las canciones.

Estimable y valiosa pieza independiente, solo va a proyectarse una semana, devorada por las grandes superproducciones, en el cine Nervión. Mañana es su último día. Consulten horarios y sesiones y, aunque la vean doblada, NO SE LA PIERDAN.

HandMade Films, compañía británica de producción y distribución cinematográfica, fue fundada por el músico, compositor, productor musical, actor, guitarrista, cantante y ex componente de los Beatles, George Harrison (1943-2001), junto a Denis O’Brien, en 1978 para financiar la película de sus amigos Los Monty Python ‘La vida de Brian’ que, por su contenido supuestamente blasfemo, no querían financiarla ninguna de las dos existentes en Reino Unido. Harrison apostó por ella, por un cine independiente, libre, insobornable y transgresor y por ellos, hipotecando su mansión a tal efecto. Una jugada que se saldó – pese al boicot de representantes y creyentes de varias confesiones religiosas – con un éxito extraordinario de público y crítica. Y esto solo fue el principio…

Este documental – de 130 minutos de metraje, dirigido por Bill Jones, Kim Leggatt y Ben Timlett, con una excelente fotografía de Brendan McGinty y una ajustada partitura de John Greswell y Andy Mellon – da cuenta de los diez primeros años de esta productora, desde finales de los 70 a finales de los 80 aproximadamente, de sus títulos más destacados y de sus directores y protagonistas.

Resulta, a la vez, un tributo a una empresa pionera y un capítulo importante de la historia del cine, no solo inglés. Por él desfilan nombres propios tales como Terry Gillian, Terry Jones, Bob Hoskins, John Cleese, Brenda Vaccaro, Helen Mirren, Neil Jordan, Eric Idle, Graham Chapman, Bruce Robinson… entre un interminable etcétera de cineastas y expertos.

Y escenas – junto a jugosas anécdotas de los rodajes – de la citada ‘La vida de Brian’, de Terry Jones; de ‘Mona Lisa’, de Neil Jordan; de ‘El largo Viernes Santo’, de John Mckenzie; de ‘Los héroes del tiempo’, de Terry Gilliam; de ‘Whithnail y yo’, de Bruce Robinson; de ‘Shanghai Surprise’, de Jim Goddard, de…

Un homenaje más que interesante a una Compañía que propició un cine libérrimo, al límite e insobornable y a quienes hicieron posible tales filmes. Y, sobre todo, a un hombre – cuya vertiente cinéfila resultaba bastante desconocida – lúcido, divertido, inteligente que apostaba por la creatividad artística frente al negocio y a la rentabilidad, George Harrison.

Ya no la exhiben en Sevilla, pero intenten hacerse con ella. Es un consejo.

Para mi hija, Vita Lirola, que lo creó para mí. Un enorme regalo, uno de los muchos por los que tengo con ella una deuda de gratitud permanente. GRACIAS, GRACIAS, GRACIAS.

Tal día como hoy, el 9 de julio de 2010, era viernes, aparecían las dos primera críticas en estas páginas firmadas por quien esto suscribe. Las películas, en cuestión, eran la francesa ‘Villa Amalia’, de Benoit Jacquot y la estadounidense ‘La última estación’, de Michael Hoffman. Desde entonces hasta ahora, ha llovido mucho…

Desde entonces hasta ahora, casi 1.500 entradas y el inmenso honor y gratitud infinita por los dos premios conseguidos, ambos en 2013, el de la crítica andaluza, ASECAN, a la Labor Informativa y el de Blogosur, al Mejor Blog de Cultura. Desde entonces hasta ahora, ha habido que superar inseguridades, bloqueos y desalientos. Desde entonces hasta ahora, se ha impuesto seguir adelante pese a la sensación de clamar en el desierto. Desde entonces hasta ahora, ha sido mucho más que un blog para su titular.

Desde entonces hasta ahora, se ha convertido en su amigo, cómplice, diario y confidente. Desde entonces hasta ahora, el cine, siendo la principal, no ha sido su única temática. Desde entonces hasta ahora, se han registrado aquí además presentaciones de libros; crónicas de manifestaciones trabajadoras, feministas y animalistas:, de jornadas, de cursos, de talleres, de sesiones de los clubs de lectura de esta firmante, de la tertulia cinematográfica que coordina, que va a hacer este próximo curso ocho temporadas, de crónicas del SEFF, de la noche de los Oscar en la emisora del Sevilla y también de los duelos por personas no humanas inolvidables, compañer@s de vida que se marcharon para siempre.

Desde entonces hasta ahora, sus señas de identidad ideológicas han sido, y siguen siendo, violetas, rojas, tricolores, arcoiris y antiespecistas, el orden de los factores no altera el producto. Desde entonces hasta ahora, se ha intentado combinar la libertad y la informalidad en sus reseñas, siempre con lenguaje inclusivo, con el debido respeto a los datos objetivos. Desde entonces hasta ahora, se procura actualizar sus contenidos como mínimo cada tres días. Desde entonces hasta ahora…

Gracias a cuant@s lectores-as siguen a Sevilla Cinéfila. Son su mayor tesoro y la razón de su continuidad. GRACIAS, GRACIAS, GRACIAS.